Cuando entras en la pintura de Pere Galera (Granollers, 1963), cuando crees haber asumido su intención, ya es demasiado tarde, pues éste ya se encuentra en otro camino. Galera trabaja la pintura sin concesiones comerciales, cambiando según él cambia, y haciendo de esta búsqueda el motivo de su obra. Su pintura es el reflejo de su emoción y pensamiento, combinando la minuciosidad y la reflexión con la intuición y el accidente. En la selección de obras expuestas en la galería Antoni Pinyol, Pere Galera muestra al mismo tiempo el interior y el exterior, la descripción y la insinuación, lo público y lo privado. Las pinturas tienen ventanas por las que accedemos a una dimensión doméstica de la maximización del espacio, el cual sirve de background. Un juego de ventanas a modo de trucos de magia donde la trampa está a la vista. La ilusión del espacio es como un juego de espejos donde lo importante no es lo que vemos, sino lo que se insinúa. Y lo insinuado comparte la dualidad que es la sustancia de la pintura de Pere Galera, lo espiritual y lo terreno.

Samuel Salcedo

Factory Home III, 2007. Acrílico, tela, madera y poliestireno, 120 x 110 x 5 cm.

Urban Summer Hytta, 2006. Acrílico, madera y poliestireno, 115 x 40 x 30 cm.

En su investigación pictórica trata de acercarse a la síntesis de la forma y a la esencia de lo expresivo, manteniendo el aspecto lúdico y experimental de la pintura. Utiliza estructuras contenidas y reveladas al mismo tiempo, donde lo interior y lo exterior, el vacío y lo manifestado, coexisten en un mismo plano de realidad. Los cromatismos son intensos, luminosos y contrastados, lejos de una paleta tradicional para evitar referencias narrativo-figurativas y mantener la atención en la cristalización de la idea. Pere Galera

Red Chests, 2005. Acrílico sobre tela sobre madera y poliestireno, 120 x 120 x 5 cm.

La carrera artística de Joan Ill destaca por su investigación sobre los límites de la pintura, especialmente en el uso de la luz y la transparencia, integrando el marco como parte fundamental de la obra. En sus instalaciones, normalmente site specific, combina diferentes técnicas, como son: la luz, el sonido, la impresión sobre tela (digigrafía), la pintura o el video. En Disseminat 35. Essències encontramos un ejemplo de este talante, en una instalación que resulta también un homenaje a la naturaleza y que nos plantea dicotomías entre interior y exterior, espiritualidad y materialidad o vida y muerte.

Natura Morta, una de las series que acompañan la instalación, forma parte de su última serie en la que la transparencia vuelve a jugar un papel esencial; esta vez para enfatizar la naturaleza de varios planos que conviven en el mismo espacio. El ciprés, símbolo sagrado en las distintas culturas mediterráneas, protagoniza la pieza con la misma austeridad con la que apunta al cielo. Este icono sublimado sobre tela de poliéster permite entrever el fondo dorado de lo sagrado así como el otro protagonista de la pieza: el marco

Natura morta II
2019
Tècnica mixta
180 x 120 cm

Salomó A (tríptic)
2019
Tècnica mixta. Fusta, poliester i pintura
150 x 300 cm (c/u)

Su obra ha sido expuesta por toda la península y en diversos países estrangeros y, actualmente forma parte de importantes coleciones, tanto públicas como privadas, tales como las de la de la Fundació “la Caixa” de Barcelona, la Ali Art Foundation de Damasco, la Mairie XIII Arrondisement y la France Loissirs de París o la Universitat Politècnica de Catalunya o el mismo Museo de Reus, entre muchas otras.

El artista Juan Gil Segovia presenta en la Galería Antoni Pinyol de Reus la exposición “Territorios Cruzados”, un conjunto de obras producidas entre 2006 y 2020 que tienen como común denominador el tratamiento del paisaje y los entornos contemporáneos mediante usos no canónicos del medio fotográfico.La exposición, comisariada por Clara Isabel Arribas Cerezo, se produce tras alzarse Gil Segovia como ganador el pasado mes de junio del 28 PremiTelax, convocado por la galería desde el año 1992. Con motivo de la muestra se ha editado un catálogo con un texto de presentación del artista y profesor José Luis Pajares.

“Territorios Cruzados” hace referencia, en primer término, a una práctica cada vez más frecuente en el trabajo fotográfico de Gil Segovia; la mezcla (evidente, sin trucaje digital) de diferentes entornos en una sola imagen. Del mismo modo, podemos entender el dialogo entre obras actuales y otras con más de una década de antigüedad como una serie de territorios cruzados, un conjunto vertebrado poruna constante: la representación de entornos dominados por el ser humano (carreteras, arquitecturas, animales domésticos, ruinas, etc.) pero en los que, paradójicamente, la figura humana nunca queda reflejada en la imagen.

Sin título, 2006
Esmalte y emulsión fotográfica sobre madera (obra única)
10 x 15 x 37 cm

Bosque Reflejo, 2009
Emulsión fotográfica sobre madera y objeto (obra única)
34 x 47 x 65 cm

Entramado de color, 2014
Acrílico y emulsión fotográfica sobre madera (obra única)
21 x 155 cm

Hacer camino, 2015
Emulsión fotográfica sobre madera y objeto (obra única)
75 x 33 x 55 cm

Las obras más antiguas están fechadas en 2006, año en el que el artista obtuvo la licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca.Tanto estos trabajos seminales como los creados en los años inmediatamente posteriores destacan por su presencia física, ya que se trata de piezas tridimensionales, enfatizando el carácter objetual de la imagen en esta época inundada de fotografías desmaterializadas. Son piezas realizadas con emulsión fotográfica liquida, un procedimiento que aprendió siendo alumno de José Luis Pajares en la facultad de Bellas Artes de Salamanca y que, unido a la elección de la madera como soporte, otorga un aspecto pictórico a estas obras.

Junto a estas también se muestran trabajos recientes, algunos de ellos de este mismo 2020 y creados durante el periodo de confinamiento. En estas composiciones actuales se amplían tanto los soportes (tela, papel) como los procedimientos (cianotipia, transferencia), pero permanece una constante, y es la condición de ejemplares únicos de todas las obras de la exposición, ya que el artista no realiza tiradas de sus trabajos fotográficos, renunciando de forma consciente al carácter reproductible de la fotografía.

Orden natural, 2018
Transferencia sobre tela y emulsión fotográfica sobre madera (obra única)
64 x 104 cm

Gruta, 2020
Impresión offset y fotografía química sobre papel (obra única)
24 x 18 cm

Cubierta, 2020
Impresión offset y cianotipia sobre papel (obra única)
25 x 37 cm

Resto, 2020
Fotografía química, impresión offset y cianotipia sobre papel
48 x 34 cm

Juan Gil Segovia (Ávila, 1983) es Licenciado en Bellas Artes y Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte por la Universidad de Salamanca en 2006 y 2013 respectivamente. Su trabajo se ha expuesto en galerías como Trama (Barcelona), 6más1 (Madrid) o Benito Esteban (Salamanca), en espacios alternativos comoMenosUno y Off Limits (Madrid) y en ferias como ARCO, JustMad o Art/Marbella.Su obra forma parte de colecciones institucionales como las del Banco Sabadell,el Centro de Arte de Burgos, la Junta de Castilla y León o la Universidad Complutense de Madrid, entre otras.

Ha sido premiado en diversas convocatorias, entre ellas en el Certamen de Arte Joven de la Junta de Castilla y León (2008, 2009), en el Premio Caja España de Escultura (2009) o en el Premio de Pintura Ciudad de Badajoz (2016). En 2017 recibió una beca de creación artística de la Fundación Villalar–Castilla y León para desarrollar, en colaboración con Clara Isabel Arribas Cerezo, el proyecto “La arqueología del ser”, basado en el legado del artista y escritor José Antonio Arribas.

En los últimos años ha compaginado la práctica artística con la docencia, siendo profesor asociado de Departamento de Pintura y Conservación-Restauración de la Universidad Complutense de Madrid (entre 2016 y 2019) y en el Departamento de Didáctica de la Expresión Plástica en la Universidad de Salamanca (entre 2011 y 2014).

Estructura Interna I, 2020
Fotografía química sobre papel (obra única)
18 x 24 cm

Territorios Cruzados, 2020
Impresión offset, cianotipia y fotografía química sobre papel (obra única)
305 x 70’5 cm

La exposición del 28 Premi Telax, que se podrá ver a partir del 16 de junio en la Galería Antoni Pinyol, reúne las obras de los 11 artistas seleccionados para esta edición del premio de arte contemporáneo que celebra anualmente la galería. Este año, destacan las propuestas que intentan ir más allá de los lenguajes tradicionales de la pintura, la fotografía y la escultura, a través de miradas completamente distintas, de la mano de 11 artistas emergentes que reflejan la actualidad artística de nuestro entorno. Los participantes han sido seleccionados por el jurado que, para esta edición, se compone por el artista Aureli Ruiz, la diseñadora e interiorista Cristina Pinyol, el director del Convent de les Arts d’Alcover y artista Aleix Antillach, la comisaria y directora de la revista Artiga AssumptaRosés y, el director de la galería, Antoni Pinyol.

Para esta edición el ganador ha sido Juan Gil, con su obra “Travesía Sonora”. Además se han dado dos accésits, a Marta Castro y Víctor Solanas-Díaz y, finalmente, una mención honorífica a Saloua Bougajdi.

Juan Gil: Travesía Sonora, 2019, fotografía a color y electrografía sobre papel montado sobre madera, 122 x 87 cm. Ganador del 28 Premi Telax.

Víctor Solanas-Díaz: Between Categories, 2020, cinta holográfica sobre acero plegado, 150×180 cm. Accésit.

Marta Castro: Lindes I, 2020, madera, yeso, pulpa de papel modelada y cuerdas, 70 x 50 x 30 cm. Accésit.

Saloua Bougajdi: La Révérance, 2019, técnica mixta sobre tela, 100 x 100 cm. Mención honorífica.

Benedetta Galli: Ritratto di uomo e donna 1, 2017-2020, fotografía digital, hotglue y plexiglas.

Cris Bartual: Aproximación a lo cercano, 2018, fotografía digital, 60 x 100 cm.

Juana Céspedes: Barcelona, Colores de primavera, acuarela sobre papel guarro de 300 g., 70 x 50 cm.

Miquel Ponce: Sin título, 2019, pintura acrílica sobre tela, 41 x 33 cm.

Luis Oliveto: Polígonografía, 2019, cerámica sobre madera.

Juan Manuel Benítez: El palco de invitados, 2020, óleo sobre papel, 77 x 133 cm

Noé Peiró:
Plats Bruts 1 (de 2), 2020
Spray sobre tela
130 x 89 cm

Josep Piqué Iserte (Montbrió del Camp, 1913 – 2012) estudià Arquitectura a la Universitat de Barcelona i va viure entre la Ciutat Comtal i el seu poble natal fins l’any 1954 en què fixa la seva residència a Reus.

La seva formació acadèmica, junt a la tasca com Arquitecte i els seus dots innats d’observació de la natura forjaren el professional i l’artista. El seu esperit inquiet i la pulsió expressiva el van acompanyar sempre. Va treballar múltiples disciplines: pintura, escultura, disseny de mobiliari, de catifes i tapissos, collages, etc., i, fins i tot, es pot dir que va arribar a practicar-ne una de pròpia: la piquégrafia.

Fa incursions al món de la música i composa peces breus per a piano que han estat enregistrades en CD: Música contada (2003) i Divertiment (2019).

Va pertànyer al grup artístic ARA -Artistes Reusencs Actuals-, creada el 1960 sota el lideratge de Ramon Ferran amb la voluntat d’innovar el llenguatge artístic i explorar nous camps d’expressió.

Josep Piqué és va moure sempre en els diferents espais artístics amb una total llibertat personal i creativa. El seu estil pictòric i escultòric és singular i inconfusible.

L’artista va morir als 99 anys. La seva és una llarga trajectòria dedicada a l’art. Les seves creacions ens han romàs i el transcendeixen per mostrar-nos la seva contemporaneïtat, el seu caràcter sempre líric, gairebé musical, sorgides d’una sensibilitat artística integral.

Més informació a: https://fundaciopiqueart.cat/

Aquest és un projecte obert que se sustenta en la captura d’imatges trobades a l’atzar, tot observant l’entorn més immediat, dins d’un estat mental de calma i assossec. Cada fotografia respon a una trobada entre la raó (metàfora, simbolisme) i la bellesa derivada d’espais amb pocs elements que guarden una certa harmonia. Quan capturo una imatge, en el context d’aquesta sèrie, observo prèviament la relació i disposició dels diferents elements que hi apareixen. Miro si es produeix una ressonància dins meu, algun fil intuïtiu que em parla del metallenguatge derivat de les relacions entre els diferents punts d’interès de cada escena. Un dels vehicles expressius que es manifesten en cada fotografia és la subtilitat, la qual ens permet la multiplicitat de lectures personals en funció del que ha experimentat al llarg del temps cada lector visual. Són fotografies que responen a diàlegs callats de tots els subjectes o elements que apareixen en cada imatge, i que l’espectador o receptor ha de copsar si realment escolta a través de la mirada. Aquesta sèrie evoluciona dia a dia i no té un final definit prèviament, ja que es basa en l’observació sempre canviant dels entorns urbà, perifèric i natural. El projecte està expressat en blanc i negre, atès que és un treball conceptual i requereix utilitzar només la simbologia a la qual apunta cada imatge.

Diàlegs callats-111, 2019, còpia digital impresa sobre paper Hahnemühle Photo Rag Baryta, 30×45 cm.

Diàlegs callats-06, 2016, Còpia digital impresa sobre paper Hahnemühle Photo Rag Baryta, 20×30 cm

Diàlegs callats-04, 2018, Còpia digital impresa sobre paper Hahnemühle Photo Rag Baryta, 30×45 cm

Diàlegs callats-01, 2017, Còpia digital impresa sobre paper Hahnemühle Photo Rag Baryta, 20×30 cm

Diàlegs callats-02, 2017, Còpia digital impresa sobre paper Hahnemühle Photo Rag Baryta, 50×75 cm.

A punt de

Desde la platea el público, con distancia, ve la obra con cierta claridad aunque se atisban matices. Si la función enfatiza demasiado en el melodrama ocasionalmente podríamos sentirnos rechazados y confundidos ante lo que estamos  iendo; ¿Por qué los protagonistas no resuelven el conflicto si yo veo la solución tan clara? ¿Es a caso que se regodean en la pesadez de la tragicomedia? El teatro solo parece fácil para el que observa, pero el actor debe olvidar su condición de otro para dejarse caer en la melancolía propia de la ortodoxia mediterránea. En este caso, el monologo está protagonizado y escenificado por un Arlequín que poco a poco se transforma en Pierrot. Desde su picaresca, viveza y colorismo  combate el drama aunque este consigue ganar terreno convirtiendo al personaje en un saco de autocompasión y sentimiento de derrota. Si hay algo que diferencia a estos dos arquetipos clásicos es su polaridad de cómo se desenvuelven en las tablas. Mientras que el primero se revela con sensualidad y burla, nuestro Pierrot se compadece y ahoga por pensar que aquello que ama no le corresponde. Aunque no haga falta, cabe recordar que en esta representación la pintura es a quien se desea y corteja.

Trampa xinesa, óleo y esmalte sobre lino, 60 x 60 cm, 2019.

En A punt de la problemática del libreto interviene desde un primer momento directa e invasora, por supuesto con sus correspondientes interludios. Aparece y reaparece la incapacidad de nuestro protagonista de intentar gustar y agradar, demostrando de lo que es capaz haciendo malabares y piruetas si fuera necesario. Recordemos que el Arlequín y el pierrot no dejan de ser una evolución dramática de la figura del bufón, aquel que engaña y divierte con bailes, trucos y cuentos. Aunque esta tragicomedia parece no tener un final definitivo, el argumento emerge con un sentimiento de culpa que desemboca con virulencia en el fustigamiento de nuestro único personaje que, contra la incapacidad de poder encontrar su virtud, se reprime y deprime.

I swear it, óleo y esmalte sobre tela, 120 x 100 cm, 2019.

Pero no podemos olvidar que esto es una ficción, algo que pretende asemejarse a la realidad. Fabià Claramunt nos habla constantemente de ese About to (a punto de), algo que precede y rodea a la acción, en este caso, la de pintar. El sentimiento de estar continuamente predispuesto —pensando— dedicado a / por/ para la pintura consigue llevarnos a entender el porqué de la exposición y de este tono teatral que en ocasiones parece entreverse visceral. El compromiso con el medio no deja de velarse romántico; no es una relación fácil y está teñida de cierto idealismo. El recreo sobre todo lo que pasa en ese “a punto de” parece terminar siendo autolesivo pero resplandeciente, casi sin dolor, porque en ocasiones aguantar en la pintura puede ser expiatorio a la vez que placentero.

S/T -reloj de arena-, óleo sobre lino, 73 x 56 cm, 2019.

Nosotros, los espectadores, nos hemos reído y compadecido de las penas de este particular personaje creado por Fabià Claramunt, el cual parecía tener la única intención de entretenernos. Su actuación termina por interpelarnos y consigue con cierta gracia que queramos saber más de sus desavenencias aunque sepamos que en su próxima historia no volverá a ser el mismo. Pero nos levantamos del asiento mientras encienden las luces sabiendo que este entrañable Arlequín se convertirá en algo más que un simple extraño disfrazado dispuesto a divertirnos.

Eladio Aguilera

Mans gentils, óleo y esmalte sobre tela, 115 x 100 cm, 2019.

S/T, óleo sobre tela, 116 x 89 cm, 2018.

“CUANDO SOPLA EL VIENTO

UNOS SE REFUGIAN EN LOS PUERTOS

OTROS IZAMOS LAS VELAS”

 90 m2 de vela con costuras y refuerzos, dibujan un pulso a favor del viento, transformando la adversidad en recuerdos a bordo del Katana durante más de 9.000 millas. Temporales y silencios por los mares Egeo, Jónico, Tirreno, Adriático y Mediterráneo. Tantas historias no contadas, visibles sólo observando cada palmo de esta vela que la mirada de Mario Ollé ha sabido transformar en elogio y reconocimiento a través de la pintura.

Mario Ollé ha hecho de la creatividad una forma de existencia, a menudo acompañado con la libreta en el bolsillo y el lápiz para trascender aquellos detalles invisibles a través de sus trazos sutiles, ínfimos, llenos de fuerza. Más de tres años de búsqueda, intentando conjugar esta intensidad del rastro intuitivo con la necesidad de crecer y volverse pintura.

El resultado es esta exposición, donde los trozos del Gènova han estado contemplados desde el alma para erigirlos símbolos del esfuerzo y constancia, y donde el grafito y el pincel iluminan lo que alguien, que ama tanto el mar como la pintura, nos ha regalado.

El Gènova
2019
Tècnica mixta sobre Kevlar
30 x 40 cm

El Gènova
2019
Tècnica mixta sobre Kevlar
30 x 40 cm

El Gènova
2019
Tècnica mixta sobre Kevlar
30 x 40 cm

El Gènova
2019
Tècnica mixta sobre Kevlar

El Gènova
2019
Tècnica mixta sobre Kevlar