postal-invitacio1 copia

Juan Gil Segovia: Territorios Cruzados (del 10 de octubre al 4 de noviembre)

El artista Juan Gil Segovia presenta en la Galería Antoni Pinyol de Reus la exposición “Territorios Cruzados”, un conjunto de obras producidas entre 2006 y 2020 que tienen como común denominador el tratamiento del paisaje y los entornos contemporáneos mediante usos no canónicos del medio fotográfico.La exposición, comisariada por Clara Isabel Arribas Cerezo, se produce tras alzarse Gil Segovia como ganador el pasado mes de junio del 28 PremiTelax, convocado por la galería desde el año 1992. Con motivo de la muestra se ha editado un catálogo con un texto de presentación del artista y profesor José Luis Pajares.

“Territorios Cruzados” hace referencia, en primer término, a una práctica cada vez más frecuente en el trabajo fotográfico de Gil Segovia; la mezcla (evidente, sin trucaje digital) de diferentes entornos en una sola imagen. Del mismo modo, podemos entender el dialogo entre obras actuales y otras con más de una década de antigüedad como una serie de territorios cruzados, un conjunto vertebrado poruna constante: la representación de entornos dominados por el ser humano (carreteras, arquitecturas, animales domésticos, ruinas, etc.) pero en los que, paradójicamente, la figura humana nunca queda reflejada en la imagen.

Sin-título, 2006 Esmalte y emulsión fotográfica sobre madera (obra única) 10 x 15 x 37 cm

Sin título, 2006
Esmalte y emulsión fotográfica sobre madera (obra única)
10 x 15 x 37 cm

Bosque-Reflejo, 2009 Emulsión fotográfica sobre madera y objeto (obra única) 34 x 47 x 65 cm

Bosque Reflejo, 2009
Emulsión fotográfica sobre madera y objeto (obra única)
34 x 47 x 65 cm

Entramado de color, 2014 Acrílico y emulsión fotográfica sobre madera (obra única) 21 x 155 cm

Entramado de color, 2014
Acrílico y emulsión fotográfica sobre madera (obra única)
21 x 155 cm

Hacer camino, 2015 Emulsión fotográfica sobre madera y objeto (obra única) 75 x 33 x 55 cm

Hacer camino, 2015
Emulsión fotográfica sobre madera y objeto (obra única)
75 x 33 x 55 cm

Las obras más antiguas están fechadas en 2006, año en el que el artista obtuvo la licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca.Tanto estos trabajos seminales como los creados en los años inmediatamente posteriores destacan por su presencia física, ya que se trata de piezas tridimensionales, enfatizando el carácter objetual de la imagen en esta época inundada de fotografías desmaterializadas. Son piezas realizadas con emulsión fotográfica liquida, un procedimiento que aprendió siendo alumno de José Luis Pajares en la facultad de Bellas Artes de Salamanca y que, unido a la elección de la madera como soporte, otorga un aspecto pictórico a estas obras.

Junto a estas también se muestran trabajos recientes, algunos de ellos de este mismo 2020 y creados durante el periodo de confinamiento. En estas composiciones actuales se amplían tanto los soportes (tela, papel) como los procedimientos (cianotipia, transferencia), pero permanece una constante, y es la condición de ejemplares únicos de todas las obras de la exposición, ya que el artista no realiza tiradas de sus trabajos fotográficos, renunciando de forma consciente al carácter reproductible de la fotografía.

Orden natural, 2018 Transferencia sobre tela y emulsión fotográfica sobre madera (obra única) 64 x 104 cm

Orden natural, 2018
Transferencia sobre tela y emulsión fotográfica sobre madera (obra única)
64 x 104 cm

Gruta, 2020 Impresión offset y fotografía química sobre papel (obra única) 24 x 18 cm

Gruta, 2020
Impresión offset y fotografía química sobre papel (obra única)
24 x 18 cm

Cubierta, 2020 Impresión offset y cianotipia sobre papel (obra única) 25 x 37 cm

Cubierta, 2020
Impresión offset y cianotipia sobre papel (obra única)
25 x 37 cm

Resto, 2020 Fotografía química, impresión offset y cianotipia sobre papel 48 x 34 cm

Resto, 2020
Fotografía química, impresión offset y cianotipia sobre papel
48 x 34 cm

Juan Gil Segovia (Ávila, 1983) es Licenciado en Bellas Artes y Máster en Estudios Avanzados en Historia del Arte por la Universidad de Salamanca en 2006 y 2013 respectivamente. Su trabajo se ha expuesto en galerías como Trama (Barcelona), 6más1 (Madrid) o Benito Esteban (Salamanca), en espacios alternativos comoMenosUno y Off Limits (Madrid) y en ferias como ARCO, JustMad o Art/Marbella.Su obra forma parte de colecciones institucionales como las del Banco Sabadell,el Centro de Arte de Burgos, la Junta de Castilla y León o la Universidad Complutense de Madrid, entre otras.

Ha sido premiado en diversas convocatorias, entre ellas en el Certamen de Arte Joven de la Junta de Castilla y León (2008, 2009), en el Premio Caja España de Escultura (2009) o en el Premio de Pintura Ciudad de Badajoz (2016). En 2017 recibió una beca de creación artística de la Fundación Villalar–Castilla y León para desarrollar, en colaboración con Clara Isabel Arribas Cerezo, el proyecto “La arqueología del ser”, basado en el legado del artista y escritor José Antonio Arribas.

En los últimos años ha compaginado la práctica artística con la docencia, siendo profesor asociado de Departamento de Pintura y Conservación-Restauración de la Universidad Complutense de Madrid (entre 2016 y 2019) y en el Departamento de Didáctica de la Expresión Plástica en la Universidad de Salamanca (entre 2011 y 2014).

Estructura Interna I, 2020 Fotografía química sobre papel (obra única) 18 x 24 cm

Estructura Interna I, 2020
Fotografía química sobre papel (obra única)
18 x 24 cm

Territorios Cruzados, 2020 Impresión offset, cianotipia y fotografía química sobre papel (obra única) 305 x 70'5 cm

Territorios Cruzados, 2020
Impresión offset, cianotipia y fotografía química sobre papel (obra única)
305 x 70’5 cm

postal-invitacio 28PT

28 PREMI TELAX (del 16 de junio al 11 de julio, 2020)

La exposición del 28 Premi Telax, que se podrá ver a partir del 16 de junio en la Galería Antoni Pinyol, reúne las obras de los 11 artistas seleccionados para esta edición del premio de arte contemporáneo que celebra anualmente la galería. Este año, destacan las propuestas que intentan ir más allá de los lenguajes tradicionales de la pintura, la fotografía y la escultura, a través de miradas completamente distintas, de la mano de 11 artistas emergentes que reflejan la actualidad artística de nuestro entorno. Los participantes han sido seleccionados por el jurado que, para esta edición, se compone por el artista Aureli Ruiz, la diseñadora e interiorista Cristina Pinyol, el director del Convent de les Arts d’Alcover y artista Aleix Antillach, la comisaria y directora de la revista Artiga AssumptaRosés y, el director de la galería, Antoni Pinyol.

Para esta edición el ganador ha sido Juan Gil, con su obra “Travesía Sonora”. Además se han dado dos accésits, a Marta Castro y Víctor Solanas-Díaz y, finalmente, una mención honorífica a Saloua Bougajdi.

 

Juan Gil: Travesía Sonora, 2019, fotografía a color y electrografía sobre papel montado sobre madera, 122 x 87 cm. Ganador del 28 Premi Telax.

Juan Gil: Travesía Sonora, 2019, fotografía a color y electrografía sobre papel montado sobre madera, 122 x 87 cm. Ganador del 28 Premi Telax.

Víctor Solanas-Díaz: Between Categories, 2020, cinta holográfica sobre acero plegado, 150x180 cm. Accésit.

Víctor Solanas-Díaz: Between Categories, 2020, cinta holográfica sobre acero plegado, 150×180 cm. Accésit.

Marta Castro: Lindes I, 2020, madera, yeso, pulpa de papel modelada y cuerdas, 70 x 50 x 30 cm.

Marta Castro: Lindes I, 2020, madera, yeso, pulpa de papel modelada y cuerdas, 70 x 50 x 30 cm. Accésit.

Saloua Bougajdi:  La Révérance, 2019, técnica mixta sobre tela, 100 x 100 cm. Menció honorífica.

Saloua Bougajdi: La Révérance, 2019, técnica mixta sobre tela, 100 x 100 cm. Mención honorífica.

Benedetta Galli: Ritratto di uomo e donna 1, 2017-2020, fotografía digital, hotglue y plexiglas.

Benedetta Galli: Ritratto di uomo e donna 1, 2017-2020, fotografía digital, hotglue y plexiglas.

Cris Bartual: Aproximación a lo cercano, 2018, fotografía digital, 60 x 100 cm.

Cris Bartual: Aproximación a lo cercano, 2018, fotografía digital, 60 x 100 cm.

Juana Céspedes: Barcelona, Colores de primavera, acuarela sobre papel guarro de 300 g., 70 x 50 cm.

Juana Céspedes: Barcelona, Colores de primavera, acuarela sobre papel guarro de 300 g., 70 x 50 cm.

Miquel Ponce: Sin título, 2019, pintura acrílica sobre tela, 41 x 33 cm.

Miquel Ponce: Sin título, 2019, pintura acrílica sobre tela, 41 x 33 cm.

Luis Oliveto: Polígonografía, 2019, cerámica sobre madera.

Luis Oliveto: Polígonografía, 2019, cerámica sobre madera.

Juan Manuel Benítez: El palco de invitados, 2020, óleo sobre papel, 77 x 133 cm

Juan Manuel Benítez: El palco de invitados, 2020, óleo sobre papel, 77 x 133 cm

 

Noé Peiró:  Plats Bruts 1, 2020 Spray sobre tela 130 x 89 cm

Noé Peiró:
Plats Bruts 1 (de 2), 2020
Spray sobre tela
130 x 89 cm

postal-invitacio2 copia

PIQUÉ | Plural (del 7 de març al 5 de juny, 2020)

Josep Piqué Iserte (Montbrió del Camp, 1913 – 2012) estudià Arquitectura a la Universitat de Barcelona i va viure entre la Ciutat Comtal i el seu poble natal fins l’any 1954 en què fixa la seva residència a Reus.

La seva formació acadèmica, junt a la tasca com Arquitecte i els seus dots innats d’observació de la natura forjaren el professional i l’artista. El seu esperit inquiet i la pulsió expressiva el van acompanyar sempre. Va treballar múltiples disciplines: pintura, escultura, disseny de mobiliari, de catifes i tapissos, collages, etc., i, fins i tot, es pot dir que va arribar a practicar-ne una de pròpia: la piquégrafia.

Fa incursions al món de la música i composa peces breus per a piano que han estat enregistrades en CD: Música contada (2003) i Divertiment (2019).

Va pertànyer al grup artístic ARA -Artistes Reusencs Actuals-, creada el 1960 sota el lideratge de Ramon Ferran amb la voluntat d’innovar el llenguatge artístic i explorar nous camps d’expressió.

Josep Piqué és va moure sempre en els diferents espais artístics amb una total llibertat personal i creativa. El seu estil pictòric i escultòric és singular i inconfusible.

L’artista va morir als 99 anys. La seva és una llarga trajectòria dedicada a l’art. Les seves creacions ens han romàs i el transcendeixen per mostrar-nos la seva contemporaneïtat, el seu caràcter sempre líric, gairebé musical, sorgides d’una sensibilitat artística integral.

PINTURA-18-225x300

DSCN1727-300x237

46-016-223x300

aP1100272web

 

Més informació a: https://fundaciopiqueart.cat/

postal-invitacio1 copia

Ramón Cornadó: Diàlegs Callats (del 8 de febrer al 4 de març)

Aquest és un projecte obert que se sustenta en la captura d’imatges trobades a l’atzar, tot observant l’entorn més immediat, dins d’un estat mental de calma i assossec. Cada fotografia respon a una trobada entre la raó (metàfora, simbolisme) i la bellesa derivada d’espais amb pocs elements que guarden una certa harmonia. Quan capturo una imatge, en el context d’aquesta sèrie, observo prèviament la relació i disposició dels diferents elements que hi apareixen. Miro si es produeix una ressonància dins meu, algun fil intuïtiu que em parla del metallenguatge derivat de les relacions entre els diferents punts d’interès de cada escena. Un dels vehicles expressius que es manifesten en cada fotografia és la subtilitat, la qual ens permet la multiplicitat de lectures personals en funció del que ha experimentat al llarg del temps cada lector visual. Són fotografies que responen a diàlegs callats de tots els subjectes o elements que apareixen en cada imatge, i que l’espectador o receptor ha de copsar si realment escolta a través de la mirada. Aquesta sèrie evoluciona dia a dia i no té un final definit prèviament, ja que es basa en l’observació sempre canviant dels entorns urbà, perifèric i natural. El projecte està expressat en blanc i negre, atès que és un treball conceptual i requereix utilitzar només la simbologia a la qual apunta cada imatge.

Dialegs-callats-111web

Diàlegs callats-111, 2019, còpia digital impresa sobre paper Hahnemühle Photo Rag Baryta, 30×45 cm.

Ramon Cornadó

Diàlegs callats-06, 2016, Còpia digital impresa sobre paper Hahnemühle Photo Rag Baryta, 20×30 cm

Ramon Cornadó

Diàlegs callats-04, 2018, Còpia digital impresa sobre paper Hahnemühle Photo Rag Baryta, 30×45 cm

Ramon Cornadó

Diàlegs callats-01, 2017, Còpia digital impresa sobre paper Hahnemühle Photo Rag Baryta, 20×30 cm

Ramon Cornadó Diàlegs callats-02   Còpia digital impresa sobre paper Hahnemühle Photo Rag Baryta, 50x75cm

Diàlegs callats-02, 2017, Còpia digital impresa sobre paper Hahnemühle Photo Rag Baryta, 50×75 cm.

postal-invitacio1 copia (3)

Fabià Claramunt: A punt de (del 11 de enero al 6 de febrero, 2020)

A punt de

Desde la platea el público, con distancia, ve la obra con cierta claridad aunque se atisban matices. Si la función enfatiza demasiado en el melodrama ocasionalmente podríamos sentirnos rechazados y confundidos ante lo que estamos  iendo; ¿Por qué los protagonistas no resuelven el conflicto si yo veo la solución tan clara? ¿Es a caso que se regodean en la pesadez de la tragicomedia? El teatro solo parece fácil para el que observa, pero el actor debe olvidar su condición de otro para dejarse caer en la melancolía propia de la ortodoxia mediterránea. En este caso, el monologo está protagonizado y escenificado por un Arlequín que poco a poco se transforma en Pierrot. Desde su picaresca, viveza y colorismo  combate el drama aunque este consigue ganar terreno convirtiendo al personaje en un saco de autocompasión y sentimiento de derrota. Si hay algo que diferencia a estos dos arquetipos clásicos es su polaridad de cómo se desenvuelven en las tablas. Mientras que el primero se revela con sensualidad y burla, nuestro Pierrot se compadece y ahoga por pensar que aquello que ama no le corresponde. Aunque no haga falta, cabe recordar que en esta representación la pintura es a quien se desea y corteja.

Trampa chinesa, óleo y esmalte sobre lino, 60 x 60 cm, 2019.

Trampa xinesa, óleo y esmalte sobre lino, 60 x 60 cm, 2019.

En A punt de la problemática del libreto interviene desde un primer momento directa e invasora, por supuesto con sus correspondientes interludios. Aparece y reaparece la incapacidad de nuestro protagonista de intentar gustar y agradar, demostrando de lo que es capaz haciendo malabares y piruetas si fuera necesario. Recordemos que el Arlequín y el pierrot no dejan de ser una evolución dramática de la figura del bufón, aquel que engaña y divierte con bailes, trucos y cuentos. Aunque esta tragicomedia parece no tener un final definitivo, el argumento emerge con un sentimiento de culpa que desemboca con virulencia en el fustigamiento de nuestro único personaje que, contra la incapacidad de poder encontrar su virtud, se reprime y deprime.

I swear it, óleo y esmalte sobre tela, 120 x 100 cm, 2019.

I swear it, óleo y esmalte sobre tela, 120 x 100 cm, 2019.

Pero no podemos olvidar que esto es una ficción, algo que pretende asemejarse a la realidad. Fabià Claramunt nos habla constantemente de ese About to (a punto de), algo que precede y rodea a la acción, en este caso, la de pintar. El sentimiento de estar continuamente predispuesto —pensando— dedicado a / por/ para la pintura consigue llevarnos a entender el porqué de la exposición y de este tono teatral que en ocasiones parece entreverse visceral. El compromiso con el medio no deja de velarse romántico; no es una relación fácil y está teñida de cierto idealismo. El recreo sobre todo lo que pasa en ese “a punto de” parece terminar siendo autolesivo pero resplandeciente, casi sin dolor, porque en ocasiones aguantar en la pintura puede ser expiatorio a la vez que placentero.

S/T -reloj de arena-, óleo sobre lino, 73 x 56 cm, 2019.

S/T -reloj de arena-, óleo sobre lino, 73 x 56 cm, 2019.

Nosotros, los espectadores, nos hemos reído y compadecido de las penas de este particular personaje creado por Fabià Claramunt, el cual parecía tener la única intención de entretenernos. Su actuación termina por interpelarnos y consigue con cierta gracia que queramos saber más de sus desavenencias aunque sepamos que en su próxima historia no volverá a ser el mismo. Pero nos levantamos del asiento mientras encienden las luces sabiendo que este entrañable Arlequín se convertirá en algo más que un simple extraño disfrazado dispuesto a divertirnos.

Eladio Aguilera

Mans gentils, óleo y esmalte sobre tela, 115 x 100 cm, 2019.

Mans gentils, óleo y esmalte sobre tela, 115 x 100 cm, 2019.

S/T, óleo sobre tela, 116 x 89 cm, 2018.

S/T, óleo sobre tela, 116 x 89 cm, 2018.

postal-invitacio1 copia

Mario Ollé: El Gènova 90 x 9.000 (del 14 de diciembre al 8 de enero)

“CUANDO SOPLA EL VIENTO

UNOS SE REFUGIAN EN LOS PUERTOS

OTROS IZAMOS LAS VELAS”

 

 90 m2 de vela con costuras y refuerzos, dibujan un pulso a favor del viento, transformando la adversidad en recuerdos a bordo del Katana durante más de 9.000 millas. Temporales y silencios por los mares Egeo, Jónico, Tirreno, Adriático y Mediterráneo. Tantas historias no contadas, visibles sólo observando cada palmo de esta vela que la mirada de Mario Ollé ha sabido transformar en elogio y reconocimiento a través de la pintura.

Mario Ollé ha hecho de la creatividad una forma de existencia, a menudo acompañado con la libreta en el bolsillo y el lápiz para trascender aquellos detalles invisibles a través de sus trazos sutiles, ínfimos, llenos de fuerza. Más de tres años de búsqueda, intentando conjugar esta intensidad del rastro intuitivo con la necesidad de crecer y volverse pintura.

El resultado es esta exposición, donde los trozos del Gènova han estado contemplados desde el alma para erigirlos símbolos del esfuerzo y constancia, y donde el grafito y el pincel iluminan lo que alguien, que ama tanto el mar como la pintura, nos ha regalado.

 

El Gènova 2019 Tècnica mixta sobre Kevlar 30 x 40 cm

El Gènova
2019
Tècnica mixta sobre Kevlar
30 x 40 cm

El Gènova 2019 Tècnica mixta sobre Kevlar 30 x 40 cm

El Gènova
2019
Tècnica mixta sobre Kevlar
30 x 40 cm

El Gènova 2019 Tècnica mixta sobre Kevlar 30 x 40 cm

El Gènova
2019
Tècnica mixta sobre Kevlar
30 x 40 cm

El Gènova 2019 Tècnica mixta sobre Kevlar

El Gènova
2019
Tècnica mixta sobre Kevlar

El Gènova 2019 Tècnica mixta sobre Kevlar 30 x 40 cm

El Gènova
2019
Tècnica mixta sobre Kevlar

Alsira Monforte: Desvanes de la Infancia (del 9 de noviembre al 9 de diciembre, 2019)

En su Poética del espacio, Bachelard, nos dice que más allá de la protección y el abrigo que significan la casa en su interior se gestan los valores del sueño, y que son estos “los últimos valores que permanecen cuando la casa ya no existe”. Las piezas que conforman Desvanes de la Infancia han sido desplazadas de un lugar que nunca existió, objetos dislocados, arrancados del fondo de un suelo perdido sin lugar ni espacio, una casa que velocísima volara por encima de nuestras cabezas. Las secreciones de un candelabro, la cera exudada por el hilo de unos pequeños guantes, modifican el objeto desde su núcleo. No hay un agente externo que intervenga, sino que son los propios objetos los que segregan una espesa saliva. Es este el residuo de la memoria, la distorsión del recuerdo que permite recrear infinitas veces un acontecimiento. Porque intuimos que ocurrió algo, pero no sabemos exactamente qué es lo que fue. Y toda la memoria que nos falta la llevan los objetos dentro. Se reproduce así el relato como un virus, en él están los objetos suspendidos y el tiempo es abolido.

Cuando Alsira Monforte Baz altera los elementos solo está activando un proceso latente que, lejos de ser un hecho aislado, se convierte en suceso crónico. “La creación del mundo no tuvo lugar una vez y para siempre, sino que sucede todos los días”, y es entoncescuando el desván, el suelo perdido, pasa a ser infinitas veces recuperado.

Miguel Rodríguez Minguito

Serie Desvanes de la Infancia, 2018. Estopa, excayola y esmalte sintético, dimensiones variables.

Serie Desvanes de la Infancia, 2018. Estopa, excayola y esmalte sintético, dimensiones variables.

Serie Desvanes de la Infancia, 2018. Cera natural y tinta offset sobre hilo, 12 x 8 cm.

Serie Desvanes de la Infancia, 2018. Cera natural y tinta offset sobre hilo, 12 x 8 cm.

Serie Desvanes de la Infancia, 2018. Hilo y tela sobre percha, 35 x 100 cm.

Serie Desvanes de la Infancia, 2018. Hilo y tela sobre percha, 35 x 100 cm.

Serie Desvanes de la Infancia, 2018. Impresión digital sobre tela e hilo sobre tela, dimensiones variables.

Serie Desvanes de la Infancia, 2018. Impresión digital sobre tela e hilo sobre tela, dimensiones variables.

Serie Desvanes de la Infancia, 2018.  Cera natural e hilo sobre tela, 20 x 15 cm.

Serie Desvanes de la Infancia, 2018. Cera natural e hilo sobre tela, 20 x 15 cm.

postal-invitacio1 copia

Claire van der Boog: Espacios en capas (del 5 de octubre al 2 de noviembre)

La artista franco-holandesa Claire van der Boog (Tolouse, 1988) inaugura la exposición “Espacios en Capas” en la Galería Antoni Pinyol de Reus, después de conseguir el accésit de pintura en el último Premio Telax.

La obra de Claire van der Boog desafía las fronteras que separan la pintura de la escultura, creando tridimensionalidad a través de capas bidimensionales, y las formas abstractas de la representación, sintetizando la realidad a través de la abstracción geométrica, cuestionando así el modo en que percibimos e interpretamos el espacio. Para lograr esto, en la obra de van der Boog podemos ver nuevas formas de representación y una técnica muy personal que mezcla elementos poco habituales en el arte.

A pesar de su juventud, Claire van der Boog empezó su carrera artística hace 10 años, y desde entonces ya ha expuesto en diferentes países, como China, Estados Unidos, Argentina y República Checa, además de Francia y Holanda.

Chosen origine Diciembre 2017 MDF y pintura

Chosen origine
Diciembre 2017
MDF y pintura

View of a box n°6 Agosto 2019 Plexiglass, foam y placas metálicas 19 x 19 x 7.5 cm

View of a box n°6
Agosto 2019
Plexiglass, foam y placas metálicas
19 x 19 x 7.5 cm

view of a room n°4 Abril 01, 2019 Plexiglass, foam y placas metálicas 40 x 40 x 12 cm

view of a room n°4
Abril 01, 2019
Plexiglass, foam y placas metálicas
40 x 40 x 12 cm

view of a room n°1 c. Abril 2019 Plexiglass, foam y placas metálicas 40 x 40 x 12 cm

view of a room n°1
c. Abril 2019
Plexiglass, foam y placas metálicas
40 x 40 x 12 cm

View of a box n°3 Agosto 2019 Plexiglass, foam y placas de metal 19 x 19 x 7.5 cm

View of a box n°3
Agosto 2019
Plexiglass, foam y placas de metal
19 x 19 x 7.5 cm

Imaginary space n°3 Abril 2019 Marco de madera y azulejos 73 x 115 x 4 cm

Imaginary space n°3
Abril 2019
Marco de madera y azulejos
73 x 115 x 4 cm

Image of identity 2011 Metal 91 x 200 x 150 cm

Image of identity
2011
Metal
91 x 200 x 150 cm

27 PREMI TELAX (del 22 de junio al 20 de julio, 2019)

La exposición del 27 Premio Telax que se inaugura el sábado 22 de junio a las 13h, reúne las obras de los 18 artistas seleccionados para esta edición del premio de arte contemporáneo que se celebra anualmente en la Galeria Antoni Pinyol.

Este año, la mayoría de los artistas que participan se mueven en el campo de la pintura, aunque a través de tendencias muy diversas, sin embargo también contamos con otros lenguajes visuales: escultura, fotografía e instalación. 18 artistas emergentes para conocer la actualidad artística de nuestro entorno.

Los premiados en las diferentes categorías han sido Fabià Claramunt, Alsira Monforte, Ramón Cornadó y Claire van der Boog, designados por el jurado, que ha estado compuesto por los artistas Aureli Ruiz y Joan Ill, la diseñadora Maite Rabassa, la galerista Cecília Lobel y, el director de la galeria, Antoni Pinyol.

Ana Escar Decir NO para el SÍ, 2018 Técnica mixta sobre madera, 92 x 125 cm

Ana Escar
Decir NO para el SÍ, 2018
Técnica mixta sobre madera, 92 x 125 cm

Claire van der Boog View of a Room nº1, 2019 Tèncica mixta, plexiglass, foam i planxa de metal, 40 x 40 x 12 cm

Claire van der Boog
View of a Room nº1, 2019
Tèncica mixta, plexiglass, foam i planxa de metal, 40 x 40 x 12 cm

Conrad Tomàs Noche y Día, 2017 Acrílico sobre placa de pladur 80 x 120 cm

Conrad Tomàs
Noche y Día, 2017
Acrílico sobre placa de pladur
80 x 120 cm

Crisdever EUCALIPTO XVII, 2018  Cortezas de eucalipto, látex y acrílico sobre tabla,  81 x 65 cm.

Crisdever
EUCALIPTO XVII, 2018
Cortezas de eucalipto, látex y acrílico sobre tabla, 81 x 65 cm.

Daniel Sanchez Sin título, 2019    Acrílico sobre cartulina Fabriano “LR” de 220 gr, 50 x 70 cm.

Daniel Sanchez
Sin título, 2019
Acrílico sobre cartulina Fabriano “LR” de 220 gr, 50 x 70 cm.

Nicolàs Monsonís Venezia 1, 2017 Acrílic sobre tela, 73 x 60 cm

Nicolàs Monsonís
Venezia 1, 2017
Acrílic sobre tela, 73 x 60 cm

Oriol Enguany 5 obres de la sèrie 78, 2019 Acrílic i spray sobre paper, 30 x 42 cm (c/u)

Oriol Enguany
Sèrie 78, 2019
Acrílic i spray sobre paper, 30 x 42 cm (c/u)

Sergi Viana Sense títol, 2019 Tècnica mixta sobre fusta, 30 x 21 cm

Sergi Viana
Sense títol, 2019
Tècnica mixta sobre fusta, 30 x 21 cm

Víctor Solanas-Díaz Heavy Works, 2019-06-22 Pintura d’òxid de plom de diferents fabricants sobre DM preparat, 140 x 110 cm

Víctor Solanas-Díaz
Heavy Works, 2019-06-22
Pintura d’òxid de plom de diferents fabricants sobre DM preparat, 140 x 110 cm

Alba Lorente  Ligno III, 2019 Tinta sobre fusta, 15x21cm.

Alba Lorente
Ligno III, 2019
Tinta sobre fusta, 15x21cm.

Alsira Monforte  S/T de la serie Desvanes de la infancia, 2018  Impresión digital sobre papel, hilo sobre tela; bandeja 22×40 cm., marcos 5×6 cm

Alsira Monforte
S/T de la serie Desvanes de la infancia, 2018
Impresión digital sobre papel, hilo sobre tela; bandeja 22×40 cm., marcos 5×6 cm

Ana Rita Canaho Me conocerán por conectada, 2019   Escultura, 126 x 52 x 35

Ana Rita Canaho
Me conocerán por conectada, 2019
Escultura, 126 x 52 x 35

Cristian Torelli El somni del caçador (Le rêve du chasseur), 2019 Tècnica mixta, acrylic, pastel

Cristian Torelli
El somni del caçador (Le rêve du chasseur), 2019
Tècnica mixta, acrylic, pastel

Cristina Pacheco  Poema Visual no298,301, 2019 Acuarel•la y tinta xina sobre paper, 40 x 30 cm

Cristina Pacheco
Poema Visual no298,301, 2019
Acuarel•la y tinta xina sobre paper, 40 x 30 cm

Efraim Ortega Hacia la deriva, 2017  Madera tallada y patina de fibra de vidrio, dimensiones variables, (aprox. 15 x 20 cm cada pieza de madera, la instalación 1,50 m diámetro)

Efraim Ortega
Hacia la deriva, 2017
Madera tallada y patina de fibra de vidrio, dimensiones variables, (aprox. 15 x 20 cm cada pieza de madera, la instalación 1,50 m diámetro)

Fabià Claramunt Paisatge rosa i blau, 2018 Oli sobre fusta, 9,7 x 13,7 cm

Fabià Claramunt
Sense títol, 2018
Oli sobre tela, 116 x 89 cm

Ramon Cornadó Diàlegs callats-02   Còpia digital impresa sobre paper Hahnemühle Photo Rag Baryta, 50x75cm

Ramon Cornadó
Diàlegs callats-02
Còpia digital impresa sobre paper Hahnemühle Photo Rag Baryta, 50x75cm

Tuike Souza Sense títol, 2018 Tècnica mixta sobre tela, 100 x 100 cm

Tuike Souza
Sense títol, 2018
Tècnica mixta sobre tela, 100 x 100 cm

postal-invitacio1

Martí Rom: Bestiam (del 27 d’abril al 24 de maig)

Martí Rom, nascut a Barcelona el 1955, és un artista que des dels seus inicis se sent identificat amb emprar elements relacionats amb el reciclatge. Les seves escultures/objectes, ensamblades gràcies a l’aparició de materials com el ferro, la fusta, l’alumini, el plom, la pedra e inclòs, en determinats moments, amb el bronze, son els principals protagonistes de les seves creacions. El passat i més concretament els objectes vinculats amb la terra, o sia procedents de l’ambient rural – gracies sobretot a les seves vivències al poble del Baix Campde Mont-roig del Camp, on a la joventut passà llargues temporades, li van servir d’inspiració en les seves escultures, moltes d’elles d’un gran contingut social. Al marge de l’escultura, també s’ha interessat per la pintura i el dibuix, encara que aquestes facetes no siguin tan conegudes pel públic, si són complementàries, sobretot pel seu contingut plenament conceptual.

Amb motiu d’una exposició a la desapareguda galeria barcelonina Carme Espinet, el crític Josep Maria Cadena assenyalava que l’artista “utilitza el que sap, però que es basa en el que somia. Això fa que les seves escultures adquireixen dimensions poètiques que superen les limitacions de la matèria.” Aquesta connexió amb la poesia la podem visualitzar en el llibre que recentment es va publicar amb el títol “L’art de l’amor per amor a l’art”, amb poemes de P.P. Bardier i dibuixos del propi artista. Encara que el tema del llibre no sigui l’habitual, degut a la manera d’interpretar l’erotisme en l’art, els seus dibuixos, plens de realisme i d’una sensibilitat exquisida, a més d’una aparent senzillesa, demostren que no existeixen secrets en representar un dels temes més utilitzatsen la historia de l’art.

“La guineu” Ferro patinat bronze i fusta 24 x 22,5 x 7 cm

La guineu
Ferro patinat bronze i fusta
24 x 22,5 x 7 cm

“Gos que vigila els somnis de la nit” Pintura acrílica collage 65 x 50 cm

Gos que vigila els somnis de la nit
Pintura acrílica collage
65 x 50 cm

El seu interès per manipular objectes trobats, recuperant-los i reciclant-los, indica la seva preocupació per tot el relacionat amb la natura. Aquesta transformació per crear noves estructures, reordenant i reagrupant elements molt diversos, però que tenen una funció essencial en la vida quotidiana dels seus creadors, demostra el nivell de preocupació per mostrar una determinada realitat.

La ironia i la poesia són dos conceptes que van units a la seva obra que, segons Conxita Oliver, són el “resultat tant del contrapunt que s’estableix entre els diferents materials en joc, com de l’elaboració mental i simbòlica que arrossega la seva iconografia”. Per això l’artista desenvolupa diversos temes, la majoria d’ells des d’una òptica socio-política, tot i que també el relacionat amb la natura és ben evident.

A les seves obres s’observa la utilització d’elements fragmentats, acumulats i manipulats, on s’aprecia el seu interès pel passat, un passat que pot ser recent o bé d’èpoques primigènies.

Ocell planejant” Ferro pintat 96 x 83 x 42

Ocell planejant
Ferro pintat
96 x 83 x 42

L’oiseau du Porquerolles Ferro 66 x 50 x 38 cm

L’oiseau du Porquerolles
Ferro
66 x 50 x 38 cm

Respecte a l’exposició actual, l’artista tracta la temàtica del món animal des d’una perspectiva irònica, encara que plena d’imaginació i de delicadesa, en què les figures que apareixen: cavalls, gossos, peixos, ocells, cérvols, insectes- libèl·lula, mantis religiosa-, guineus o dracs, però també animals relacionats amb la mitologia, el cas del minotaure o del faune, es mostren propers a nosaltres. Les peces son de ferro, algunes d’elles oxidades o pintades.

Les escultures son molt esquemàtiques, gairebé sense volum, pel que la fragilitat dels materials emprats origina una obra molt sensible, nonomés per l’ús dels mateixos,sinóper les propostes plantejades, ja que l’espai buit és ben evident, fugint de la solidesa aparent de l’escultura buscant la complicitat de l’espectador.

També estan presents a l’exposició algunes pintures acríliques i d’esprai , on el collage, el frottage i l’esmalt accentuen la idea de transformar la realitat d’un univers dual entre indòmit i racional, però amb la idea de representar-lo de manera propera a l’existir un compromís per ensenyar almón les incongruències i desencerts d’una societat complaent en si mateixa i que obvia el que succeeix al seu entorn més immediat.

Ramon Casalé Soler
Membre de l’Associació Internacional de Crítics d’Art

Ocell nocturn Pintura acrílica collage 30 x 70 cm

Ocell nocturn
Pintura acrílica collage
30 x 70 cm

El cérvol Ferro i pintura 128 x 50 x 30 cm

El cérvol
Ferro i pintura
128 x 50 x 30 cm

Ocell bocabadat Ferro 74,5 x 31 x 12

Ocell bocabadat
Ferro
74,5 x 31 x 12

Ocell holandès Ferro pintat i oxidat 84,50 x 45 x 17 cm

Ocell holandès
Ferro pintat i oxidat
84,50 x 45 x 17 cm

1 2 3 19