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25 Premi TELAX

La exposición del 25 Premio Telax, que se inaugura el sábado 1 de julio a las 13h, reúne las obras de los 21 artistas seleccionados para este concurso de Arte Contemporáneo que celebra anualmente la Galería Antoni Pinyol desde sus inicios en el año 1992. Contaremos con la presencia de los artistas y se hará público el veredicto del jurado.

En esta edición, la mayoría de los artistas que participan se mueven en el campo de la pintura, aunque desde tendencias muy diversas, sin embargo, también encontramos espacio para la fotografía. Los trabajos muestran diferentes estéticas, desde obras que todavía buscan referentes en la pintura de los años 70, hasta otras más cercanas al arte conceptual y mínimal, pasando por trabajos de gran carga simbólica y otros con una técnica casi hiperrealista.

El jurado de esta edición ha estado formado por Joan Rom, licenciado en Bellas Arte y profesor de la Escuela Arte y Diseño de Reus; Cristina Pinyol, arquitecto de interiores y grafista; Noemí Rabassa, Dra. en Economía y Empresa y profesora de marketing y comunicación de la Universidad Rovira i Virgili; Anton Brufau, farmacéutico y coleccionista; Antoni Pinyol, arquitecto y director de la galería.

Gala Knörr. Make it and Break it, 95 x 65 cm, oli i rotulador sobre tela, 2016.

Gala Knörr. Make it and Break it, 95 x 65 cm, oli i rotulador sobre tela, 2016.

Jae Wilkinson. Woman Revolution, 40 x 50 cm, mixta sobre tela, 2017.

Jae Wilkinson. Woman Revolution, 40 x 50 cm, mixta sobre tela, 2017.

Marcel Aragonès. Creatures galàctiques, 40 x 30 cm, mixta sobre paper, 2017.

Marcel Aragonès. Creatures galàctiques, 40 x 30 cm, mixta sobre paper, 2017.

Alba García, Sálvame Deluxe, 100 x 100 cm, óleo sobre tela, 2015

Alba García, Sálvame Deluxe, 100 x 100 cm, óleo sobre tela, 2015

Alba Milán. Travesía Nº1, 100 x 100 cm, pintura acrílica sobre tela, 2017.

Alba Milán. Travesía Nº1, 100 x 100 cm, pintura acrílica sobre tela, 2017.

Albert Alcol. Sense títol, 90 x 72 cm, fotografia, 2017.

Albert Alcol. Sense títol, 90 x 72 cm, fotografia, 2017.

Alfonso Cintado. Arkheim, 100 x 70 cm, acrílic sobre paper.

Alfonso Cintado. Arkheim, 100 x 70 cm, acrílic sobre paper.

Amadeu Adell. Primus inter pares, 120 x 140 cm, estampació d’acrílic sobre loneta, 2017.

Amadeu Adell. Primus inter pares, 120 x 140 cm, estampació d’acrílic sobre loneta, 2017.

Ana Ciscar. De la sèrie Just for a Thriller, 150 x 127 cm, oli, esmalt i spray sobre tela, 2017.

Ana Ciscar. De la sèrie Just for a Thriller, 150 x 127 cm, oli, esmalt i spray sobre tela, 2017.

Arthur Henrique Souza. 002, 100 x 100 cm, acrílic sobre tela, 2017.

Arthur Henrique Souza. 002, 100 x 100 cm, acrílic sobre tela, 2017.

Clara Isabel Arribas. Evanescencia, 93 x 114 cm, impressió digital sobre paper de cotó, 2016.

Clara Isabel Arribas. Evanescencia, 93 x 114 cm, impressió digital sobre paper de cotó, 2016.

Diego Benéitez. Blanca Llanura, 140 x 140 cm, mixta sobre tela, 2016.

Diego Benéitez. Blanca Llanura, 140 x 140 cm, mixta sobre tela, 2016.

Jon Errazu. Sense títol, 100 x 81 cm, acrílic sobre tela, 2015.

Jon Errazu. Sense títol, 100 x 81 cm, acrílic sobre tela, 2015.

Leonor Ruiz. Waves, 116 x 73 cm, acrílic sobre tela, 2016.

Leonor Ruiz. Waves, 116 x 73 cm, acrílic sobre tela, 2016.

Llorenç Garrit. Arbre de tardor, 123 x 53 cm, mixta sobre fusta, 2016.

Llorenç Garrit. Arbre de tardor, 123 x 53 cm, mixta sobre fusta, 2016.

Marta Ballvé. Sense por a l’error, 63 x 61 cm, acrílic i collage sobre fusta, 2017.

Marta Ballvé. Sense por a l’error, 63 x 61 cm, acrílic i collage sobre fusta, 2017.

Miguel Núñez. Nicht manchen, 150 x 200 cm, oli, esmalt i spray sobre tela, 2016.

Miguel Núñez. Nicht manchen, 150 x 200 cm, oli, esmalt i spray sobre tela, 2016.

Quim Torres. De la sèrie Rituals, 40 x 30 cm, fotografia, 2017.

Quim Torres. De la sèrie Rituals, 40 x 30 cm, fotografia, 2017.

Ruaridh Crighton. Figure 4, 50 x 65 cm, acrílic sobre tela, 2017.

Ruaridh Crighton. Figure 4, 50 x 65 cm, acrílic sobre tela, 2017.

Valentina Restivo. Richard Avedon, 70 x 100 cm, pastel enamel i acrílic sobre paper, 2016.

Valentina Restivo. Richard Avedon, 70 x 100 cm, pastel enamel i acrílic sobre paper, 2016.

Vanessa Pey. La pelle del sussurro, 160 x 104 cm, fotografia analògica i edició digital, 2016.

Vanessa Pey. La pelle del sussurro, 160 x 104 cm, fotografia analògica i edició digital, 2016.

Bayod Serafini y Conxa Bravo (del 29 de abril a junio)

L’obra de Bayod Serafini i Conxa Bravo es desenvolupa creant tot un llenguatge personal, sensible i simbòlic, que ens apropa al món surrealista, però també a la nostra essència primitiva, i que han anat creant al llarg de la seva estesa carrera com artistes.

Impromptus de la Memòria” forma part de la darrera producció pictòrica de l’artista Carles Bayod Serafini. Es hereva de la sèrie Africà en la que va començar a integrar en l’obra, la pròpia representació de la memòria. La  representava amb la empremta que deixa la part posterior del cap, per allò de “caure de memòria” (caure d’esquena pegant de cap a terra).

En la sèrie Africà expressava l’herència cultural que resta en la nostra memòria arcaica. En canvi, en “Impromptus de la Memòria”, el que ha volgut representar es la informació espontània i emocional, que apareix en provocar a la memòria arcaica sense filtre cultural. En totes elles però, apareix també l’esmentada empremta de la memòria, representada amb aquest tromper l’œil, amb aquesta petita cavitat, que composa i dona vida a totes les obres, com dient; “…es el meu recordar que conforma el meu esser emocional”. Es un recordar sense formes ni paraules, que forma part de mi, de tu, d’ell, de tots…

 

6 - Impromptus de la Memoria acrilic s. paper 33x46 cm.    11 - Impromptus de la Memoria acrilic s. paper 33x33 cm.

16 - Impromptus de la Memoria acrilic s. paper 23x23 cm.    17 - Impromptus de la Memoria acrilic s. paper 23x23 cm.

23 - Impromptus de la Memoria acrilic s. paper 12x12 cm.     31 - Impromptus de la Memoria acrilic s. paper 12x12 cm.

 

 

La pintura de Conxa Bravo és essencialment mediterrània, vibrant i poderosament acolorida. Els seus quadres es reconeixen fàcilment gràcies a un llenguatge simbòlic inventat per l’artista: àngel, llop, dona embarassada, mitja lluna, fauno barbut, serp, la mà de la dona casada, etc., són sàviament situats en l’espai pintat. A tot això s’afegeix un cromatisme atrevit, exuberant que revelen la personalitat de Conxa Bravo. Es tracta d’una obra sensitiva on la poesia es conjuga amb una forma elaborada de llenguatge primitiu.

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Isadora Willson: Paseantes (del 25 de marzo al 20 de abril)

“Actualmente las construcciones urbanas han dejado de ser pensadas y enfocadas hacia el
individuo, provocando una desproporción entre lo que podríamos llamar escala humana y escala
urbana. Las características estructurales y socioculturales de aquellos lugares, influyen en las
formas de utilización y tránsito de los espacios públicos, estableciéndose un nuevo habitar, donde
la experiencia de lugar como espacio particular y propio desaparece.
Mi trabajo se centra en la representación simbólica de la sensación de desamparo y soledad en
las sociedades actuales. Síndrome que pareciera ser intrínseco de las grandes metrópolis, y que
termina por aislar a los individuos dentro de la multitud. Situación paradójica, kafkiana, en que la
arquitectura se magnifica en el acto de empequeñecernos, distanciarnos, volvernos ausentes e
invisibles.
Por medio de escenarios donde los “Paseantes” contrastan con la estructura, como una masa
anónima que pulula en el cotidiano de una urbe, hablo de experiencias individuales, de presencias
que se insinúan. Aludo aquella “errancia de las soledades singulares”, vista a través de
estructuras acromegálicas, que crecen inversamente proporcional a la fragilidad humana.”

Isadora Willson (Santiago de Chile, 1984)

 

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Paseantes 1. 61x38cm, óleo sobre tela. 2008

Paseantes 7 92X73 Óleo sobre tela 2009web

Paseantes 7. 92x73cm, óleo sobre tela. 2009

Paseantes 17 130X89 Óleo sobre tela 2010web

Paseantes 17. 130x89cm, óleo sobre tela. 2010

Paseantes 19 130X89 Óleo sobre tela 2010web

Paseantes 19. 130x89cm, óleo sobre tela. 2010

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Paseantes 22. 100x40cm, óleo sobre tela. 2016

Paseantes 24, Óleo sobre tela, Díptico 130X180cms, 2011web

Paseantes 24. Díptico 130X180cm, óleo sobre tela. 2016

Paseantes 25 130X89, Óleo sobre tela 2011web

Paseantes 25. 130X89cm, óleo sobre tela. 2011

Mireia Cifuentes: Radiografías del Tiempo (del 18 de febrero al 18 de marzo)

En la Galeria Antoni Pinyol conocimos a Mireia Cifuentes a raíz de su paso por el 24 PremiTelax, del cual consiguió un accesito gracias a sus pinturas, que se alzan con tal fuerza que nos remiten a las figuras votivas de las Venus en la antigüedad; éstas son símbolo no sólo de lo femenino sino de todo lo que tiene que ver con la vida, su nacimiento y su muerte, son mucho más que mujeres desprovistas de rostro, son personificaciones del mismo ciclo vital.

Uno de los signos más antiguos de nuestra especie se combina en la obra de Cifuentes con una técnica innovadora con la que consigue diluir la figura humana de tal manera que ésta entra en nuestra mente, no cómo una masa sólida y estática, sino que fluye, tal que un río que se expande hacia nuevos significados, abriéndonos las puertas a la percepción y compartiendo con nosotros las diferentes realidades de la existencia, simbolizadas por la parte frontal de la obra y su reverso oculto.

En lo que a sus paisajes se refiere, éstos no dejan de ser otra manera de acercarse a las preguntas sobre el paso del tiempo y, tal y cómo hacía con la figura humana, dota de movimiento a éstas visiones aparentemente estáticas y desérticas, son tierras muertas y estériles por las que nuestra mente viaja y trata de responder las preguntas vitales que sutilmente nos sugieren.

La obra de Mieria Cifuentes cumple con dos dualidades que la hacen sobresalir, pues ésta es universal a la vez que personal y atemporal a la vez que innovadora, pues consigue transmitirnos con un lenguaje contemporáneo un mensaje que afecta a toda la humanidad desde sus inicios, pero desde un punto de vista propio, basado en la experiencia íntima de la artista.

Paisajes del cuerpo I (cara) 100x60cm web

“Paisajes del cuerpo I” (cara). 100x60cm. Acrílico sobre metacrilato,

Paisajes del cuerpo II (cara) 50x75cm web

“Paisajes del cuerpo II” (cara). 50x75cm. Acrílico sobre metacrilato.

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“Paisajes del cuerpo IV” (cara). 75x50cm. Acrílico sobre metacrilato.

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“Venus” (reverso). 100x70cm. Impresión AR Inkjet UV.

Paisaje IV (cara) 60x100cm Acrílico s web

Paisaje IV (cara). 60x100cm, acrílico sobre metacrilato.

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Venus. 40x60cm, Acrílico sobre poliestrieno.

Paisajes del cuerpo VI (cara)75x50cm web

Paisajes del cuerpo VI (cara). 75x50cm, acrílico sobre metacrilato.

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Paisajes del cuerpo III. 50x75cm, acrílico sobre metacrilato.

Pere Bellès: Singulars (del 14 de enero al 11 de febrero)

Pere Bellès (Terrassa, 1965) presenta su obra en la Galería Antoni Pinyol el 14 de enero a las 13h, en una exposición que durará hasta el 11 de febrero.

Con una elaboración meticulosa de fractura impecable y con una gran pluralidad de materiales (papel, madera, pintura, acero, luz…), de la obra de Bellès destaca el tratamiento del color, con un cromatismo intenso de contrastes y lenguaje minimalista. El artista ha producido una amplia obra gráfica y pictórica, pero también ha elaborado esculturas de grandes dimensiones y pequeños objetos. Una obra que suele organizar en series como una forma de ordenar el proceso creativo.

La exposición “Singulares” muestra 16 obras de diferentes formatos y épocas, a través de las cuales nos podemos acercar de manera amplia a los diversos puntos de vista del artista.

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E1-E6 EA TG. Fusta i llum, 2012.

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C1 EA TOTS. Paper gofrat, 2009.

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E1 EA CF. Ferro pintat, 2011.

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EE1 MTZ CO. Fusta i alumini, 2012.

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EE1 MAP AST. Fusta, plom i mirall, 2012.

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P10 URB I BCN. Cartró policromat, 2010.

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P16 URB I CDQ. Fusta policromada, 2006.

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P17 URB I BCN. Cartró policromat, 2010.

José Manuel Albarrán: Stage Built (del 11 de noviembre al 10 de diciembre)

El paisaje existe. Cualquiera opinaría que es afirmación obvia, de no ser porque todavía resuenan los estertores de una época en la que la creación artística, víctima de sus propios excesos, casi había confinado el paisajismo a sus más fieles incondicionales. Hoy día, quizá por mor del eclecticismo imperante en el universo arte, reivindicar el paisaje es tarea en la que no pocos artistas andan afanados.

José Manuel Albarrán Pino (Bollullos par del Condado, 1967) presenta los productos de su actividad pictórica en el marco de la Beca de Paisaje de la Fundación Rodríguez Acosta en su edición de 2014. El soberbio resultado, fruto de un largo y laborioso proceso creativo, en el que el paisaje es deconstruido hasta sus elementos más esenciales, para ser luego reinterpretado en base a complejos y minuciosos procedimientos cuasi cartográficos, cuando no satelitales, invita a trascender el plano puramente estético-técnico, otorgando al objeto paisajístico la auténtica dimensión antropológico-cultural que consigue explicitar en sus obras. En éstas, la gran carga emocional que traslucen, nos descubre y transmite una experiencia no siempre acrítica del artista, transmutada en forma y metodología de conocimiento, por momentos tributaria de los principios de la psicogeografía, cuando no del apropicionismo, las más de las veces de la idea de archivo visual warburgiana, siempre de su único y personal “mapa mental”. Y es aquí, donde la propia personalidad del artista hace sublimar la obra, porque es precisamente esa “experiencia acerca del entorno y los modos de pensamiento” que diría Nuere, la que confiere la potencia argumental cuando se combina con el honesto apasionamiento de una biografía de tardío encuentro con lo pictórico.

Ciertamente en Stage Built, el Paisaje no sólo existe, sino que recupera vanguardia cuando conjuga la depurada y compleja técnica con una singular superestructura ideológica.

Angel Mayo. Crítico de arte.

Octubre de 2016

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Stage Built 7

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Stage Built I

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Stage Built 8

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Stage Built V

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Stage Built X

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Stage Built VI

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Stage Built XII

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Stage Built III

Zaloa Ipiña: Invasión lumínica (del 7 de octubre al 5 de noviembre de 2016)

Zaloa Ipiña (Bilbao, 1987) después de conseguir un accesito en el 24 Premi TELAX, presenta su obra escultórica en una exposición individual en la galería Antoni Pinyol, del 7 de octubre al 5 de noviembre de 2016.

En la obra de Zaloa Ipiña el espacio y la luz se convierten en los temas a tratar, trabajando la representación visual en forma de esculturas hechas con metacrilato y acetatos serigrafiados. De esta manera, la transparencia difumina el espacio entre el interior y exterior de la pieza.

Es sabido que cualquier artista que haya hecho servir como herramienta de trabajo las impresiones que provoca la luz y sus rayos siente el influjo de su entorno, en forma de alegría, tristeza, monotonía o estabilidad. Zaloa Ipiña responde a esta influencia a través de una obra que, a través de la luz, se proyecta en el espacio y lo invade, deshaciendo los límites de la escultura, los límites entre objeto y entorno. Desde un principio la artista ha pretendido establecer una relación entre los ámbitos interiores y exteriores, ya que la separación es inevitable.

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“Isladak islatzen”, 2014. Serigrafía sobre acetato, collage cosido. 35 x 25cm

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Serie “Invasión lumínica”, 2014. Serigrafía sobre petg moldeado. 29,5 x 152 x 39,5 cm cada módulo.

 

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ITZALezinak I, 2015. Serigrafía sobre metacrilato. 35 x 53 x 2,5cm.

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ITZALezinak III, 2015. Seigrafía sobre metacrilato. 47 x 65 x 2,5 cm.

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ITZALezinak II, 2015. Serigrafía sobre metacrilato y petg moldeado. 60,5 x 80 x 5cm.

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Serie “Invasión lumínica”, 2014. Serigrafía sobre acetato y papel, collage cosido. 50 x 65cm.

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Serie “Invasión lumínica”, 2014. Serigrafía sobre acetato y papel, collage cosido. 60 x 78 cm.

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Serie “Invasión lumínica”, 2014. Serigrafía sobre acetato y collage. 50 x 75 x 46 cm.

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S.T., 2011. Serigrafía sobre pizarra. 110 x 230 x 90 cm.

Nacida en Bilbao, Ipiña es licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (2009) y ha realizado un máster en obra gráfica contemporánea en la Fundación CIEC de A Coruña (2010). Ha realizado una residencia artística en el Centro de Arte Contemporanio Piramidón de Barcelona y otra en Bilbaoarte. Ha expuesto individualmente en diversas galerías y centros de arte por todo el estado, además de haber participado en una gran cantidad de exposiciones colectivas a través de las cuales ha podido dar a conocer su obra a nivel internacional, presentándola en países como Islandia, Francia o Argentina

Carles Pujol “Logos” (del 10 de septiembre al 5 de octubre)

Carles Pujol (Barcelona, ​​1947) presenta su obra en la Galería Antoni Pinyol, el 10 de septiembre a las 13h, en una exposición que durará hasta el 5 de octubre de 2016.

Carles Pujol, a partir de 1975 se convierte en abanderado de los trabajos videográficos en Cataluña, práctica que ha simultaneado con las videoinstalaciones, la pintura de grandes formatos, el dibujo y las acciones. El artista ha ido cambiando su medio, pero no la esencia conceptual de su práctica, la cual ha ido dirigiendo sobre varias problemáticas del arte, así como el concepto efímero, al tiempo eterno, de la obra y la desmitificación del artista.

Desde el principio, Carles Pujol tomó partido dentro del mundo de la pintura, por el aspecto que da el soporte principal de la tela: “la composición”, que es, por sí mismo, un concepto intelectualmente abstracto, y, esta idea, al ser traslada a la tela, da lugar al mundo del espacio, de modo que, al desprenderse de la bidimensionalidad, pasa a la tridimensionalidad del lugar donde se realiza la obra.

La serie de dibujos LOGOS fue concebida como una personalización o marca de cada una de las sesenta instalaciones que Carles Pujol ha realizado entre 1975 y 2016 y que ahora se exponen por primera vez.

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24 Premi TELAX (del 16 al 30 de julio)

La exposición del 24 Premi TELAX reúne las obras de los 17 artistas seleccionados para este concurso de arte contemporáneo que celebra anualmente la Galería Antoni Pinyol desde sus inicios en el año 1992.

En esta edición, la mayoría los artistas que participan se mueven en el campo de la pintura, a pesar de hacerlo a través de tendencias muy diversas, sin embargo, también encontramos espacio para la escultura. Los trabajos muestran estéticas muy diferentes, desde obras que aún buscan referentes en la pintura de los años 70, hasta otras más cercanas al arte conceptual y minimal, pasando incluso por trabajos que tienen su referente en el graffiti, por ejemplo.

El premio de esta edición ha sido concedido a José Manuel Albarrán, y dos accésit a Mireia Cifuentes y Zaloa Ipiña.

El jurado ha estado constituido por Enric Oliva, coleccionista; Francesc Magarolas, arquitecto; Josep Mª Joan, director del Museo Juguete de Figueres; Josep Manel Rigat, arquitecto; Montse Aguer, directora del Museo Dalí de Figueres; y Antoni Pinyol, director de la galería.

01 Alba Milan Escarcha en los cristales                                                          36 Rosa Ciurana Chorto Invisible

Alba Millan: Escarcha en los cristales                                         Rosa Ciurana Chorto: Invisible

24 Manel Pedrol Quiero regresar pero mi hogar esta en ruinas                                                               34 rebeca plana

Manel Pedrol: Quiero regresar pero mi hogar está en ruinas            Rebeca Plana: Fulsizerender

 

09 Ines Schaikowski Los 6 objectosw                                              39 Zaloa Ipiña Invasion Luminica

Ines Schaikowski: Los seis objetos                                                 Zaloa Ipiña: Invasión Lumínica

 

35 rema valera                                              17 Juan Gil Segovia Red Mecca

Rema Valera: Singer, Alfa, Sigma                                                Juan Gil Segovia: Red Mecca

 

31 Paula menchen ocean beachw                                                 40 Juan Manuel Albarran Stage Built III

Paula Menchen: Ocean Beach                                       Juan Manuel Albarrán: Stage Built III (Guanyador Premi Telax)

 

30 Palmira g.q.                                                                26 Marta Ballve Realitat Compartida

Palmira G.C.: N-foque                                                               Marta Ballvé: Realitat compartida

 

28 Mireia Cifuentes Venus                         21 luis medina                            16 Juan de la Rica Farsa 2

Mireia Cifuentes: Venus                      Luis Medina: The Sea                                           Juan de la Rica: Farsa 2

 

13 Jon Errazu Stones V                                                                          12 Joan Vilajoana a la deriva

Jon Errazu: Stones V                                                                      Joan Vilajoana: A la deriva

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Tilman Rösch: Agua (del 3 de junio al 2 de julio)

El artista Tilman Rösch (Reutlingen, Alemania, 1948) nos muestra unas fotografías que destacan por su composición, elementos que encontramos en nuestro día a día, en las calles, en los edificios, son captados a través de la visión del artista, que convierte los objetos concretos en imágenes abstractas, que nos atraen por su calidad plástica.

En su trabajo, los tiempos de exposición y las diferentes lentes son primordiales, pero también lo es la posición del fotógrafo en el momento de hacerla y las posibilidades de los diferentes procesos de revelado.

En esta exposición, el agua es la protagonista, como lo ha sido siempre en nuestra historia. El agua es, ni más ni menos, el fundamento de la vida y, como tal es objeto de culto para muchas tradiciones, desde las más ancestrales, pensemos por ejemplo en la danza de la lluvia que las películas de oeste nos han representado tantas veces. Además de dar vida, es el elemento purificador por excelencia, ¿cuántos bebés han sido bañados en agua en su bautizo? ¿Cuántos adolescentes han atravesado un lago en el rito de paso? El agua nos cambia, nos llena y nos hace renacer.

En arte su importancia ha sido representada por casi todos los grandes creadores, tanto por su sacralidad en, por ejemplo, Botticelli, su fuerza en Turner o su valor plástico en cualquiera de los impresionistas. Tilman Rösch coge este tema en un momento un tanto delicado, un momento en que la sociedad occidental desperdicia más agua que nunca, en que hemos quitado importancia a este elemento, por la facilidad con que la obtenemos.

El artista nos presenta este elemento en diferentes estados y entornos, en la naturaleza salvaje, irregular y azarosa, y dentro de la ciudad contemporánea aparentemente calmada, con sus líneas rectas meticulosamente controladas. De caracteres muy diferentes, feroces y serenas, pero igual de bellas resultan sus formas, que nos devuelven a nuestro estado más esencial.

Tilman Rösch estudió pintura y fotografía en la Escuela de Artes Libres de Stuttgart los años 1982-83 y 1984-87 y en los años 1983-84 en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Sus obras han sido expuestas a una gran cantidad de galerías, museos y otras instituciones alemanas y francesas, además de ciudades como Barcelona, Londres o Bruselas.

 

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Corriendo, 42 x 59 cm. 2006.                                                         Arroyo 3, 100 x 150 cm. 2010.

 

 

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Stilwood (West Gate in Weardale) 1, 38 x 79 cm. 2008.        Stilwood (West Gate in Weardale) 2, 38 x 79 cm. 2008.

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Bosque de hielo (Carelia) 1, 109 x 135 cm. 2009.                  Swiming pool (Lisboa), 60 x 90 cm. 2009.

15_botellas-de-aguaweb                                                   09_agua-tuebingenweb

Botellas de agua (París), 86 x 80 cm. 2010.                            Agua, piscina descubierta (Tübingen), 100 x 100 cm. 2007.

13_lineas-en-el-puertoweb                                            12_reflejo-en-el-puertoweb

Líneas en el puerto (Cambrils), 60 x 90 cm. 2006.              Reflejo en el puerto (Runmarö), 60 x 90 cm. 2008.

05_volandoweb                                           04_camion-amarilloweb

Volando (Neckar), 60 x 90. 2006.                                               Camión amarillo, 60 x 90. 2006.

18_san-petersburgoweb                                            10_pompa-de-jabonweb

San Petersburgo, 45 x 110 cm. 2012.                                          Pompa de jabón (Londres), 60 x 102 cm. 2008.

11_neckarweb Neckar, 116 x 40 cm. 2006.

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