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En veu baixa (del 23 de mayo al 23 de abril)

La exposición En Veu Baixa (En Voz Baja), aglutina cinco lenguajes plásticos de cinco creadoras, Pilar Montserrat, Montse Baqués, Dolors Puigdemont, Laura Baringo y Carme Malaret, que comunican un relato personal, que aportan, desde la materia, la expresión de una idea.

Cada una se enfrenta a la forma a partir de un diálogo que se teje, que se forja, que se moldea, que se dibuja. Y es en la manera de trabajar lo tangible donde establecemos sinergias que nos unen.

Construir con materiales frágiles y/o efímeros nos permite mostrar obra desde el espacio íntimo, de la dualidad, desde el hecho de habitar, de la denuncia. Volumenes que cuestionan sin estridencias, desde el yo, con una narrativa solida y contundente.

Carme Malaret

Carme Malaret

Dolors Puigdemont 1

Dolors Puigdemont

Laura Baringo

Laura Baringo

montse Baqués 1

Montse Baqués

Pilar Montserrat_1

Pilar Montserrat

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María Mrntrd: Ulterior (del 16 de febrero al 16 de marzo de 2019)

La esquina y la esfera: una visión ulterior, por Fernando Sánchez Morote

Blanco, gris y marrón son colores que inundan las obras de María Mrntrd (Moreno Tirado, Granada, 1993). Su cromatismo responde a su pensamiento: sutil, sintético y ordenado, dialoga con toda una suerte de objetos, sencillos a primera vista, pero de gran fuerza expresiva. Fotos, lonas y macetas dan la mano a dibujos y pequeñas esculturas en una delicada sinfonía compuesta mediante instalaciones perfectamente estructuradas. Las obras, se presentan de manera física, fisionómica, importando no solo la forma, sino su forma; la textura es elemento vertebrador para comprender esta selección. Diferentes niveles de ver y maneras de tocar se entrelazan con mano y ojo, permitiendo al sentido del tacto extrapolarse de uno a otro: podemos sentir con la mirada la textura del suelo y el fieltro, las hemos tocado y el ojo remite a este pensamiento.

Hablamos así de ‘objeto relacionado’; lo importante no radica en la relación establecida mediante el objeto, sino en la relación creadacon el objeto. Esto permite llegar a ‘encumbrar’ una hoja, una maceta, una piedra, a darle un cariz totalmente nuevo. La relevancia trasciende más allá de la forma, abrazando algo que converge de lo puramente tangible al crear una conexión incapaz para la vista. Si bien podemos relacionar los objetos por tamaño, por color o disposición, no seremos capaces de alcanzar la visión superficial si omitimos esta tangencial parte. La artista crea una identidad superior a la interactuación, ya importante de por sí, y da plena voz y fuerza a la relación. Es capaz de relacionarse con esos objetos a un nivel tan íntimo, privado y profundo que los hace suyos, dándoles un nuevo significado tan propio como la memoria; su memoria.

Este acercamiento no es en balde, pues abre nuevas facetas de nuestra comprensión basadas en la experiencia, el conocimiento y el sentimiento, claves de introspección actuando como herramientas para percibir y sumergirnos de lleno en dicha relación. Qué es y cómo esson las cuestiones primordiales cuando nos acercamos a un objeto, y aquí quedan relegadas en detrimento al cómo lo percibo, a esa manera de entender la relación entre obra y espectador, entre objeto y ser. Esta última idea queda amparado mediante dos ideas clave que configuran el pensamiento desde su base: Interpretado a través del muy conocido cuento de Borges, El Aleph, y mediante la reflexión en torno al concepto de ulterior.

Lo ulterior como aquello situado en la “parte de atrás”, aquello no percibido a simple vista, lo posterior, un sentimiento tras otra cosa. Lo ulterior carece de negativo o positivo, no es algo oculto, sino ignorado. En este caso, la artista no extrae su naturaleza, no lo desliga, sino lo asume como primera plana; consciente de lo ulterior, lo hace suyo al tomarlo como propio y ser capaz de presentarlo al mundo. Mantiene su significado, cobrando mayor importancia debido a su relación con ella –un paralelismo con el uso del concepto-, la cual hace asu presencia relucir.

En esta línea se configura El Aleph: una pequeña esfera de puro conocimiento, una suerte de agujero blanco cuya función principal es la de expeler información. Destacable resulta el hecho de desprenderla de modo ordenado, pues la suma de ángulos y visiones confluyentes en él podrían crear una amalgama de caos debido al continuo flujo desaberes en una única dirección. Sin embargo, no es así. Aleph y artista se sincronizan en una visión armónica de la vida; sutil y ordenada actúa como imán, invita al espectador de manera dócil, casi servil. No interpele; llama a entender esta noción de conocimiento en la cual tiene una presencia tangible. Es así como la relación entre objeto, conocimiento [Aleph] y sujeto se configura como posibilidad, la dada por la artista para acercarnos, comprender y apreciar la realidad que le compete. Lo ulterior es percibido como algo nuevo, estableciendo las infinitas oportunidades para presenciar ese conocimiento, pues cada lugar, cada rincón, es presumible de contenerlo. Exponer esta parte de atrás es exponer dicha posibilidad de conocimiento, para más detalle, mediante el roce con este objeto relacionado entramos en contacto directo (físico) con lo ulterior.

María Mrntrd permite establecer un acercamiento a esas facetas inexploradas, a esas heridas pasadas por alto, a relaciones casi imposibles de concebir, capacitándonos para el roce y la vista. Al fin y al cabo, el trabajo de un artista no está en el arte; está en la invención de razones para que el arte sea admirable.

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Miquel Falgàs: La Peribilitat del Nom (del 12 de enero al 12 de febrero, 2019)

LA PERIBILITAT DEL NOM
Diàlegs a través de la pintura en el context del graffiti i l’art urbà

Provinent del món del graffiti, Miquel Falgàs ens presenta la seva obra recent, en la qual revisa l’estètica urbana a través d’un treball multidisciplinar, que hibrida diferents tècniques que van des de la pròpia pintura, la fotografia o el vídeo, fins la instal·lació, la impressió 3D o el transfer.

En la seva obra, Falgàs reflexiona sobre allò que envolta l’art urbà i la pràctica del graffiti, tant en la seva naturalesa més essencial, com a art efímer i sobre la necessitat individual de deixar constància, com en les seves connotacions més polèmiques. Des de la comercialització del graffiti a la dècada dels 70 i l’aparició de marques especialitzades, aquest moviment lligat al teixit de la societat urbana, ha estat un punt de trobada per a milions de joves a tot el món, una mena d’autoafirmació de l’individu dins d’una societat en la que, sovint, és senzill sentir-se’n apartat.

En un periple per qualsevol ciutat, és fàcil trobar parets guixades en l’espai públic. Signatures i pintades que corresponen a la part més il·legal i simplista d’aquesta pràctica i, contra les quals, han de lluitar institucions públiques i privades, generant disputes estètiques en el paisatge. El “removal”, és un concepte d’origen anglosaxó que respon a aquesta disputa entre les diferents institucions en contra d’aquestes pintades, que desllueixen el mobiliari urbà i els propis escriptors de graffiti, generant així, un diàleg constant entre les dues parts en els murs dels carrers.

L’obra de Falgàs es conforma de rastres, marques i empremtes provinents d’aquesta estètica. A través de la superposició de diferents taques i traços marcats per una forta espontaneïtat, es van creant capes que, alhora que creen una nova forma, en censuren d’anteriors, simulant el debat del removal i reflexionant sobre la pròpia naturalesa efímera del graffiti.

Removal V Pintura acrílica sobre paper Basik 370g 100x70cm 2018

Removal V
Pintura acrílica sobre paper Basik 370g
100x70cm
2018

Color gradient  Acrílic sobre tela 130x95cm 2018

Color gradient
Acrílic sobre tela
130x95cm
2018

st. Acrílic sobre tela. 195x130cm 2018

st.
Acrílic sobre tela.
195x130cm
2018

hall of fame acrílic sobre tela 250x230cm 2018

hall of fame
acrílic sobre tela
250x230cm
2018

Gray stratum 2 acrílic sobre taula 39,5x39,5 cm 2018

Gray stratum 2
acrílic sobre taula
39,5×39,5 cm
2018

Miquel Falgàs (Reus, 1993) va guanyar el darrer 26è Premi TELAX en la secció de pintura, i ha exposat en diversos espais entre la província de Tarragona i València, a més d’haver intervingut en nombroses ocasions en l’espai públic a través del graffiti i la pintura mural des de que era un adolescent. Actualment, després de realitzar el grau d’Arts Aplicades al Mur a l’Escola d’Art i Disseny de Tarragona, es troba finalitzant els estudis en Belles Arts a la Universitat Politècnica de València.

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Patrizia Lohan: Inside Out (del 3 al 30 de noviembre)

Patrizia Lohan presenta el 3 de noviembre su nueva exposición “Inside Out” en la Galeria Antoni Pinyol, después de haber ganado el premio de escultura en el pasado 26 Premi Telax.

Aunque se trata de escultura por su material y tridimensionalidad, su obra se mueve en una fina línea entre esta disciplina y la pintura, combinando las dos técnicas para crear una especie de trampantojo, un trompe l’ œil de luz que posibilita la reflexión del color y la proyección de la sombra. Su obra es ciertamente minimalista, y aprovecha la pureza del material y las formas para dar protagonista a un elemento, la luz, tan intangible e ignorado como omnipresente y necesario, haciendo que las sensaciones que se transmiten a través de estas obras penetren en la retina del espectador y se traduzcan en emociones, estados de ánimo que la artista ha intentado transmitir.

Cuadrados curvados con corte. 2018.                                                    Técnica mixta sobre tela.                                      80 x 80 cm.

Cuadrados curvados con corte. 2018. Técnica mixta sobre tela. 80 x 80 cm.

Rectángulos doblados diagonal. 2018.                                                    Técnica mixta sobre tela.                                      65 x 100 cm.

Rectángulos doblados diagonal. 2018. Técnica mixta sobre tela. 65 x 100 cm.

Doble reflejo n. 1. 2018.                                                                         Técnica mixta sobre tela.                                        50 x 65 cm.

Doble reflejo n. 1. 2018. Técnica mixta sobre tela. 50 x 65 cm.

Tiras 90 º. 2017.                                          Técnica mixta sobre tela.                                      60 x 92 cm.

Tiras 90 º. 2017. Técnica mixta sobre tela. 60 x 92 cm.

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Victoria Hertel: Energeia (del 6 al 30 de octubre, 2018)

Victoria Hertal (Nuremberg, 1991) presentó su exposición individual en la Galeria Antoni Pinyol después conseguir un accèsit en el 26 Premi Telax.

La obra de Hertel se centra en la visualización de lo que existe más allá de la simple percepción. Interpretando imágenes biológicas y esquemas científicos, crea visiones magnificadas de los procesos naturales que nos rodean, demostrando su estética orgánica. Para ello, busca en la investigación y la experimentación de las cualidades físicas de la pintura lo nuevo y desconocido para ampliar sus límites y uso tradicional, acercando así las cualidades matéricas de la obra a sus implicaciones conceptuales.

Victoria Hertel trabaja actualmente en LaNaveBCN Studios y, a pesar de su juventud, ha participado en numerosas exposiciones colectivas en Cataluña y en su país natal, Alemania.

Korallenteich / Lago de Corales. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 15 x 15 cm

Korallenteich / Lago de Corales. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 15 x 15 cm

Piñata. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 20 x 20 cm.

Piñata. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 20 x 20 cm.

Luftkissen / Colchón de aire. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 20 x 20 cm.

Luftkissen / Colchón de aire. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 20 x 20 cm.

Überraschung / Sorpresa.  2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 20 x 20 cm.

Überraschung / Sorpresa. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 20 x 20 cm.

Luftschlangen / Serpentinas de papel. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 24 x 19 cm.

Luftschlangen / Serpentinas de papel.
2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 24 x 19 cm.

Liane / Bejuco. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 70 x 50 cm.

Liane / Bejuco.
2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 70 x 50 cm.

Sommernacht / Noche de verano. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 55 x 46 cm.

Sommernacht / Noche de verano.
2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 55 x 46 cm.

Wetterleuchten / Relámpago. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 146 x 114 cm.

Wetterleuchten / Relámpago.
2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 146 x 114 cm.

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Manuel Alcalá: Tot és Matèria (del 8 de septiembre al 2 de octubre)

Arte…, la tan llevada y traídapalabra. No soy nadie para decir que es arte o no es arte. En un contexto global podría decir alguna cosa, pero la línea divisoria es tan sutil que la rotundidad me incomoda. Lo que más me agobia, precisamente, son las personas que sin tener idea de lo que es arte, se atreven a decir ¿y esto es arte? Cuando ven algo que no entienden.

Mi inquietud personal y tratando de explicar lo que hago, podría decir que se sitúa en un encuentro entre distintas tendencias y técnicas. Es como una fusión de distintas escuelas entre las que se podrían destacar el cinetismo, el OP-ART y figuración, pero entiendo que hay más:como abstracción geométrica, constructivismo y otras, y una continua búsqueda de la luz. Resultados a veces casuales y otras veces intencionados por el estudio de los clásicos.

El objetivo es crear efectos que atraigan la atención del observador, que lo inquiete, busque, vibre y sienta emociones, que lo invite a averiguarque está delante y qué está detrás y como se consiguen esas aparentes vibraciones cinéticas que no dan respuesta a sus preguntas. En ese intento el primer sorprendido soy yo.

A veces es como una explosión de luz en el universoque evoluciona hacia las formas reales, la vida misma. El origen de la vida emana de efluvios luminiscentes de la bóveda celestial en donde está lo que no vemos pero se manifiesta.

La obra, contiene esa figuración por un lado y por otro esa búsqueda de lo inconcreto, de lo oculto.Todo dentro de una visión plástica de luz y color.

Sin lugar a dudas, lo que hago soy yo mismo, trato de comunicar a través de ella mi forma de ver lo que me gustaría que fuera el mundo. A veces inquietante, con carencias vitales que el hombre es incapaz de conseguir. Quizás uno ve un cinetismo, pero en realidad cuando una línea rompe con otra, escomo si tachara vivencias incorrectas, injusticias que hay que denunciar.

Mis tiralíneas son como pinceles, como dijo un crítico. Son los ejecutores técnicos que necesita de los pinceles para mezclar una y mil veces pinturas que se degradan constantemente para buscar la luz o la oscuridad. Esta realización con tiralíneas, compás o listones de madera, ha llevado a alguien a hablar de linealismo.

                                                                       Manuel Alcalá Sánchez   

2014 4 acrilicos tablex 90x120 cm serie traqueales 2(768) - copiaweb

Serie Traqueales 2 (768), 2014, acrílico sobre tablex, 90×120 cm

2018-04-07 Técnica - acrilico sobre tablex de MDF 90x120 cms serie traqueales (834)web

Serie Traqueales (834), 2018, acrílico sobre tablex de MDF, 90×120 cm

 

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Serie Traqueales, Anatomía 6 (829), 2018, Mixta sobre tablex MDF, 63×123 cm

2017-05-22 - técnica mixta s tablero MDF 60x90 cm. (823) jpgweb

(823), 2017, mixta sobre tablex MDF, 60×90 cm

                   

2016 16 acrilico s. listones de madera e tablero 90x90 cm. s. Op art 19 (818)

Serie Op Art 19 (818), 2016, acrílico sobre listones de madera y tablero, 90×90 cm

2016 12 acrilico s. tablero - 95x90 cm s.OP 18 (813)

Serie Op Art 18 (813), 2016, acrílico sobre listones de madera y tablero, 95×90 cm

 

2018-03-24 técnica mixta S tablero 60x120 - traqueales serie org 9 (832) web

Serie Traqueales Org 9 (832), 2018, mixta sobre tablero, 60x120cm

26 Premi TELAX

En la 26ª edición del Premi TELAX, premio que se celebra anualmente en la Galeria Antoni Pinyol i que da la oportunidad de exponer a artistas emergentes, este año han estado seleccionados 21 artistas de las tendencias más diversas y lenguajes experimentales, que representan el avance del panorama artístico actual, por un jurado compuesto por el artista Aureli Ruiz, la gestora cultural Coia Domingo, la directora i productora Alba Sotorra, el col·leccionista Fernando Llauradó i el director de la galeria, Antoni Pinyol. 

 

Maria Mrntrd "Cuándo vuestro invierno". Premio instalación.

Maria Mrntrd “Cuándo vuestro invierno”. Premio instalación.

Miquel Falgàs "Removal XII". Premio de pintura.

Miquel Falgàs “Removal XII”. Premio de pintura.

Patrizia Lohan "Triángulos juntados". Premio de escultura.

Patrizia Lohan “Triángulos juntados”. Premio de escultura.

Victoria Hertel "Ion". Accésito de pintura.

Victoria Hertel “Ion”. Accésito de pintura.

Ana Gómez "Fronteras"

Ana Gómez “Fronteras”

Vicky Kylander "Sin título"

Vicky Kylander “Sin título”

J.M. Nicolàs Monsonís “Canyes del Delta del Llobregat 4”

J.M. Nicolàs Monsonís “Canyes del Delta
del Llobregat 4”

Myriam Arnold "Eterna Memòria"

Myriam Arnold “Eterna Memòria”

Miquel Samitier "Capsa del Rei Casabú"

Miquel Samitier “Capsa del Rei Casabú”

Marta Ballvé "Despendre la paraula"

Marta Ballvé “Despendre la paraula”

José Manuel Albarrán "Sin título"

José Manuel Albarrán “Sin título”

Juan de la Rica "Jinetes"

Juan de la Rica “Jinetes”

Quique Ortiz "Sin título"

Quique Ortiz “Sin título”

Guillermo Ramírez "Con doble vuelta"

Guillermo Ramírez “Con doble vuelta”

Ferran Vives "Purple"

Ferran Vives “Purple”

Enrique Muda "Sin título"

Enrique Muda “Sin título”

Elena Maroto "D.A.N.C.E.! Control"

Elena Maroto “D.A.N.C.E.! Control”

Arantxa Nova "Espai 4"

Arantxa Nova “Espai 4″

Anne Cecile Surga "Black Hole"

Anne Cecile Surga “Black Hole”

Miguel Núñez: Kind of Wood (del 4 de mayo al 2 de junio)

Kind of wood es un proyecto pictórico en el que se pretende reflexionar acerca de la idea de proceso, prestando especial atención a la propia configuración de la imagen.

El titulo de la exposición hace referencia a una de las obras maestras del Jazz, Kind of blue de Miles Davis, ya que mi proceso pictórico es semejante a las estructuras jazzísticas empleadas por Miles Davis en su experimentación con el “jazz modal”. En ellas, mantenía el backround de una sencilla melodía mientras los solistas interpretaban otra sobre uno o dos “modos”, o escalas, en lugar de realizar progresiones armónicas, como venía siendo habitual en el fundamento armónico de jazz.

En términos pictóricos, cada obra supone una improvisación o experimentación procesal sobre la idea de fondo que hace de nexo entre las distintas pinturas. Podríamos decir que la columna vertebral del proyecto sería la idea juguetona de “no hacer”, estudiada por el filosofo surcoreano Byung-Chul Han en su ensayo La sociedad del cansancio, como modo de hacer de verdad. Según Byung-Chul Han la sociedad actual está agotada por la idea eficiente de hacer, sometiéndonos por nuestras propias aspiraciones económicas, de estatus social y, en definitiva, de poder.

Frente a esta problemática surge un especial interés por recuperar el espacio de juego y la intuición, trazando así la dirección formal que persigo en mi obra. De hecho, este factor supone el punto de partida de cada pintura, mediante la configuración de maquetas mínimas que fotografío o pinto del natural. Estas intervenciones seudo-arquitectónicas son construidas con elementos tan precarios como restos de madera y otros objetos que encuentro por el estudio (que me gusta denominar como “residuos artísticos”).

Una vez compuesta la melodía de fondo comienza la improvisación, dando lugar a un proceso pictórico no lineal que parte de una imagen propia, procedente de las maquetas anteriormente confeccionadas, que ahora se somete a las decisiones y accidentes que acontecen durante el proceso pictórico.

 

Catacroquen II, 2017, óleo, esmalte y spray sobre tela.

Catacroquen II, 2017, óleo, esmalte y spray sobre tela.

Pelusa Geométrica, 2017, óleo, esmalte y spray sobre tela.

Pelusa Geométrica, 2017, óleo, esmalte y spray sobre tela.

Live (díptico), 2017, óleo, esmalte y spray sobre tela.

Live (díptico), 2017, óleo, esmalte y spray sobre tela.

Into the Black, 2017, óleo y spray sobre tela.

Into the Black, 2017, óleo y spray sobre tela.

Serie Territorio Efímero, 2018, óleo y spray sobre tela.

Serie Territorio Efímero, 2018, óleo y spray sobre tela.

Serie Territorio Efímero, 2018, óleo y spray sobre tela.

Serie Territorio Efímero, 2018, óleo y spray sobre tela.

Serie Territorio Efímero, 2018, óleo y spray sobre tela.

Serie Territorio Efímero, 2018, óleo y spray sobre tela.

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Aureli Ruiz “Com sense jo: Sense jo” (del 6 al 28 de abril, 2018)

Aureli Ruiz presenta en la Galería Antoni Pinyol la muestra Com sense jo: Sense jo (Como sin yo: Sin yo), una exposición dividida en dos secciones, una en la galería, y la otra en el Centro de Lectura de Reus, que se inauguran consecutivamente el viernes 6 de abril.

La trayectoria de Aureli Ruiz está marcada por un proceso de investigación personal, tanto del universo que conforma su obra como de los materiales que utiliza. Desde los años noventa trabaja con la instalación, a través de la cual nos muestra elementos que nos invitan a la interpretación y que, al mismo tiempo, se nos hacen extraños.

En 2005 inicia un importante proyecto personal, titulado Love Indifference, en este, Aureli Ruiz se pregunta por las tensiones que se establecen entre los afectos en un mundo en el que se pasa fácilmente del amor al odio, de la pasión amorosa a la violencia, de la calidez del afecto a la frialdad de la indiferencia, de la ira a la placidez, de la aversión a la simpatía, de la diversión al aburrimiento, de la excitación al aturdimiento. Este proyecto sirve de precedente para la exposición que ahora nos presenta, en las dos mismas salas que hace 13 años.

 

 

 

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Sonia Toneu – Toni Cort: El Arte y la Historia suman (del 25 de noviembre al 20 de diciembre, 2017)

Toni Cort y Sònia Toneu aunan fuerzas en esta exposición, el primero aporta el soporte, que consta de setenta y seis paneles en los cuales están impresas noticias referentes al parque temático situado entre Vilaseca y Salou, en su proceso de implantación, que abasta desde el año 1987 al 1997, sobre los cuales Sònia Toneu hace una intervención y les da forma, color y carácter de obra de arte.

Con esta exposición, la Galeria Antoni Pinyol quiere mostrar un debate todavía vivo sobre lo que unos calificaron de especulación urbanística y que ha acabado siendo un conjunto de hoteles; así, una vez intervenido, el mural se descompondrá en piezas Din-A1, que se podrán comprar al precio de 300€, un tercio de los cuales irán para Amnistía Internacional, sumándonos de esta manera al evento internacional llamado Fair Saturday, “un día para cambiar el mundo a través del arte y la cultura”.

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