SEE THE AIR
Time, nature, landscape, it becomes necessary: being in the forest, painting in the middle of the stream, to have the field in sight, to look gardens and patios, smell the air at paths and roads, see how everything moves .
The look fits the color of the seasons: yellow provides light, heat, harvest, ochres, earth, and, next to orange, reflecting the sunset, green, early in the fall, grows in winter, and operates in the spring, flower, vast green contrast, red, uncorking the oak , blue and violet, shade of the oak, clarity is the trunk of the eucalyptus.
Rain breaks, again, the earth moves rocks and mud, and in many places it reborns the channel and fills with water: light shines with hints of forest, reeds and trees leaning vacuum.

This exhibition pays tribute to Salvador Espriu in the year dedicated to the poet, the artist speaks of open and enclosed spaces, inside and outside, two opposing notions that need each other to make sense, one exists only in terms of the other. Colet’s sculpture is not limited to occupy or invade space, it interacts with it, through articulated plans, hinges and angles characteristic of her pieces, it also traps, defines, narrows and closes creating interior spaces that can be interpreted as an allusion to the living space, the intimate and friendly territory, or else the oppressive and distressing cell

Raquel Medina

(Español) Paseo por lo efímero, es el título con que se presenta esta exposición. Este título es de alguna manera el nexo de unión de los diferentes aspectos del conjunto de la obra. Entendiendo que tanto un cuadro pequeño, íntimo y de color sobrio, como una tela de gran formato, llena de colores y formas están habitados por una serie de aspectos efímeros, momentos ínfimos, gestos que todavía no están terminados y ya no pertenecen al presente , ideas y sentimientos que pasan como nubes y son imposibles de atrapar.
Lo que hace posible la construcción de estos mundos, es la técnica, el color, el dibujo, el gesto, la geometría, etc. La esfera y el círculo, uno de los elementos más constantes que aparecen en los cuadros, con toda su carga simbólica: la unidad, el paso del tiempo, lo femenino, el infinito, el movimiento, el concepto de vacío, la dinámica de las relaciones, etc. Son los elementos que generan el diálogo dentro de cada obra y posibilitan el paseo entre los cuadros de esta exposición.

Sergi Marcos

(Español) En la exposición “Las flores de campo no quieren tiesto” se muestra una obra sin prejuicios, expresiva, vital, sugerente y optimista donde el color, los trazos y las manchas se alían, se superponen y se mezclan dando como resultado una pintura que como dice Subirats “es casi comestible” y que va directamente dirigida a seducir nuestros sentidos. En los cuadros también encontramos imágenes de la naturaleza proyectadas directamente sobre la tela (árboles, flores y plantas) que son fotografías realizadas por el mismo artista, a menudo trabajadas con el ordenador y que nos remiten a trabajos anteriores. Estas imágenes junto con elementos gráficos y pre-diseñados inspirados en el entorno más cotidiano, geometría, publicidad, diseño, arte urbano … parecen ordenar todo este caos de técnicas y estilos diferentes donde finalmente cada elemento logra encontrar su lugar y su sentido dentro del conjunto.

(Español) En palabras del artista Luciano Fabro. “El papel del artista es ayudar a la materia a que encuentre su propio espacio y lugar, de los cuales se derivará su significado.”

La obra que aquí se presenta confiere total protagonismo a la materia (los materiales que construyen la obra). Se trata, pues, de un trabajo centrado en la exploración de la materia, en la investigación de la materia misma. Pero la materia contemplada, no como un elemento instrumental que se utiliza, se consume y se liquida en el proceso creativo, sino como un elemento con sustantividad propia, que constituye un punto de partida que ya es poseedor de un sentido latente.
El arte, a través de algo tan prosaico como la materia (la estructura física y material de la obra) es capaz de abrirnos a una nueva realidad y facilitarnos el acceso a un tipo de conocimiento que no tiene nada que ver con el saber científico y que tiene un efecto transformador sobre el ser humano.

(Español) Carles Amill nació en Barcelona el 30 de Octubre de 1953. Pero su obra está mucho más vinculada al Baix Camp y los Estados Unidos de América, que a la propia Barcelona.
Licenciado en procedimientos pictóricos por la Universidad de Barcelona.
Inicialmente se dedicó a la enseñanza e impartió clases de procedimientos pictóricos en la Escuela de Arte de Reus. Característica de su obra creativa de este periodo inicial es su trabajo en el Body Art.
En 1986 se traslada a los EEUU. Con motivo de ser galardonado en la Bienal Domecq hace un viaje a México DF. del que vuelve cargado con una serie de dibujos de gran calidad en papel hecho a mano, cenit de esta exposición.
Hasta el año 1998, Amill alterna largas estancias entre los dos continentes. Expone en Houston, Tx y en Nueva York. Mientras está en Cataluña hace dos exposiciones itinerantes de gran intensidad y coherencia. Una es la llamada “Escenarios” y la otra, “Patatas”.
En 1990 es galardonado con el primer premio del XI Saló d’Arts Plàstiques del Baix Camp.
En el año 1992 presenta una retrospectiva de 10 años, en el Museo Comarcal de Reus con un prólogo exhaustivo escrito por el historiador Pere Anguera.
En febrero 2003 expone con gran éxito, lo que desgraciadamente será su última individual “Míra’m” en la galería ARTLOFT de Reus.
Carles Amill, pese a no ser reusense, se adscribió de lleno al movimiento artístico que se desarrolló en Reus, en el último período del siglo XX.

Amill murió el 20 de abril de 2004.

Painter, sculptor and designer. As a designer, he immediately occupies a prominent place in Spanish graphic design (he receives the National Design Award, and significant awards in New York and London) and later he extends his activities to the industrial design, field in which he has a special prestige .
Since the nineties, his professional activity is fully recognized and he becomes the benchmark Spanish designer in international forums.
He is awarded by the Art Director Club of New York, the British Design and the International Design Council.
In the early seventies, he participates in the first manifestations of “conceptual art” in Spain through Redor Gallery. In that same decade, he often exhibits in Italy, Germany and Spain, and at the Gallery Buades and Gallery Vandrés, as well as in alternative spaces.
In 1976, the International Committee invites him to exhibit at the Venice Biennale, with Tapies and Equipo Crónica, and in 1978, the Biennale of Paris, also on a personal invitation to exhibit at the Petit Palais, with Antonio Saura.
His work is part of the permanent collection of several museums, among them we can highlight the National Museum Centro de Arte Reina Sofía, IVAM (Valencian Institute of Modern Art), the Fine Arts Museum of Bilbao or Museum of Contemporary Art in Madrid.
He was founding president of the Spanish Association of Designers, the Art and Rights Foundation and for ten years he has chaired the Management Entity of Artists (VEGAP).
Since 2006, Alberto Corazón is a member of the Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

When Josep Borrell walks around unfamiliar cities, he opens his eyes and looks at the environment with intense look that the artist puts when he stains the canvas of a painting. In contemplation he covers the details. He is more interested in the markets than the monuments. He listens, if he has the chance, and when he is tired he sits in a café or on a park bench to watch the world go by. Borrell is a traveler who does not go from one place to another, whether in the countries of Asia, Africa, the Americas, he enjoys the place.
Here is a sample of the photographs from his travels. Faces of women, teens, children. Gestures of surprise framing a piece of brightly colored cloth, of difficult nuanced embroidery. The photographer’s eye seems that he wants to caress the faces of those women with a fingertip, without touching them. It’s a hoax. The photographer captures the moment, the mystery of the skin, ripping the veil of that unknown place.
The image processing modifies the point of view of the traveler. He develops it in its simplicity, to highlight what has surprised him. Distant colors, more artificial than real that we recognize in the sleep memory.
Ramon Gomis

It is visible in my paintings the wish to connect pictorial and abstract expressions. I expect my artwork to allow the harmonic coexistence of these two formal trends. My paintings rise from my own emotions, repeating the subject of self-portrait but in always different forms. Faces appear more drawn than painted, in the way of traditional sketching practice, but despite its figurative look they do not want to be narrative. I paint and repaint them until the picture goes beyond any literary sense. I want the lines and spots that make up the faces to be part of the pictorial expression itself, to enhance the pictorial tension.
Dominika Berger

Telax Award, held for 20th time at Antoni Pinyol Gallery in Reus is an international competition, modern and open to all artistic disciplines.
This award is organized annually and each year has increased its projection both nationally and internationally.
The purpose of Telax Award is to hold an annual art show and facilitate the dissemination of works of art by award-winning artists. First organizing a group exhibition with artists selected and then a single artist’s show with the work of the winner.