27 PREMI TELAX (del 22 de junio al 20 de julio, 2019)

La exposición del 27 Premio Telax que se inaugura el sábado 22 de junio a las 13h, reúne las obras de los 18 artistas seleccionados para esta edición del premio de arte contemporáneo que se celebra anualmente en la Galeria Antoni Pinyol.

Este año, la mayoría de los artistas que participan se mueven en el campo de la pintura, aunque a través de tendencias muy diversas, sin embargo también contamos con otros lenguajes visuales: escultura, fotografía e instalación. 18 artistas emergentes para conocer la actualidad artística de nuestro entorno.

Los premiados en las diferentes categorías han sido Fabià Claramunt, Alsira Monforte, Ramón Cornadó y Claire van der Boog, designados por el jurado, que ha estado compuesto por los artistas Aureli Ruiz y Joan Ill, la diseñadora Maite Rabassa, la galerista Cecília Lobel y, el director de la galeria, Antoni Pinyol.

Ana Escar Decir NO para el SÍ, 2018 Técnica mixta sobre madera, 92 x 125 cm

Ana Escar
Decir NO para el SÍ, 2018
Técnica mixta sobre madera, 92 x 125 cm

Claire van der Boog View of a Room nº1, 2019 Tèncica mixta, plexiglass, foam i planxa de metal, 40 x 40 x 12 cm

Claire van der Boog
View of a Room nº1, 2019
Tèncica mixta, plexiglass, foam i planxa de metal, 40 x 40 x 12 cm

Conrad Tomàs Noche y Día, 2017 Acrílico sobre placa de pladur 80 x 120 cm

Conrad Tomàs
Noche y Día, 2017
Acrílico sobre placa de pladur
80 x 120 cm

Crisdever EUCALIPTO XVII, 2018  Cortezas de eucalipto, látex y acrílico sobre tabla,  81 x 65 cm.

Crisdever
EUCALIPTO XVII, 2018
Cortezas de eucalipto, látex y acrílico sobre tabla, 81 x 65 cm.

Daniel Sanchez Sin título, 2019    Acrílico sobre cartulina Fabriano “LR” de 220 gr, 50 x 70 cm.

Daniel Sanchez
Sin título, 2019
Acrílico sobre cartulina Fabriano “LR” de 220 gr, 50 x 70 cm.

Nicolàs Monsonís Venezia 1, 2017 Acrílic sobre tela, 73 x 60 cm

Nicolàs Monsonís
Venezia 1, 2017
Acrílic sobre tela, 73 x 60 cm

Oriol Enguany 5 obres de la sèrie 78, 2019 Acrílic i spray sobre paper, 30 x 42 cm (c/u)

Oriol Enguany
Sèrie 78, 2019
Acrílic i spray sobre paper, 30 x 42 cm (c/u)

Sergi Viana Sense títol, 2019 Tècnica mixta sobre fusta, 30 x 21 cm

Sergi Viana
Sense títol, 2019
Tècnica mixta sobre fusta, 30 x 21 cm

Víctor Solanas-Díaz Heavy Works, 2019-06-22 Pintura d’òxid de plom de diferents fabricants sobre DM preparat, 140 x 110 cm

Víctor Solanas-Díaz
Heavy Works, 2019-06-22
Pintura d’òxid de plom de diferents fabricants sobre DM preparat, 140 x 110 cm

Alba Lorente  Ligno III, 2019 Tinta sobre fusta, 15x21cm.

Alba Lorente
Ligno III, 2019
Tinta sobre fusta, 15x21cm.

Alsira Monforte  S/T de la serie Desvanes de la infancia, 2018  Impresión digital sobre papel, hilo sobre tela; bandeja 22×40 cm., marcos 5×6 cm

Alsira Monforte
S/T de la serie Desvanes de la infancia, 2018
Impresión digital sobre papel, hilo sobre tela; bandeja 22×40 cm., marcos 5×6 cm

Ana Rita Canaho Me conocerán por conectada, 2019   Escultura, 126 x 52 x 35

Ana Rita Canaho
Me conocerán por conectada, 2019
Escultura, 126 x 52 x 35

Cristian Torelli El somni del caçador (Le rêve du chasseur), 2019 Tècnica mixta, acrylic, pastel

Cristian Torelli
El somni del caçador (Le rêve du chasseur), 2019
Tècnica mixta, acrylic, pastel

Cristina Pacheco  Poema Visual no298,301, 2019 Acuarel•la y tinta xina sobre paper, 40 x 30 cm

Cristina Pacheco
Poema Visual no298,301, 2019
Acuarel•la y tinta xina sobre paper, 40 x 30 cm

Efraim Ortega Hacia la deriva, 2017  Madera tallada y patina de fibra de vidrio, dimensiones variables, (aprox. 15 x 20 cm cada pieza de madera, la instalación 1,50 m diámetro)

Efraim Ortega
Hacia la deriva, 2017
Madera tallada y patina de fibra de vidrio, dimensiones variables, (aprox. 15 x 20 cm cada pieza de madera, la instalación 1,50 m diámetro)

Fabià Claramunt Paisatge rosa i blau, 2018 Oli sobre fusta, 9,7 x 13,7 cm

Fabià Claramunt
Sense títol, 2018
Oli sobre tela, 116 x 89 cm

Ramon Cornadó Diàlegs callats-02   Còpia digital impresa sobre paper Hahnemühle Photo Rag Baryta, 50x75cm

Ramon Cornadó
Diàlegs callats-02
Còpia digital impresa sobre paper Hahnemühle Photo Rag Baryta, 50x75cm

Tuike Souza Sense títol, 2018 Tècnica mixta sobre tela, 100 x 100 cm

Tuike Souza
Sense títol, 2018
Tècnica mixta sobre tela, 100 x 100 cm

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Martí Rom: Bestiam (del 27 d’abril al 24 de maig)

Martí Rom, nascut a Barcelona el 1955, és un artista que des dels seus inicis se sent identificat amb emprar elements relacionats amb el reciclatge. Les seves escultures/objectes, ensamblades gràcies a l’aparició de materials com el ferro, la fusta, l’alumini, el plom, la pedra e inclòs, en determinats moments, amb el bronze, son els principals protagonistes de les seves creacions. El passat i més concretament els objectes vinculats amb la terra, o sia procedents de l’ambient rural – gracies sobretot a les seves vivències al poble del Baix Campde Mont-roig del Camp, on a la joventut passà llargues temporades, li van servir d’inspiració en les seves escultures, moltes d’elles d’un gran contingut social. Al marge de l’escultura, també s’ha interessat per la pintura i el dibuix, encara que aquestes facetes no siguin tan conegudes pel públic, si són complementàries, sobretot pel seu contingut plenament conceptual.

Amb motiu d’una exposició a la desapareguda galeria barcelonina Carme Espinet, el crític Josep Maria Cadena assenyalava que l’artista “utilitza el que sap, però que es basa en el que somia. Això fa que les seves escultures adquireixen dimensions poètiques que superen les limitacions de la matèria.” Aquesta connexió amb la poesia la podem visualitzar en el llibre que recentment es va publicar amb el títol “L’art de l’amor per amor a l’art”, amb poemes de P.P. Bardier i dibuixos del propi artista. Encara que el tema del llibre no sigui l’habitual, degut a la manera d’interpretar l’erotisme en l’art, els seus dibuixos, plens de realisme i d’una sensibilitat exquisida, a més d’una aparent senzillesa, demostren que no existeixen secrets en representar un dels temes més utilitzatsen la historia de l’art.

“La guineu” Ferro patinat bronze i fusta 24 x 22,5 x 7 cm

La guineu
Ferro patinat bronze i fusta
24 x 22,5 x 7 cm

“Gos que vigila els somnis de la nit” Pintura acrílica collage 65 x 50 cm

Gos que vigila els somnis de la nit
Pintura acrílica collage
65 x 50 cm

El seu interès per manipular objectes trobats, recuperant-los i reciclant-los, indica la seva preocupació per tot el relacionat amb la natura. Aquesta transformació per crear noves estructures, reordenant i reagrupant elements molt diversos, però que tenen una funció essencial en la vida quotidiana dels seus creadors, demostra el nivell de preocupació per mostrar una determinada realitat.

La ironia i la poesia són dos conceptes que van units a la seva obra que, segons Conxita Oliver, són el “resultat tant del contrapunt que s’estableix entre els diferents materials en joc, com de l’elaboració mental i simbòlica que arrossega la seva iconografia”. Per això l’artista desenvolupa diversos temes, la majoria d’ells des d’una òptica socio-política, tot i que també el relacionat amb la natura és ben evident.

A les seves obres s’observa la utilització d’elements fragmentats, acumulats i manipulats, on s’aprecia el seu interès pel passat, un passat que pot ser recent o bé d’èpoques primigènies.

Ocell planejant” Ferro pintat 96 x 83 x 42

Ocell planejant
Ferro pintat
96 x 83 x 42

L’oiseau du Porquerolles Ferro 66 x 50 x 38 cm

L’oiseau du Porquerolles
Ferro
66 x 50 x 38 cm

Respecte a l’exposició actual, l’artista tracta la temàtica del món animal des d’una perspectiva irònica, encara que plena d’imaginació i de delicadesa, en què les figures que apareixen: cavalls, gossos, peixos, ocells, cérvols, insectes- libèl·lula, mantis religiosa-, guineus o dracs, però també animals relacionats amb la mitologia, el cas del minotaure o del faune, es mostren propers a nosaltres. Les peces son de ferro, algunes d’elles oxidades o pintades.

Les escultures son molt esquemàtiques, gairebé sense volum, pel que la fragilitat dels materials emprats origina una obra molt sensible, nonomés per l’ús dels mateixos,sinóper les propostes plantejades, ja que l’espai buit és ben evident, fugint de la solidesa aparent de l’escultura buscant la complicitat de l’espectador.

També estan presents a l’exposició algunes pintures acríliques i d’esprai , on el collage, el frottage i l’esmalt accentuen la idea de transformar la realitat d’un univers dual entre indòmit i racional, però amb la idea de representar-lo de manera propera a l’existir un compromís per ensenyar almón les incongruències i desencerts d’una societat complaent en si mateixa i que obvia el que succeeix al seu entorn més immediat.

Ramon Casalé Soler
Membre de l’Associació Internacional de Crítics d’Art

Ocell nocturn Pintura acrílica collage 30 x 70 cm

Ocell nocturn
Pintura acrílica collage
30 x 70 cm

El cérvol Ferro i pintura 128 x 50 x 30 cm

El cérvol
Ferro i pintura
128 x 50 x 30 cm

Ocell bocabadat Ferro 74,5 x 31 x 12

Ocell bocabadat
Ferro
74,5 x 31 x 12

Ocell holandès Ferro pintat i oxidat 84,50 x 45 x 17 cm

Ocell holandès
Ferro pintat i oxidat
84,50 x 45 x 17 cm

postal-invitacio1 (1)

En veu baixa (del 23 de mayo al 23 de abril)

La exposición En Veu Baixa (En Voz Baja), aglutina cinco lenguajes plásticos de cinco creadoras, Pilar Montserrat, Montse Baqués, Dolors Puigdemont, Laura Baringo y Carme Malaret, que comunican un relato personal, que aportan, desde la materia, la expresión de una idea.

Cada una se enfrenta a la forma a partir de un diálogo que se teje, que se forja, que se moldea, que se dibuja. Y es en la manera de trabajar lo tangible donde establecemos sinergias que nos unen.

Construir con materiales frágiles y/o efímeros nos permite mostrar obra desde el espacio íntimo, de la dualidad, desde el hecho de habitar, de la denuncia. Volumenes que cuestionan sin estridencias, desde el yo, con una narrativa solida y contundente.

Carme Malaret

Carme Malaret

Dolors Puigdemont 1

Dolors Puigdemont

Laura Baringo

Laura Baringo

montse Baqués 1

Montse Baqués

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Pilar Montserrat

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María Mrntrd: Ulterior (del 16 de febrero al 16 de marzo de 2019)

La esquina y la esfera: una visión ulterior, por Fernando Sánchez Morote

Blanco, gris y marrón son colores que inundan las obras de María Mrntrd (Moreno Tirado, Granada, 1993). Su cromatismo responde a su pensamiento: sutil, sintético y ordenado, dialoga con toda una suerte de objetos, sencillos a primera vista, pero de gran fuerza expresiva. Fotos, lonas y macetas dan la mano a dibujos y pequeñas esculturas en una delicada sinfonía compuesta mediante instalaciones perfectamente estructuradas. Las obras, se presentan de manera física, fisionómica, importando no solo la forma, sino su forma; la textura es elemento vertebrador para comprender esta selección. Diferentes niveles de ver y maneras de tocar se entrelazan con mano y ojo, permitiendo al sentido del tacto extrapolarse de uno a otro: podemos sentir con la mirada la textura del suelo y el fieltro, las hemos tocado y el ojo remite a este pensamiento.

Hablamos así de ‘objeto relacionado’; lo importante no radica en la relación establecida mediante el objeto, sino en la relación creadacon el objeto. Esto permite llegar a ‘encumbrar’ una hoja, una maceta, una piedra, a darle un cariz totalmente nuevo. La relevancia trasciende más allá de la forma, abrazando algo que converge de lo puramente tangible al crear una conexión incapaz para la vista. Si bien podemos relacionar los objetos por tamaño, por color o disposición, no seremos capaces de alcanzar la visión superficial si omitimos esta tangencial parte. La artista crea una identidad superior a la interactuación, ya importante de por sí, y da plena voz y fuerza a la relación. Es capaz de relacionarse con esos objetos a un nivel tan íntimo, privado y profundo que los hace suyos, dándoles un nuevo significado tan propio como la memoria; su memoria.

Este acercamiento no es en balde, pues abre nuevas facetas de nuestra comprensión basadas en la experiencia, el conocimiento y el sentimiento, claves de introspección actuando como herramientas para percibir y sumergirnos de lleno en dicha relación. Qué es y cómo esson las cuestiones primordiales cuando nos acercamos a un objeto, y aquí quedan relegadas en detrimento al cómo lo percibo, a esa manera de entender la relación entre obra y espectador, entre objeto y ser. Esta última idea queda amparado mediante dos ideas clave que configuran el pensamiento desde su base: Interpretado a través del muy conocido cuento de Borges, El Aleph, y mediante la reflexión en torno al concepto de ulterior.

Lo ulterior como aquello situado en la “parte de atrás”, aquello no percibido a simple vista, lo posterior, un sentimiento tras otra cosa. Lo ulterior carece de negativo o positivo, no es algo oculto, sino ignorado. En este caso, la artista no extrae su naturaleza, no lo desliga, sino lo asume como primera plana; consciente de lo ulterior, lo hace suyo al tomarlo como propio y ser capaz de presentarlo al mundo. Mantiene su significado, cobrando mayor importancia debido a su relación con ella –un paralelismo con el uso del concepto-, la cual hace asu presencia relucir.

En esta línea se configura El Aleph: una pequeña esfera de puro conocimiento, una suerte de agujero blanco cuya función principal es la de expeler información. Destacable resulta el hecho de desprenderla de modo ordenado, pues la suma de ángulos y visiones confluyentes en él podrían crear una amalgama de caos debido al continuo flujo desaberes en una única dirección. Sin embargo, no es así. Aleph y artista se sincronizan en una visión armónica de la vida; sutil y ordenada actúa como imán, invita al espectador de manera dócil, casi servil. No interpele; llama a entender esta noción de conocimiento en la cual tiene una presencia tangible. Es así como la relación entre objeto, conocimiento [Aleph] y sujeto se configura como posibilidad, la dada por la artista para acercarnos, comprender y apreciar la realidad que le compete. Lo ulterior es percibido como algo nuevo, estableciendo las infinitas oportunidades para presenciar ese conocimiento, pues cada lugar, cada rincón, es presumible de contenerlo. Exponer esta parte de atrás es exponer dicha posibilidad de conocimiento, para más detalle, mediante el roce con este objeto relacionado entramos en contacto directo (físico) con lo ulterior.

María Mrntrd permite establecer un acercamiento a esas facetas inexploradas, a esas heridas pasadas por alto, a relaciones casi imposibles de concebir, capacitándonos para el roce y la vista. Al fin y al cabo, el trabajo de un artista no está en el arte; está en la invención de razones para que el arte sea admirable.

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Miquel Falgàs: La Peribilitat del Nom (del 12 de enero al 12 de febrero, 2019)

LA PERIBILITAT DEL NOM
Diàlegs a través de la pintura en el context del graffiti i l’art urbà

Provinent del món del graffiti, Miquel Falgàs ens presenta la seva obra recent, en la qual revisa l’estètica urbana a través d’un treball multidisciplinar, que hibrida diferents tècniques que van des de la pròpia pintura, la fotografia o el vídeo, fins la instal·lació, la impressió 3D o el transfer.

En la seva obra, Falgàs reflexiona sobre allò que envolta l’art urbà i la pràctica del graffiti, tant en la seva naturalesa més essencial, com a art efímer i sobre la necessitat individual de deixar constància, com en les seves connotacions més polèmiques. Des de la comercialització del graffiti a la dècada dels 70 i l’aparició de marques especialitzades, aquest moviment lligat al teixit de la societat urbana, ha estat un punt de trobada per a milions de joves a tot el món, una mena d’autoafirmació de l’individu dins d’una societat en la que, sovint, és senzill sentir-se’n apartat.

En un periple per qualsevol ciutat, és fàcil trobar parets guixades en l’espai públic. Signatures i pintades que corresponen a la part més il·legal i simplista d’aquesta pràctica i, contra les quals, han de lluitar institucions públiques i privades, generant disputes estètiques en el paisatge. El “removal”, és un concepte d’origen anglosaxó que respon a aquesta disputa entre les diferents institucions en contra d’aquestes pintades, que desllueixen el mobiliari urbà i els propis escriptors de graffiti, generant així, un diàleg constant entre les dues parts en els murs dels carrers.

L’obra de Falgàs es conforma de rastres, marques i empremtes provinents d’aquesta estètica. A través de la superposició de diferents taques i traços marcats per una forta espontaneïtat, es van creant capes que, alhora que creen una nova forma, en censuren d’anteriors, simulant el debat del removal i reflexionant sobre la pròpia naturalesa efímera del graffiti.

Removal V Pintura acrílica sobre paper Basik 370g 100x70cm 2018

Removal V
Pintura acrílica sobre paper Basik 370g
100x70cm
2018

Color gradient  Acrílic sobre tela 130x95cm 2018

Color gradient
Acrílic sobre tela
130x95cm
2018

st. Acrílic sobre tela. 195x130cm 2018

st.
Acrílic sobre tela.
195x130cm
2018

hall of fame acrílic sobre tela 250x230cm 2018

hall of fame
acrílic sobre tela
250x230cm
2018

Gray stratum 2 acrílic sobre taula 39,5x39,5 cm 2018

Gray stratum 2
acrílic sobre taula
39,5×39,5 cm
2018

Miquel Falgàs (Reus, 1993) va guanyar el darrer 26è Premi TELAX en la secció de pintura, i ha exposat en diversos espais entre la província de Tarragona i València, a més d’haver intervingut en nombroses ocasions en l’espai públic a través del graffiti i la pintura mural des de que era un adolescent. Actualment, després de realitzar el grau d’Arts Aplicades al Mur a l’Escola d’Art i Disseny de Tarragona, es troba finalitzant els estudis en Belles Arts a la Universitat Politècnica de València.

postal-invitacio1 Lohan

Patrizia Lohan: Inside Out (del 3 al 30 de noviembre)

Patrizia Lohan presenta el 3 de noviembre su nueva exposición “Inside Out” en la Galeria Antoni Pinyol, después de haber ganado el premio de escultura en el pasado 26 Premi Telax.

Aunque se trata de escultura por su material y tridimensionalidad, su obra se mueve en una fina línea entre esta disciplina y la pintura, combinando las dos técnicas para crear una especie de trampantojo, un trompe l’ œil de luz que posibilita la reflexión del color y la proyección de la sombra. Su obra es ciertamente minimalista, y aprovecha la pureza del material y las formas para dar protagonista a un elemento, la luz, tan intangible e ignorado como omnipresente y necesario, haciendo que las sensaciones que se transmiten a través de estas obras penetren en la retina del espectador y se traduzcan en emociones, estados de ánimo que la artista ha intentado transmitir.

Cuadrados curvados con corte. 2018.                                                    Técnica mixta sobre tela.                                      80 x 80 cm.

Cuadrados curvados con corte. 2018. Técnica mixta sobre tela. 80 x 80 cm.

Rectángulos doblados diagonal. 2018.                                                    Técnica mixta sobre tela.                                      65 x 100 cm.

Rectángulos doblados diagonal. 2018. Técnica mixta sobre tela. 65 x 100 cm.

Doble reflejo n. 1. 2018.                                                                         Técnica mixta sobre tela.                                        50 x 65 cm.

Doble reflejo n. 1. 2018. Técnica mixta sobre tela. 50 x 65 cm.

Tiras 90 º. 2017.                                          Técnica mixta sobre tela.                                      60 x 92 cm.

Tiras 90 º. 2017. Técnica mixta sobre tela. 60 x 92 cm.

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Victoria Hertel: Energeia (del 6 al 30 de octubre, 2018)

Victoria Hertal (Nuremberg, 1991) presentó su exposición individual en la Galeria Antoni Pinyol después conseguir un accèsit en el 26 Premi Telax.

La obra de Hertel se centra en la visualización de lo que existe más allá de la simple percepción. Interpretando imágenes biológicas y esquemas científicos, crea visiones magnificadas de los procesos naturales que nos rodean, demostrando su estética orgánica. Para ello, busca en la investigación y la experimentación de las cualidades físicas de la pintura lo nuevo y desconocido para ampliar sus límites y uso tradicional, acercando así las cualidades matéricas de la obra a sus implicaciones conceptuales.

Victoria Hertel trabaja actualmente en LaNaveBCN Studios y, a pesar de su juventud, ha participado en numerosas exposiciones colectivas en Cataluña y en su país natal, Alemania.

Korallenteich / Lago de Corales. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 15 x 15 cm

Korallenteich / Lago de Corales. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 15 x 15 cm

Piñata. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 20 x 20 cm.

Piñata. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 20 x 20 cm.

Luftkissen / Colchón de aire. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 20 x 20 cm.

Luftkissen / Colchón de aire. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 20 x 20 cm.

Überraschung / Sorpresa.  2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 20 x 20 cm.

Überraschung / Sorpresa. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 20 x 20 cm.

Luftschlangen / Serpentinas de papel. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 24 x 19 cm.

Luftschlangen / Serpentinas de papel.
2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 24 x 19 cm.

Liane / Bejuco. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 70 x 50 cm.

Liane / Bejuco.
2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 70 x 50 cm.

Sommernacht / Noche de verano. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 55 x 46 cm.

Sommernacht / Noche de verano.
2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 55 x 46 cm.

Wetterleuchten / Relámpago. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 146 x 114 cm.

Wetterleuchten / Relámpago.
2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 146 x 114 cm.

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Manuel Alcalá: Tot és Matèria (del 8 de septiembre al 2 de octubre)

Arte…, la tan llevada y traídapalabra. No soy nadie para decir que es arte o no es arte. En un contexto global podría decir alguna cosa, pero la línea divisoria es tan sutil que la rotundidad me incomoda. Lo que más me agobia, precisamente, son las personas que sin tener idea de lo que es arte, se atreven a decir ¿y esto es arte? Cuando ven algo que no entienden.

Mi inquietud personal y tratando de explicar lo que hago, podría decir que se sitúa en un encuentro entre distintas tendencias y técnicas. Es como una fusión de distintas escuelas entre las que se podrían destacar el cinetismo, el OP-ART y figuración, pero entiendo que hay más:como abstracción geométrica, constructivismo y otras, y una continua búsqueda de la luz. Resultados a veces casuales y otras veces intencionados por el estudio de los clásicos.

El objetivo es crear efectos que atraigan la atención del observador, que lo inquiete, busque, vibre y sienta emociones, que lo invite a averiguarque está delante y qué está detrás y como se consiguen esas aparentes vibraciones cinéticas que no dan respuesta a sus preguntas. En ese intento el primer sorprendido soy yo.

A veces es como una explosión de luz en el universoque evoluciona hacia las formas reales, la vida misma. El origen de la vida emana de efluvios luminiscentes de la bóveda celestial en donde está lo que no vemos pero se manifiesta.

La obra, contiene esa figuración por un lado y por otro esa búsqueda de lo inconcreto, de lo oculto.Todo dentro de una visión plástica de luz y color.

Sin lugar a dudas, lo que hago soy yo mismo, trato de comunicar a través de ella mi forma de ver lo que me gustaría que fuera el mundo. A veces inquietante, con carencias vitales que el hombre es incapaz de conseguir. Quizás uno ve un cinetismo, pero en realidad cuando una línea rompe con otra, escomo si tachara vivencias incorrectas, injusticias que hay que denunciar.

Mis tiralíneas son como pinceles, como dijo un crítico. Son los ejecutores técnicos que necesita de los pinceles para mezclar una y mil veces pinturas que se degradan constantemente para buscar la luz o la oscuridad. Esta realización con tiralíneas, compás o listones de madera, ha llevado a alguien a hablar de linealismo.

                                                                       Manuel Alcalá Sánchez   

2014 4 acrilicos tablex 90x120 cm serie traqueales 2(768) - copiaweb

Serie Traqueales 2 (768), 2014, acrílico sobre tablex, 90×120 cm

2018-04-07 Técnica - acrilico sobre tablex de MDF 90x120 cms serie traqueales (834)web

Serie Traqueales (834), 2018, acrílico sobre tablex de MDF, 90×120 cm

 

2018-01-26 mixta s. MDF 63x123 cm traqueales s anatomía 6 (829) web

Serie Traqueales, Anatomía 6 (829), 2018, Mixta sobre tablex MDF, 63×123 cm

2017-05-22 - técnica mixta s tablero MDF 60x90 cm. (823) jpgweb

(823), 2017, mixta sobre tablex MDF, 60×90 cm

                   

2016 16 acrilico s. listones de madera e tablero 90x90 cm. s. Op art 19 (818)

Serie Op Art 19 (818), 2016, acrílico sobre listones de madera y tablero, 90×90 cm

2016 12 acrilico s. tablero - 95x90 cm s.OP 18 (813)

Serie Op Art 18 (813), 2016, acrílico sobre listones de madera y tablero, 95×90 cm

 

2018-03-24 técnica mixta S tablero 60x120 - traqueales serie org 9 (832) web

Serie Traqueales Org 9 (832), 2018, mixta sobre tablero, 60x120cm

26 Premi TELAX

En la 26ª edición del Premi TELAX, premio que se celebra anualmente en la Galeria Antoni Pinyol i que da la oportunidad de exponer a artistas emergentes, este año han estado seleccionados 21 artistas de las tendencias más diversas y lenguajes experimentales, que representan el avance del panorama artístico actual, por un jurado compuesto por el artista Aureli Ruiz, la gestora cultural Coia Domingo, la directora i productora Alba Sotorra, el col·leccionista Fernando Llauradó i el director de la galeria, Antoni Pinyol. 

 

Maria Mrntrd "Cuándo vuestro invierno". Premio instalación.

Maria Mrntrd “Cuándo vuestro invierno”. Premio instalación.

Miquel Falgàs "Removal XII". Premio de pintura.

Miquel Falgàs “Removal XII”. Premio de pintura.

Patrizia Lohan "Triángulos juntados". Premio de escultura.

Patrizia Lohan “Triángulos juntados”. Premio de escultura.

Victoria Hertel "Ion". Accésito de pintura.

Victoria Hertel “Ion”. Accésito de pintura.

Ana Gómez "Fronteras"

Ana Gómez “Fronteras”

Vicky Kylander "Sin título"

Vicky Kylander “Sin título”

J.M. Nicolàs Monsonís “Canyes del Delta del Llobregat 4”

J.M. Nicolàs Monsonís “Canyes del Delta
del Llobregat 4”

Myriam Arnold "Eterna Memòria"

Myriam Arnold “Eterna Memòria”

Miquel Samitier "Capsa del Rei Casabú"

Miquel Samitier “Capsa del Rei Casabú”

Marta Ballvé "Despendre la paraula"

Marta Ballvé “Despendre la paraula”

José Manuel Albarrán "Sin título"

José Manuel Albarrán “Sin título”

Juan de la Rica "Jinetes"

Juan de la Rica “Jinetes”

Quique Ortiz "Sin título"

Quique Ortiz “Sin título”

Guillermo Ramírez "Con doble vuelta"

Guillermo Ramírez “Con doble vuelta”

Ferran Vives "Purple"

Ferran Vives “Purple”

Enrique Muda "Sin título"

Enrique Muda “Sin título”

Elena Maroto "D.A.N.C.E.! Control"

Elena Maroto “D.A.N.C.E.! Control”

Arantxa Nova "Espai 4"

Arantxa Nova “Espai 4″

Anne Cecile Surga "Black Hole"

Anne Cecile Surga “Black Hole”

Miguel Núñez: Kind of Wood (del 4 de mayo al 2 de junio)

Kind of wood es un proyecto pictórico en el que se pretende reflexionar acerca de la idea de proceso, prestando especial atención a la propia configuración de la imagen.

El titulo de la exposición hace referencia a una de las obras maestras del Jazz, Kind of blue de Miles Davis, ya que mi proceso pictórico es semejante a las estructuras jazzísticas empleadas por Miles Davis en su experimentación con el “jazz modal”. En ellas, mantenía el backround de una sencilla melodía mientras los solistas interpretaban otra sobre uno o dos “modos”, o escalas, en lugar de realizar progresiones armónicas, como venía siendo habitual en el fundamento armónico de jazz.

En términos pictóricos, cada obra supone una improvisación o experimentación procesal sobre la idea de fondo que hace de nexo entre las distintas pinturas. Podríamos decir que la columna vertebral del proyecto sería la idea juguetona de “no hacer”, estudiada por el filosofo surcoreano Byung-Chul Han en su ensayo La sociedad del cansancio, como modo de hacer de verdad. Según Byung-Chul Han la sociedad actual está agotada por la idea eficiente de hacer, sometiéndonos por nuestras propias aspiraciones económicas, de estatus social y, en definitiva, de poder.

Frente a esta problemática surge un especial interés por recuperar el espacio de juego y la intuición, trazando así la dirección formal que persigo en mi obra. De hecho, este factor supone el punto de partida de cada pintura, mediante la configuración de maquetas mínimas que fotografío o pinto del natural. Estas intervenciones seudo-arquitectónicas son construidas con elementos tan precarios como restos de madera y otros objetos que encuentro por el estudio (que me gusta denominar como “residuos artísticos”).

Una vez compuesta la melodía de fondo comienza la improvisación, dando lugar a un proceso pictórico no lineal que parte de una imagen propia, procedente de las maquetas anteriormente confeccionadas, que ahora se somete a las decisiones y accidentes que acontecen durante el proceso pictórico.

 

Catacroquen II, 2017, óleo, esmalte y spray sobre tela.

Catacroquen II, 2017, óleo, esmalte y spray sobre tela.

Pelusa Geométrica, 2017, óleo, esmalte y spray sobre tela.

Pelusa Geométrica, 2017, óleo, esmalte y spray sobre tela.

Live (díptico), 2017, óleo, esmalte y spray sobre tela.

Live (díptico), 2017, óleo, esmalte y spray sobre tela.

Into the Black, 2017, óleo y spray sobre tela.

Into the Black, 2017, óleo y spray sobre tela.

Serie Territorio Efímero, 2018, óleo y spray sobre tela.

Serie Territorio Efímero, 2018, óleo y spray sobre tela.

Serie Territorio Efímero, 2018, óleo y spray sobre tela.

Serie Territorio Efímero, 2018, óleo y spray sobre tela.

Serie Territorio Efímero, 2018, óleo y spray sobre tela.

Serie Territorio Efímero, 2018, óleo y spray sobre tela.

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