José Manuel Albarrán: Stage Built (del 11 de noviembre al 10 de diciembre)

El paisaje existe. Cualquiera opinaría que es afirmación obvia, de no ser porque todavía resuenan los estertores de una época en la que la creación artística, víctima de sus propios excesos, casi había confinado el paisajismo a sus más fieles incondicionales. Hoy día, quizá por mor del eclecticismo imperante en el universo arte, reivindicar el paisaje es tarea en la que no pocos artistas andan afanados.

José Manuel Albarrán Pino (Bollullos par del Condado, 1967) presenta los productos de su actividad pictórica en el marco de la Beca de Paisaje de la Fundación Rodríguez Acosta en su edición de 2014. El soberbio resultado, fruto de un largo y laborioso proceso creativo, en el que el paisaje es deconstruido hasta sus elementos más esenciales, para ser luego reinterpretado en base a complejos y minuciosos procedimientos cuasi cartográficos, cuando no satelitales, invita a trascender el plano puramente estético-técnico, otorgando al objeto paisajístico la auténtica dimensión antropológico-cultural que consigue explicitar en sus obras. En éstas, la gran carga emocional que traslucen, nos descubre y transmite una experiencia no siempre acrítica del artista, transmutada en forma y metodología de conocimiento, por momentos tributaria de los principios de la psicogeografía, cuando no del apropicionismo, las más de las veces de la idea de archivo visual warburgiana, siempre de su único y personal “mapa mental”. Y es aquí, donde la propia personalidad del artista hace sublimar la obra, porque es precisamente esa “experiencia acerca del entorno y los modos de pensamiento” que diría Nuere, la que confiere la potencia argumental cuando se combina con el honesto apasionamiento de una biografía de tardío encuentro con lo pictórico.

Ciertamente en Stage Built, el Paisaje no sólo existe, sino que recupera vanguardia cuando conjuga la depurada y compleja técnica con una singular superestructura ideológica.

Angel Mayo. Crítico de arte.

Octubre de 2016

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Stage Built I

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Stage Built V

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Stage Built X

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Stage Built VI

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Stage Built XII

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Stage Built III

Zaloa Ipiña: Invasión lumínica (del 7 de octubre al 5 de noviembre de 2016)

Zaloa Ipiña (Bilbao, 1987) después de conseguir un accesito en el 24 Premi TELAX, presenta su obra escultórica en una exposición individual en la galería Antoni Pinyol, del 7 de octubre al 5 de noviembre de 2016.

En la obra de Zaloa Ipiña el espacio y la luz se convierten en los temas a tratar, trabajando la representación visual en forma de esculturas hechas con metacrilato y acetatos serigrafiados. De esta manera, la transparencia difumina el espacio entre el interior y exterior de la pieza.

Es sabido que cualquier artista que haya hecho servir como herramienta de trabajo las impresiones que provoca la luz y sus rayos siente el influjo de su entorno, en forma de alegría, tristeza, monotonía o estabilidad. Zaloa Ipiña responde a esta influencia a través de una obra que, a través de la luz, se proyecta en el espacio y lo invade, deshaciendo los límites de la escultura, los límites entre objeto y entorno. Desde un principio la artista ha pretendido establecer una relación entre los ámbitos interiores y exteriores, ya que la separación es inevitable.

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“Isladak islatzen”, 2014. Serigrafía sobre acetato, collage cosido. 35 x 25cm

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Serie “Invasión lumínica”, 2014. Serigrafía sobre petg moldeado. 29,5 x 152 x 39,5 cm cada módulo.

 

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ITZALezinak I, 2015. Serigrafía sobre metacrilato. 35 x 53 x 2,5cm.

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ITZALezinak III, 2015. Seigrafía sobre metacrilato. 47 x 65 x 2,5 cm.

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ITZALezinak II, 2015. Serigrafía sobre metacrilato y petg moldeado. 60,5 x 80 x 5cm.

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Serie “Invasión lumínica”, 2014. Serigrafía sobre acetato y papel, collage cosido. 50 x 65cm.

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Serie “Invasión lumínica”, 2014. Serigrafía sobre acetato y papel, collage cosido. 60 x 78 cm.

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Serie “Invasión lumínica”, 2014. Serigrafía sobre acetato y collage. 50 x 75 x 46 cm.

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S.T., 2011. Serigrafía sobre pizarra. 110 x 230 x 90 cm.

Nacida en Bilbao, Ipiña es licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (2009) y ha realizado un máster en obra gráfica contemporánea en la Fundación CIEC de A Coruña (2010). Ha realizado una residencia artística en el Centro de Arte Contemporanio Piramidón de Barcelona y otra en Bilbaoarte. Ha expuesto individualmente en diversas galerías y centros de arte por todo el estado, además de haber participado en una gran cantidad de exposiciones colectivas a través de las cuales ha podido dar a conocer su obra a nivel internacional, presentándola en países como Islandia, Francia o Argentina

Carles Pujol “Logos” (del 10 de septiembre al 5 de octubre)

Carles Pujol (Barcelona, ​​1947) presenta su obra en la Galería Antoni Pinyol, el 10 de septiembre a las 13h, en una exposición que durará hasta el 5 de octubre de 2016.

Carles Pujol, a partir de 1975 se convierte en abanderado de los trabajos videográficos en Cataluña, práctica que ha simultaneado con las videoinstalaciones, la pintura de grandes formatos, el dibujo y las acciones. El artista ha ido cambiando su medio, pero no la esencia conceptual de su práctica, la cual ha ido dirigiendo sobre varias problemáticas del arte, así como el concepto efímero, al tiempo eterno, de la obra y la desmitificación del artista.

Desde el principio, Carles Pujol tomó partido dentro del mundo de la pintura, por el aspecto que da el soporte principal de la tela: “la composición”, que es, por sí mismo, un concepto intelectualmente abstracto, y, esta idea, al ser traslada a la tela, da lugar al mundo del espacio, de modo que, al desprenderse de la bidimensionalidad, pasa a la tridimensionalidad del lugar donde se realiza la obra.

La serie de dibujos LOGOS fue concebida como una personalización o marca de cada una de las sesenta instalaciones que Carles Pujol ha realizado entre 1975 y 2016 y que ahora se exponen por primera vez.

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24 Premi TELAX (del 16 al 30 de julio)

La exposición del 24 Premi TELAX reúne las obras de los 17 artistas seleccionados para este concurso de arte contemporáneo que celebra anualmente la Galería Antoni Pinyol desde sus inicios en el año 1992.

En esta edición, la mayoría los artistas que participan se mueven en el campo de la pintura, a pesar de hacerlo a través de tendencias muy diversas, sin embargo, también encontramos espacio para la escultura. Los trabajos muestran estéticas muy diferentes, desde obras que aún buscan referentes en la pintura de los años 70, hasta otras más cercanas al arte conceptual y minimal, pasando incluso por trabajos que tienen su referente en el graffiti, por ejemplo.

El premio de esta edición ha sido concedido a José Manuel Albarrán, y dos accésit a Mireia Cifuentes y Zaloa Ipiña.

El jurado ha estado constituido por Enric Oliva, coleccionista; Francesc Magarolas, arquitecto; Josep Mª Joan, director del Museo Juguete de Figueres; Josep Manel Rigat, arquitecto; Montse Aguer, directora del Museo Dalí de Figueres; y Antoni Pinyol, director de la galería.

01 Alba Milan Escarcha en los cristales                                                          36 Rosa Ciurana Chorto Invisible

Alba Millan: Escarcha en los cristales                                         Rosa Ciurana Chorto: Invisible

24 Manel Pedrol Quiero regresar pero mi hogar esta en ruinas                                                               34 rebeca plana

Manel Pedrol: Quiero regresar pero mi hogar está en ruinas            Rebeca Plana: Fulsizerender

 

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Ines Schaikowski: Los seis objetos                                                 Zaloa Ipiña: Invasión Lumínica

 

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Rema Valera: Singer, Alfa, Sigma                                                Juan Gil Segovia: Red Mecca

 

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Paula Menchen: Ocean Beach                                       Juan Manuel Albarrán: Stage Built III (Guanyador Premi Telax)

 

30 Palmira g.q.                                                                26 Marta Ballve Realitat Compartida

Palmira G.C.: N-foque                                                               Marta Ballvé: Realitat compartida

 

28 Mireia Cifuentes Venus                         21 luis medina                            16 Juan de la Rica Farsa 2

Mireia Cifuentes: Venus                      Luis Medina: The Sea                                           Juan de la Rica: Farsa 2

 

13 Jon Errazu Stones V                                                                          12 Joan Vilajoana a la deriva

Jon Errazu: Stones V                                                                      Joan Vilajoana: A la deriva

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Tilman Rösch: Agua (del 3 de junio al 2 de julio)

El artista Tilman Rösch (Reutlingen, Alemania, 1948) nos muestra unas fotografías que destacan por su composición, elementos que encontramos en nuestro día a día, en las calles, en los edificios, son captados a través de la visión del artista, que convierte los objetos concretos en imágenes abstractas, que nos atraen por su calidad plástica.

En su trabajo, los tiempos de exposición y las diferentes lentes son primordiales, pero también lo es la posición del fotógrafo en el momento de hacerla y las posibilidades de los diferentes procesos de revelado.

En esta exposición, el agua es la protagonista, como lo ha sido siempre en nuestra historia. El agua es, ni más ni menos, el fundamento de la vida y, como tal es objeto de culto para muchas tradiciones, desde las más ancestrales, pensemos por ejemplo en la danza de la lluvia que las películas de oeste nos han representado tantas veces. Además de dar vida, es el elemento purificador por excelencia, ¿cuántos bebés han sido bañados en agua en su bautizo? ¿Cuántos adolescentes han atravesado un lago en el rito de paso? El agua nos cambia, nos llena y nos hace renacer.

En arte su importancia ha sido representada por casi todos los grandes creadores, tanto por su sacralidad en, por ejemplo, Botticelli, su fuerza en Turner o su valor plástico en cualquiera de los impresionistas. Tilman Rösch coge este tema en un momento un tanto delicado, un momento en que la sociedad occidental desperdicia más agua que nunca, en que hemos quitado importancia a este elemento, por la facilidad con que la obtenemos.

El artista nos presenta este elemento en diferentes estados y entornos, en la naturaleza salvaje, irregular y azarosa, y dentro de la ciudad contemporánea aparentemente calmada, con sus líneas rectas meticulosamente controladas. De caracteres muy diferentes, feroces y serenas, pero igual de bellas resultan sus formas, que nos devuelven a nuestro estado más esencial.

Tilman Rösch estudió pintura y fotografía en la Escuela de Artes Libres de Stuttgart los años 1982-83 y 1984-87 y en los años 1983-84 en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Sus obras han sido expuestas a una gran cantidad de galerías, museos y otras instituciones alemanas y francesas, además de ciudades como Barcelona, Londres o Bruselas.

 

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Corriendo, 42 x 59 cm. 2006.                                                         Arroyo 3, 100 x 150 cm. 2010.

 

 

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Stilwood (West Gate in Weardale) 1, 38 x 79 cm. 2008.        Stilwood (West Gate in Weardale) 2, 38 x 79 cm. 2008.

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Bosque de hielo (Carelia) 1, 109 x 135 cm. 2009.                  Swiming pool (Lisboa), 60 x 90 cm. 2009.

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Botellas de agua (París), 86 x 80 cm. 2010.                            Agua, piscina descubierta (Tübingen), 100 x 100 cm. 2007.

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Líneas en el puerto (Cambrils), 60 x 90 cm. 2006.              Reflejo en el puerto (Runmarö), 60 x 90 cm. 2008.

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Volando (Neckar), 60 x 90. 2006.                                               Camión amarillo, 60 x 90. 2006.

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San Petersburgo, 45 x 110 cm. 2012.                                          Pompa de jabón (Londres), 60 x 102 cm. 2008.

11_neckarweb Neckar, 116 x 40 cm. 2006.

Victor Mateo (del 29 de abril al 27 de mayo)

“Periodicamente, tanto a nivel nacional como internacional, se proclama el retorno a la práctica pictórica, una práctica que ha experimentado, desde finales de los años sesenta hasta la actualidad, ciclos oscilantes. Después de dos decadas en que se havia cuestionado su validez, el retorno al orden como crítica al movimiento conceptual recuperó este “placer por la pintura” que se ha seguido manteniendo hasta la actualidad.

Víctor Mateo (Tánger, 1945), es un artista que pertenece a esa clase de pintores para los que la pintura, por sí misma, se convierte en una fuente inagotable de nuevas introspecciones. Heredero de la tradición del expresionismo abstracto, la abstracción gestual que practica – sin ninguna referencia a imágenes figurativas – se caracteriza por expresar, sin límites, las preocupaciones más vivenciales. Fiel a los principios básicos del lenguaje no representativo, su pintura se sumerge en la propia esencia. Deja de lado todo lo superfluo para quedarse con la pulsión del gesto, con el recorrido del pigmento sobre el soporte, con el tráfico de la huella del pincel, con los sutiles desplazamientos de la mano, con la duración de la huella que , según el momento, será más o menos matérica, con más o menos textura. Es la propia cadencia energética, el propio latido interior lo que otorga estas latentes vibraciones, estos movimientos dinámicos tan característicos de su trabajo.

La abstracción de Víctor Mateo preconiza la pintura como lenguaje de los sentimientos. Se trata de una expresión que hace hincapié en la percepción sensorial y en la elaboración psíquica de impresiones. El artista no necesita la representación para la plasmación de su mundo interior, sólo se queda con la energía -absolutamente desnuda – y con el gozo liberador del movimiento rápido del pincel sobre el soporte.

Una obra que también nos remite al gesto y la caligrafía de corte orientalista, que el artista investiga de manera constante. Un equilibrio entre la enérgica pincelada y el recorrido sensual que se extiende en inmensos espacios infinitos.Su pintura deja de lado cualquier planteamiento esteticista o estrictamente formalista para situarse

Su pintura deja de lado cualquier planteamiento esteticista o estrictamente formalista para situarse en el proceso. La obra final obedece a un cúmulo de sensaciones y de pensamientos, de silencios y de angustias, de sufrimientos y de satisfacciones. Reivindica sus rasgos más característicos – trazos, materia, texturas, color y espacios – que nos sitúan en el momento de la creación. Una obra que nos hace revivir el instante mágico, fugaz y breve de la consolidación de los flujos emotivos y de la materialización de las descargas vivenciales.”

 

Joan Gil Gregorio

Miembro de la Associación Internacional de Críticos de Arte

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Pintura 16-4. 61x50cm. Mixta sobre tela                                Pintura 16-4. 130x130cm. Mixta sobre tela

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Pintura 16-6. 130x130cm. Mixta sobre tela                           Pintura 07-12. 120x130cm. Mixta sobre tela

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Japò 15. 38x46cm.                                                            97×130 cm. Mixta sobre tela.

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Japò 16. 52x41cm.                                                                            Japò 18. 52x41cm.

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Pintura 11-15. 130 x 240 cm. Técnica mixta sobre tela.

 

La exposición que Víctor Mateo presenta actualmente en la Galería Antoni Pinyol de Reus se convierte en un homenaje póstumo al galerista Joan Planellas (1949-2016) recientemente fallecido. Se da la circunstancia de que esta misma exposición estaba prevista inaugurar en su espacio expositivo de Tossa de Mar la semana que nuestro amigo nos dejó.

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Antoni Camarasa (del 24 de marzo al 23 de abril, 2016)

Antoni Camarasa presenta en esta exposición una selección de sus pinturas y esculturas. Su obra nos muestra una visión entre tierna y humorística de la vida y la naturaleza que tiene sus orígenes en las vivencias del artista en los campos de la Noguera, en los que vivió durante 16 años hasta que se trasladó a Barcelona, donde vive actualmente.

Antoni Camarasa nació en 1957 en Santa Linya (Lleida). Su trayectoria profesional se inicia en 1989 cuando expuso en la Galería Tom Maddock de Barcelona. Desde entonces ha realizado exposiciones individuales y col·lectivas en Barcelona, Girona, Reus, Madrid, Jávea, Paris, Düsseldorf, Niza, Andorra, Seúl y Tokio, entre otros.

Las personas y los elementos de la naturaleza son una excusa para trabajar la materia. El resultado es un trabajo espontáneo y riguroso de expresión en el que combina diferentes maneras de trabajar los materiales y disciplinas, como son la escultura y la pintura.

Muchas son las influencias que podemos encontrar en la obra de Camarasa, su visión del entorno rural y la pasión por la naturaleza nos hace inevitable pensar en un Joan Miró enamorado de su tierra, o en las representaciones tradicionales de algunos pueblos que los occidentales hemos mal llamado “primitivos”. Antoni Camarasa se acerca así a la naturaleza más inmediata, desnudando su mundo de las superfluidades de la contemporaneidad, de las grandes ciudades y de la materialidad excesiva que nos rodea, encontrando el camino hacia lo más esencial, lo que nos lleva a la origen y a una introspección de nosotros mismos, ayudándose de un humor particular, un humor íntimo, que nos da un primer impulso para entrar en estas obras.

Camarasa utiliza esta aparente benevolencia para tratar muchos temas de nuestra sociedad, a veces en forma de crítica, por ejemplo, de los poderes de control que el estado ejerce sobre ésta, otras una sátira sobre los comportamientos humanos, buscando la magia en lo cotidiano e íntimo, en aquellas pequeñas cosas que hacen que la vida valga la pena.

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Vanesa Muñoz: Solid Desire (del 19 de febrero al 19 de marzo)

El 19 de febrero la escultora Vanesa Muñoz presenta la exposición ‘Solid Desire’ en la Galeria Antoni Pinyol de Reus.

Poliedros, líneas rectas, curvas, el trabajo que presenta Vanesa Muñoz (Madrid, 1979) es perfectamente abstracto. Desde 2007, se alejó de la figuración para sentar sus bases conceptuales, explorando terrenos como la construcción de la realidad, el problema de la estética en confrontación, el Kunst y el Cannon, la ruptura del límite, la pugna personal para afrontar retos como el dolor, la muerte o la renuncia, la alegría, la pasión y la pérdida de la conciencia de ‘yo’.

Sus ‘Deseos sólidos’ remarcan éste contraste entre la forma y la materia, entre los sueños y los hechos o, en clave más académica, entre imaginación y técnica, una lucha de alternos que ha estado presente en toda la historia del Arte y que nos ha hecho evolucionar, así como estas esculturas parecen desarrollarse por sí solas, tener vida y personalidad propia, y la fuerza suficiente para exteriorizarse y penetrar en nuestros sentidos. Estas tensiones visuales generan las formas y de esta fricción entre texturas orgánicas y artificiales, cálidas y frías, rugosas y pulidas, brotan narrativas que en ocasiones adquieren tintes alquímicos y otras veces entroncan formalmente con la tradición constructivista.

Vanesa Muñoz utiliza los materiales con plena conciencia de sus connotaciones y significados que se encuentran presentes en nuestro inconsciente, el cual, después de formarse durante años, choca con estas esculturas, produciendo nuevas sensaciones que nos descolocan para atraernos ahora con más fuerza.

Solid Desire                                                                  Estructuras disipativas

Cuadratura de círculo plano                                                                  Cuadratura de un ángulo recto

Dibujo cúbico                                                                  Manada de polígonos

Broken Monolith                                                                 Espacio de fases

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“Si nuestra primera impresión es sentir la vida emanar de estas formas, ¿cómo nuestra mente adquiere, poco a poco, la certeza inconsciente que la materia está animada? Por el enfrentamiento entre formas y materiales de naturalezas totalmente opuestas, mezclando tratamiento geométrico, frío y afilado, con materiales cálidos que poseen connotaciones altamente emotivas y sensuales. Estas tensiones visuales generan las formas: complejos exoesqueletos de madera y estructuras metálicas afiladas como cuchillos, permitiendo de constatar que
cada escultura es guardián de un tesoro.”
Céline Boukobza

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Sonia Toneu: Soundscapes (del 15 de enero al 13 de febrero)

Sonia Toneu, después de participar en el 23º Premio TELAX, presenta una exposición individual en la Galería Antoni Pinyol de Reus.

Del 15 de enero al 13 de febrero podemos ver la reafirmación de una particular visión de un mundo imaginario donde la explosión de la vida emprende el tempo de unos latidos tan intrínsecos como extrínsecos, en unas composiciones entre el orden y el caos que la artista denomina mapas de sonidos, experiencias trasladadas a formas, colores y transparencias. Sus partituras visuales nos trasladan a escenarios donde conviven opuestos, el más primario con el más complejo, el más espontáneo con el más sintético.

La fuerza que pretende transferir de la experiencia sonora a la visual nos permite bailar entre las obras con los ojos y disfrutar de un trayecto personal que nos llevará al interior de los mapas, concediéndonos un viaje a nuestras propias vivencias y recuerdos como cuando rendimos el alma a las notas de una canción que nos seduce. Una especie de relación mística fluye pues entre lo que Sonia Toneu percibe y crea. Y es lo que desea del espectador, una conexión con la obra de una manera totalmente libre, enigmática, natural y abierta.

128_1258sonia_web                                                                           sonia14tp3web
Sinesthetic.1. 100 x 200 cm.                                                Cerdeira sound map. 150 x 250 cm.
Cinta sobre metacrilato. 2014.                                             Tinta sobre papel. Work in progress

 

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s/t. 100 x 60 cm. Mixta sobre tela. 2014.                     Egodeconstruct. 120 x 80 cm. Acrílico sobre tela, 2014.

 

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Confus. 130 x 130 cm. Acrílico sobre tela. 2014.         When logics die. Acrílico sobre tela. 200 x 200 cm. 2014.

 

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A ballad to forget. Acrílico sobre tela. 113 x 146 cm. 2014.

En palabras del escriptor Bill Jiménez: <<Música para mis ojos: así funcionan los mapas de sonido de Sonia Toneu. Son lienzos, sin duda; coloristas, también; y cuentan con una musicalidad simbólica. El fruto de convertir las ideas en un imaginario y ese imaginario en unas obras en las que cada elemento, cada trazo, es un instrumento en una orquesta que afina, interpreta, improvisa y ejecuta. El caos se vuelve orden en la tierra del color. El conjunto parece vivir en una partitura plástica. Muchas leyes entran en juego durante esta traslación del sonido a la imagen: un resultado francamente seductor.>>

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David Mayo: Los deseos abisales (del 6 al 30 de noviembre)

El artista David Mayo, después de ganar el 23 Premio Telax de la Galeria Antoni Pinyol, presenta su nueva exposición de fotografía: Los deseos abisales, abierta de 6 al 30 de noviembre.

Nacido en Sevilla en 1979, David Mayo es artista plástico y escritor. Formado en la especialidad de pintor por la Facultad de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría, comienza su carrera artística en esta disciplina dándose a conocer en la capital hispalense y obteniendo importantes galardones como el Premio Fórum Filatélico y el de la Universidad de Sevilla.

Desde entonces su trabajo ha ahondado en diferentes disciplinas, especialmente la fotografía, presente ya del todo en su primera muestra individual Sobreexposición, en 2006. El interés de Mayo por la fotografía es indudablemente conceptual aunque nunca descuida los aspectos plásticos y ha evolucionado desde una fotografía escenificada hasta, en los últimos años, trayectos más próximos a la llamada postfotografía y el collage digital, protagonista de sus últimas muestras Only can fly in dreams en Jaalproject (Madrid), De lo Efímero y lo perdurable en la Fundación Valentín de Madariaga (Sevilla) o Los Agricultores en Sant Andreu Contemporani(Barcelona).

Los deseos abisales reúne, junto a piezas de anteriores proyectos, obra de reciente producción, que refuerza e incide en los aspectos más psicológicos y psicoanalíticos de su trabajo, presentando formas extrañas e imposibles, anatomías alienígenas o hipersexualizadas, que reflejan un gusto por lo siniestro en términos freudianos.

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Los deseos abisales                                                                                                        Los deseos abisales

Collage digital                                                                                                                  Collage digital

50×70 cm                                                                                                                          30×40 cm

2015                                                                                                                                     2015

 

los deseos abisales 4.                                                                 los deseos abisales2.

Los deseos abisales                                                                                                        Los deseos abisales

Collage digital                                                                                                                  Collage digital

30×40 cm                                                                                                                          30×40 cm

2015                                                                                                                                     2015

 

David Mayo (Harm3web5)                                                                David Mayo (Harm1web5)

Collage digital                                                                                                                 Collage digital

50×50 cm                                                                                                                         50×70 cm

2015                                                                                                                                    2015

 

totem2                                          Totem (red bull).

Collage digital                                                                                                               Collage digital

50×50 cm                                                                                                                       50×50 cm

2015                                                                                                                                  2015

 

totem4pek                                                                  Vampir.

Collage digital                                                                                                             Vampir

50×70 cm                                                                                                                     Collage digital

2015                                                                                                                                40×40 cm

2015

 

falling angel.                                     Sin título-8.

Falling Angel                                                                                                                 Bambi´s mother veil

Collage digital                                                                                                               Collage digital

40×80 cm                                                                                                                      45×85 cm

2014                                                                                                                                2014

 

strange gift.

Strange gift

Collage digital

45×85

2014

 

 

 

 

 

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