La Galería Antoni Pinyol presenta la primera exposición individual de Bruno Ollé (Barcelona 1983) en la ciudad de Reus.
Tras 6 meses residiendo en GlogauAIR / Berlín (Programa de Artistas) decidió quedarse e instalarse en el barrio de Neukölln donde lleva poco más de un año realizando todos sus proyectos artísticos. Este último año ha participado en diversas muestras individuales y colectivas donde cabe destacar “Collection of dead particles” en Vladimiro Izzo Gallery o la participación en Das Appartment (Conocido espacio underground de la ciudad por donde han pasado multitud de artistas hoy reconocidos a nivel internacional)
Bruno Ollé presentará en Galería Antoni Pinyol una serie de pequeños dibujos íntimos donde el artista juega entre el lápiz, el papel y él mismo. Dibujos que convierte en poemas o poemas convertidos en dibujos. En la exposición también podremos descubrir pequeños objetos-escultura, a los que él llama “Estandartes del absurdo”, con los que ironiza medio en silencio sobre el poder de decisión de la inmensa multitud ante los poderes del Estado. Estos estandartes son parte de una Performance donde el objetivo es salir a manifestarse básicamente para no conseguir nada. Por romanticismo, altruismo o simple posicionamiento inconformista.
También podremos ver partes del proyecto “Collection of dead particles” que empezó a su llegada a Berlín y que sigue abierto a día de hoy. Recolectando día a día los residuos que genera, sean corporales o materiales. Creando así un pequeño diario de experiencias cotidianas.

La exposición se divide en 4 proyectos:
“Pinturas tropicales” 2004-07. La temática de estas pinturas se centra en elementos orgánicos (Frutas, algas marinas, piedras…) encontrados durante los últimos viajes a Brasil, Argentina y Tailandia. Son resultados pictóricos posteriores a partir de dibujos a rotulador sobre papel.
“Proyecto India” 2006-07. Después de 6 meses trabajando y recogiendo ideas en India, desarrollo una técnica detallada y minuciosa similar a su técnica tradicional. La mayoría de estas pinturas forman un conjunto de dos unidades donde se intuye una temática religiosa y simbólica indú.
“Naturaldia” 2008-09. Después de trabajar casi dos años una pintura detallada y minuciosa en el proyecto de India, comienzo a desarrollar un proyecto con un resultado mucho más libre y expresivo. Son pinturas de mucha textura muestran un resultado de combinación de colores contrastado con movimientos circulares.
“Fiordoan” 2009-10. Es un proyecto que se centra en la investigación de un repertorio plástico de formas redondeadas y en una gama de colores fríos. Los difuminados y las transparencias adquieren gran importancia para crear volúmenes y fluídos. Contiene la técnica desarrollada en el proyecto India, combinada con la expresividad y movimiento del proyecto Naturaldia.

Las grietas de luz de unas persianas en horas y días varios han ofrecido a Àlvar Calvet unas imágenes geométricas cambiantes, cargadas de sugerencias. Eran imágenes emparentadas con su trabajo reciente de pintura repetitiva y abstracta, basada en cuadrículas, líneas o grafías. ¿Quién no ha quedado encantado con los reflejos de luz de una persiana casi cerrada, durante una convalecencia o en un día de soledad e introspección? Es con tiempo, reclusión y paciencia que se puede hacer la observación de donde han salido las fotografías de Lux & Los y la pintura que las rodea.

Assumpta Roses

Aceleración de la mirada cuando capta la luz mediante la técnica fotográfica;
desaceleración mediante el proceso pictórico donde está ubicada, “encajonada”, la impresión fotográfica. Las dos están en relación opuesta, por tanto complementaria.
El diálogo se establece jugando con el tiempo, el tiempo de la luz huidiza, y la especulación del tiempo vivido, que se suspende y se dilata dentro de las partículas de los pigmentos atrapados en los colores.

Àngel Pomerol

Si en el presente mi memoria está subjetivada por las imágenes que producen los recuerdos, también está refrendada por lo objetivo de la memoria exacta que estos objetos produjeron, poniendo en relación mi propia existencia con el tiempo que transcurrió durante la realización de cada una de estas obras. Estos planteamientos existenciales relacionados con los planteamientos conceptuales de las “obras de tiempo” me ubican de una manera precisa en el tiempo en el participé en aquella realidad. Y que funcionan como una coartada que mi cerebro tramaba y lo sigue haciendo imaginando el futuro, en el que estoy seguro que me plantearé la pregunta:
¿qué hice?
(arte porque [soy artista) porque hago arte]
la intención concretar
la necesidad lo que subyace.

José Carlos Balanza

El autorretrato es una reflexión sobre las múltiples imágenes que segrega la experiencia de vivir. Es también un intento de registrar lo que nos gustaría ser, una imagen perenne fuera de la mordedura del tiempo.
La experiencia que nos proporciona el tiempo es realmente reveladora, la imagen que tenemos de nosotros mismos, en ocasiones, no corresponde con la que nos presenta el espejo, aquella es una caricatura que describe el insoslayable destino. Es por eso que queremos definir la propia realidad y pensamos la manera de poder registrarla. Somos materia que se interpela, es así como experimentamos la experiencia dinámica de la vida, como el yo se destila entre las cosas que hacemos y lo que deseamos y queremos.
Estamos hechos de silencio y de olvido; somos cajas que en ocasiones reverberan luces.

Rufino Mesa

La artista nos presenta en su obra el tratamiento artístico del maquinismo como un componente más de la realidad del momento.
En este sentido, las series de módulos de la escultora Neus Colet contienen la repetición de formas idénticas que podemos asociar fácilmente a piezas mecánicas de nuestro entorno más habitual.
Las pequeñas dimensiones de los módulos y su adscripción al minimalismo pueden recordarnos los productos de la industrialización que aspiran a la geometría ideal y explican la planificación controlada del diseño industrial.
La artista retoma aquí la idea filosófica de las formas puras utilizando el circulo, principio y final en si mismo. Trabaja con el lleno y el vacio, con la ausencia y la presencia.

Palpando entre arterias perdidas y el latido de objetos olvidados.
Elementos invisibles que dibujan un camino de migajas ante una mesa vacía.
Enmarcados, el extravío y la duda.
Clavados en la pared, el extrañamiento cósmico y la añoranza del mundo junto a fotos de viaje y antes curiosos.
Diferentes piezas en diferentes soportes -vídeos, fotografías, objetos- se generan a partir de un mismo motivo: el extrañamiento del mundo o bien el impulso por ver lo que es invisible. Porque los objetos percibidos varias veces empiezan a no ser vistos.

Puntos Suspensivos es un trabajo realizado mediante técnicas y procedimientos de fotograbado, en el cual se intenta abrir un camino para conectar la casa natal (el nido) con el universo.
Se parte de la fotografía de un quiosco de habitáculos para pájaros, y se utilizan estrategias de desgaste, a través de la contundencia del claroscuro y la contraposición de los espacios llenos y vacios.

La propuesta reconsidera la utilidad inicial y la condición propia del objeto, es decir, aquello por lo que ha sido creado. Una vez este objeto deja de tener utilidad, ya no tiene razón de ser. Con este trabajo, en cierta manera, he querido rendir un homenaje a estos objetos impregnados de vivencias anteriores, donde además, pierden una condición inherente como es la tridimensionalidad. Aplastados primero y cortados y separados después, los fragmentos resultantes encuentran una nueva forma de organizarse, y, como sea que se organicen, se convierten en objetos irreductibles.

El titulo esta extraído del libro “Trabajos y días” de Hesíodo (S.VIII a.C.).
En esta obra el poeta griego hace un canto a la honestidad y la dignificación del trabajo, en contra de la ociosidad y la pereza. Y muestra una evolución mitológica y poética de las edades de la humanidad asociada a diversos materiales: El oro, la plata, el bronce, el hierro…
*La exposición consta de:
La instalación “Gli strumenti dell’arte”
Dibujos de serie “Sculptor constellation”
La instalación hace referencia a la extensión del propio cuerpo, en una serie de elementos que se convierten en prótesis de la propia necesidad de hacer y acaban convirtiéndose en hechos, unos instrumentos que, una vez silenciados y colocados en la solemnidad de la estantería, nos impiden acordarnos del uso en una especie de diálogo de resonancias casi sacras.

Vive y Trabaja entre Madrid, Santiago de Compostela y Montevideo.
Estudios en el taller “Bien al Sur” , Museo Joaquín Torres García.
Clases sobre teoría del arte con Anhelo Hernández (alumno directo de Joaquín Torres García) . Escuela Nacional de Bellas Artes de Montevideo.
Crea el Taller Puerto54 donde comienza a explorar la introducción de criterios expresionistas a la idea de estructura en la pintura.