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Tilman Rösch: Agua (del 3 de junio al 2 de julio)

El artista Tilman Rösch (Reutlingen, Alemania, 1948) nos muestra unas fotografías que destacan por su composición, elementos que encontramos en nuestro día a día, en las calles, en los edificios, son captados a través de la visión del artista, que convierte los objetos concretos en imágenes abstractas, que nos atraen por su calidad plástica.

En su trabajo, los tiempos de exposición y las diferentes lentes son primordiales, pero también lo es la posición del fotógrafo en el momento de hacerla y las posibilidades de los diferentes procesos de revelado.

En esta exposición, el agua es la protagonista, como lo ha sido siempre en nuestra historia. El agua es, ni más ni menos, el fundamento de la vida y, como tal es objeto de culto para muchas tradiciones, desde las más ancestrales, pensemos por ejemplo en la danza de la lluvia que las películas de oeste nos han representado tantas veces. Además de dar vida, es el elemento purificador por excelencia, ¿cuántos bebés han sido bañados en agua en su bautizo? ¿Cuántos adolescentes han atravesado un lago en el rito de paso? El agua nos cambia, nos llena y nos hace renacer.

En arte su importancia ha sido representada por casi todos los grandes creadores, tanto por su sacralidad en, por ejemplo, Botticelli, su fuerza en Turner o su valor plástico en cualquiera de los impresionistas. Tilman Rösch coge este tema en un momento un tanto delicado, un momento en que la sociedad occidental desperdicia más agua que nunca, en que hemos quitado importancia a este elemento, por la facilidad con que la obtenemos.

El artista nos presenta este elemento en diferentes estados y entornos, en la naturaleza salvaje, irregular y azarosa, y dentro de la ciudad contemporánea aparentemente calmada, con sus líneas rectas meticulosamente controladas. De caracteres muy diferentes, feroces y serenas, pero igual de bellas resultan sus formas, que nos devuelven a nuestro estado más esencial.

Tilman Rösch estudió pintura y fotografía en la Escuela de Artes Libres de Stuttgart los años 1982-83 y 1984-87 y en los años 1983-84 en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Barcelona. Sus obras han sido expuestas a una gran cantidad de galerías, museos y otras instituciones alemanas y francesas, además de ciudades como Barcelona, Londres o Bruselas.

 

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Corriendo, 42 x 59 cm. 2006.                                                         Arroyo 3, 100 x 150 cm. 2010.

 

 

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Stilwood (West Gate in Weardale) 1, 38 x 79 cm. 2008.        Stilwood (West Gate in Weardale) 2, 38 x 79 cm. 2008.

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Bosque de hielo (Carelia) 1, 109 x 135 cm. 2009.                  Swiming pool (Lisboa), 60 x 90 cm. 2009.

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Botellas de agua (París), 86 x 80 cm. 2010.                            Agua, piscina descubierta (Tübingen), 100 x 100 cm. 2007.

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Líneas en el puerto (Cambrils), 60 x 90 cm. 2006.              Reflejo en el puerto (Runmarö), 60 x 90 cm. 2008.

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Volando (Neckar), 60 x 90. 2006.                                               Camión amarillo, 60 x 90. 2006.

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San Petersburgo, 45 x 110 cm. 2012.                                          Pompa de jabón (Londres), 60 x 102 cm. 2008.

11_neckarweb Neckar, 116 x 40 cm. 2006.

Victor Mateo (del 29 de abril al 27 de mayo)

“Periodicamente, tanto a nivel nacional como internacional, se proclama el retorno a la práctica pictórica, una práctica que ha experimentado, desde finales de los años sesenta hasta la actualidad, ciclos oscilantes. Después de dos decadas en que se havia cuestionado su validez, el retorno al orden como crítica al movimiento conceptual recuperó este “placer por la pintura” que se ha seguido manteniendo hasta la actualidad.

Víctor Mateo (Tánger, 1945), es un artista que pertenece a esa clase de pintores para los que la pintura, por sí misma, se convierte en una fuente inagotable de nuevas introspecciones. Heredero de la tradición del expresionismo abstracto, la abstracción gestual que practica – sin ninguna referencia a imágenes figurativas – se caracteriza por expresar, sin límites, las preocupaciones más vivenciales. Fiel a los principios básicos del lenguaje no representativo, su pintura se sumerge en la propia esencia. Deja de lado todo lo superfluo para quedarse con la pulsión del gesto, con el recorrido del pigmento sobre el soporte, con el tráfico de la huella del pincel, con los sutiles desplazamientos de la mano, con la duración de la huella que , según el momento, será más o menos matérica, con más o menos textura. Es la propia cadencia energética, el propio latido interior lo que otorga estas latentes vibraciones, estos movimientos dinámicos tan característicos de su trabajo.

La abstracción de Víctor Mateo preconiza la pintura como lenguaje de los sentimientos. Se trata de una expresión que hace hincapié en la percepción sensorial y en la elaboración psíquica de impresiones. El artista no necesita la representación para la plasmación de su mundo interior, sólo se queda con la energía -absolutamente desnuda – y con el gozo liberador del movimiento rápido del pincel sobre el soporte.

Una obra que también nos remite al gesto y la caligrafía de corte orientalista, que el artista investiga de manera constante. Un equilibrio entre la enérgica pincelada y el recorrido sensual que se extiende en inmensos espacios infinitos.Su pintura deja de lado cualquier planteamiento esteticista o estrictamente formalista para situarse

Su pintura deja de lado cualquier planteamiento esteticista o estrictamente formalista para situarse en el proceso. La obra final obedece a un cúmulo de sensaciones y de pensamientos, de silencios y de angustias, de sufrimientos y de satisfacciones. Reivindica sus rasgos más característicos – trazos, materia, texturas, color y espacios – que nos sitúan en el momento de la creación. Una obra que nos hace revivir el instante mágico, fugaz y breve de la consolidación de los flujos emotivos y de la materialización de las descargas vivenciales.”

 

Joan Gil Gregorio

Miembro de la Associación Internacional de Críticos de Arte

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Pintura 16-4. 61x50cm. Mixta sobre tela                                Pintura 16-4. 130x130cm. Mixta sobre tela

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Pintura 16-6. 130x130cm. Mixta sobre tela                           Pintura 07-12. 120x130cm. Mixta sobre tela

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Japò 15. 38x46cm.                                                            97×130 cm. Mixta sobre tela.

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Japò 16. 52x41cm.                                                                            Japò 18. 52x41cm.

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Pintura 11-15. 130 x 240 cm. Técnica mixta sobre tela.

 

La exposición que Víctor Mateo presenta actualmente en la Galería Antoni Pinyol de Reus se convierte en un homenaje póstumo al galerista Joan Planellas (1949-2016) recientemente fallecido. Se da la circunstancia de que esta misma exposición estaba prevista inaugurar en su espacio expositivo de Tossa de Mar la semana que nuestro amigo nos dejó.

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Antoni Camarasa (del 24 de marzo al 23 de abril, 2016)

Antoni Camarasa presenta en esta exposición una selección de sus pinturas y esculturas. Su obra nos muestra una visión entre tierna y humorística de la vida y la naturaleza que tiene sus orígenes en las vivencias del artista en los campos de la Noguera, en los que vivió durante 16 años hasta que se trasladó a Barcelona, donde vive actualmente.

Antoni Camarasa nació en 1957 en Santa Linya (Lleida). Su trayectoria profesional se inicia en 1989 cuando expuso en la Galería Tom Maddock de Barcelona. Desde entonces ha realizado exposiciones individuales y col·lectivas en Barcelona, Girona, Reus, Madrid, Jávea, Paris, Düsseldorf, Niza, Andorra, Seúl y Tokio, entre otros.

Las personas y los elementos de la naturaleza son una excusa para trabajar la materia. El resultado es un trabajo espontáneo y riguroso de expresión en el que combina diferentes maneras de trabajar los materiales y disciplinas, como son la escultura y la pintura.

Muchas son las influencias que podemos encontrar en la obra de Camarasa, su visión del entorno rural y la pasión por la naturaleza nos hace inevitable pensar en un Joan Miró enamorado de su tierra, o en las representaciones tradicionales de algunos pueblos que los occidentales hemos mal llamado “primitivos”. Antoni Camarasa se acerca así a la naturaleza más inmediata, desnudando su mundo de las superfluidades de la contemporaneidad, de las grandes ciudades y de la materialidad excesiva que nos rodea, encontrando el camino hacia lo más esencial, lo que nos lleva a la origen y a una introspección de nosotros mismos, ayudándose de un humor particular, un humor íntimo, que nos da un primer impulso para entrar en estas obras.

Camarasa utiliza esta aparente benevolencia para tratar muchos temas de nuestra sociedad, a veces en forma de crítica, por ejemplo, de los poderes de control que el estado ejerce sobre ésta, otras una sátira sobre los comportamientos humanos, buscando la magia en lo cotidiano e íntimo, en aquellas pequeñas cosas que hacen que la vida valga la pena.

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Sonia Toneu: Soundscapes (del 15 de enero al 13 de febrero)

Sonia Toneu, después de participar en el 23º Premio TELAX, presenta una exposición individual en la Galería Antoni Pinyol de Reus.

Del 15 de enero al 13 de febrero podemos ver la reafirmación de una particular visión de un mundo imaginario donde la explosión de la vida emprende el tempo de unos latidos tan intrínsecos como extrínsecos, en unas composiciones entre el orden y el caos que la artista denomina mapas de sonidos, experiencias trasladadas a formas, colores y transparencias. Sus partituras visuales nos trasladan a escenarios donde conviven opuestos, el más primario con el más complejo, el más espontáneo con el más sintético.

La fuerza que pretende transferir de la experiencia sonora a la visual nos permite bailar entre las obras con los ojos y disfrutar de un trayecto personal que nos llevará al interior de los mapas, concediéndonos un viaje a nuestras propias vivencias y recuerdos como cuando rendimos el alma a las notas de una canción que nos seduce. Una especie de relación mística fluye pues entre lo que Sonia Toneu percibe y crea. Y es lo que desea del espectador, una conexión con la obra de una manera totalmente libre, enigmática, natural y abierta.

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Sinesthetic.1. 100 x 200 cm.                                                Cerdeira sound map. 150 x 250 cm.
Cinta sobre metacrilato. 2014.                                             Tinta sobre papel. Work in progress

 

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s/t. 100 x 60 cm. Mixta sobre tela. 2014.                     Egodeconstruct. 120 x 80 cm. Acrílico sobre tela, 2014.

 

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Confus. 130 x 130 cm. Acrílico sobre tela. 2014.         When logics die. Acrílico sobre tela. 200 x 200 cm. 2014.

 

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A ballad to forget. Acrílico sobre tela. 113 x 146 cm. 2014.

En palabras del escriptor Bill Jiménez: <<Música para mis ojos: así funcionan los mapas de sonido de Sonia Toneu. Son lienzos, sin duda; coloristas, también; y cuentan con una musicalidad simbólica. El fruto de convertir las ideas en un imaginario y ese imaginario en unas obras en las que cada elemento, cada trazo, es un instrumento en una orquesta que afina, interpreta, improvisa y ejecuta. El caos se vuelve orden en la tierra del color. El conjunto parece vivir en una partitura plástica. Muchas leyes entran en juego durante esta traslación del sonido a la imagen: un resultado francamente seductor.>>

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David Mayo: Los deseos abisales (del 6 al 30 de noviembre)

El artista David Mayo, después de ganar el 23 Premio Telax de la Galeria Antoni Pinyol, presenta su nueva exposición de fotografía: Los deseos abisales, abierta de 6 al 30 de noviembre.

Nacido en Sevilla en 1979, David Mayo es artista plástico y escritor. Formado en la especialidad de pintor por la Facultad de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría, comienza su carrera artística en esta disciplina dándose a conocer en la capital hispalense y obteniendo importantes galardones como el Premio Fórum Filatélico y el de la Universidad de Sevilla.

Desde entonces su trabajo ha ahondado en diferentes disciplinas, especialmente la fotografía, presente ya del todo en su primera muestra individual Sobreexposición, en 2006. El interés de Mayo por la fotografía es indudablemente conceptual aunque nunca descuida los aspectos plásticos y ha evolucionado desde una fotografía escenificada hasta, en los últimos años, trayectos más próximos a la llamada postfotografía y el collage digital, protagonista de sus últimas muestras Only can fly in dreams en Jaalproject (Madrid), De lo Efímero y lo perdurable en la Fundación Valentín de Madariaga (Sevilla) o Los Agricultores en Sant Andreu Contemporani(Barcelona).

Los deseos abisales reúne, junto a piezas de anteriores proyectos, obra de reciente producción, que refuerza e incide en los aspectos más psicológicos y psicoanalíticos de su trabajo, presentando formas extrañas e imposibles, anatomías alienígenas o hipersexualizadas, que reflejan un gusto por lo siniestro en términos freudianos.

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Los deseos abisales                                                                                                        Los deseos abisales

Collage digital                                                                                                                  Collage digital

50×70 cm                                                                                                                          30×40 cm

2015                                                                                                                                     2015

 

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Los deseos abisales                                                                                                        Los deseos abisales

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30×40 cm                                                                                                                          30×40 cm

2015                                                                                                                                     2015

 

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50×50 cm                                                                                                                         50×70 cm

2015                                                                                                                                    2015

 

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50×50 cm                                                                                                                       50×50 cm

2015                                                                                                                                  2015

 

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Collage digital                                                                                                             Vampir

50×70 cm                                                                                                                     Collage digital

2015                                                                                                                                40×40 cm

2015

 

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Falling Angel                                                                                                                 Bambi´s mother veil

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40×80 cm                                                                                                                      45×85 cm

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Strange gift

Collage digital

45×85

2014

 

 

 

 

 

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Reus: Art i Cava

En motiu de la vigent exposició de Rosa Torres a la nostra galeria i pensant amb les properes festes de Nadal, encetem un projecte en el que hem creat uns lots de regal, maridant Art i Cava. El resultat el podeu veure a través de Verkami, en aquest link: http://www.verkami.com/locale/ca/projects/13146

És un treball que l’artista Rosa Torres ha fet sobre l’arquitectura de Reus i que hem transformat en forma d’ampolles de cava, calendaris i agendes per a tots vosaltres.

Esperem que us agradi i feu la vostra reserva a través del link que us hem indicat anteriorment i recordeu que es per temps limitat, només fins el 18 de novembre!

 

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Arquitectures de Reus de Rosa Torres (del 4 de septiembre a finales de octubre)

En esta exposición la artista valenciana Rosa Torres expone una serie de 17 pinturas en las que muestra algunos de los lugares más emblemáticos de Reus a través del lenguaje pictórico que caracteriza su obra.

Rosa Torres nació en Valencia en 1948 y, tras realizar los estudios en bellas artes, a principios de los 70, entró en contacto con las vanguardias valencianas, como el Equipo Realidad y el Equipo Crónica, con el que trabajó como pintora de taller.

El 1970-71 inició una fructífera relación con la Galería Rosalía Sender de Madrid, que hoy mantiene. Allí realizó su primera exposición, y desde entonces ha realizado más de 50 exposiciones individuales. Entre sus exposiciones cabe destacar la representación de España en la Bienal de Venecia de 1982; la muestra realizada en la Tossan-Tossan Gallery de Nueva York (1986); el Antológica organizada por la Consejería de Cultura de la Generalitat (1999); la realizada en la Fundación Antonio Pérez, de Cuenca (2000) y la de la Caja Rural de Torrent (2001).

La obra de Rosa Torres se caracteriza por su particular uso del color, creando composiciones donde se combinan grandes masas de colores planos, una marcada línea negra y el vacío que deja al descubierto. En palabras del crítico Francesc Miralles “La artista valenciana desarrolla una auténtica revolución en el uso del color. Sin seguir ninguna teoría previa, nos da un repertorio profundo de las posibilidades y relaciones que las gamas de color nos pueden ofrecer. Es aquí donde Rosa Torres se afianza como una de las pintoras más singulares y revolucionarias que tenemos. ”

Para esta exposición, la artista ha escogido algunos de los lugares más significativos de la ciudad de Reus para acercarnos su interpretación del paisaje a través de lugares familiares.

 

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Acrílic sobre tela, 61 x 50 cm (c/u)

 

 

 

 

Acrílic sobre tela, 110 x 130 cm

Acrílic sobre tela, 110 x 130 cm

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Acrílic sobre tela, 130 x 110 cm

Acrílic sobre tela, 130 x 110 cm

 

Carles Amill “Blanc i negre” – Del 30 de noviembre al 31 de diciembre del 2012

Del 30 de noviembre al 31 de diciembre del 2012

Arracada

acrílico sobre cartón

72×56 cm. 1984

Dona

acrílico sobre cartón

72×56 cm. 1984

Dona mexicana

mixta sobre papel

94×73 cm. 1986

Caminant

aguada sobre papel

73×94 cm. 1985

Petons i abraçades

aguada sobre papel

73×94 cm. 1985

Rabí en verd

mixta sobre papel

110×62 cm. 1986

Despullant-se 1, 2 i 3 (tríptico)

mixta sobre papel

135×25 cm. c/u 1985

Nutrint-lo

aguada sobre papel

30×75 cm. 1985

Contraposat

aguada sobre papel

41×55 cm. 1989

L’equilibrista I

aguada sobre papel

60×46 cm. 1985

L’equilibrista II

aguada sobre papel

30×75 cm. 1985

Ventall

mixta sobre papel

140×74 cm.

Dutxant-se

aguada

24×67,5 cm. 1985

El rapte d’Europa

aquarela y tinta sobre papel

20×27 cm. 1985

Petons no gràcies

mixta sobre papel

100×202 cm. 1992
















Ion Etxeberria Urkiola. Septiembre 2006

Ion Etxeberria

Bergara (Guipúzcoa) , 1970 . España
Joven pintor vasco, practica una abstracción muy expresiva. Parte de las composiciones, de colores vivos, tienen referencias figurativas, como si el artista quisiera darnos alguna pista sobre lo que quiere que veamos en sus cuadros. La otra parte, a veces fruto del azar, insinúan y llenan el espacio pictórico que siempre acaba lleno de masas de color y grafismos, cosa que hace que sus obras resulten tumultuosas y espontáneas.

 

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Paloma Belenguer. Septiembre 2005

Paloma Belenguer

Castellón , 1963 . España

Una pintora que domina muy bien la técnica, no en vano se ha dedicado a asistir a numerosos cursos de especialización, impartidos por reconocidos artistas.
Sus pinturas son retículas entramadas que pasan de un cuadro a otro en forma de díptico y a veces tríptico. También las formas que crea recuerdan hilos, ovillos y tallos que se elevan sinuosos, dando lugar a composiciones de aspecto orgánico. Los colores más habituales en su obra son el negro y los grises, pasando por los plateados y el blanco.
El resultado es una obra sobria y profesional de pincelada contenida.
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