ANNA VALLS “Dicotomias”
Las obras que presento para esta exposición están, casi todas, dentro de la serie que llamo “dicotomías”.
Dicotomías dentro del mismo espacio, dos partes que se excluyen una a la otra produciendo armonía e inquietud al mismo tiempo. Elementos contrarios, opuestos y que al mismo tiempo se atraen, esto produce una sensación de equilibrio y desequilibrio.
Este hecho también se produce en la Naturaleza. Por eso la serie surge a partir de unas obras anteriores, algunas también estarán en la exposición, donde el concepto de dicotomía está vinculado con la naturaleza. Naturaleza sin luz pero con todos los tonos del negro. Dicotomía luz / oscuridad. También otros conceptos relacionados: contradicción, contraste, …

BÉATRICE BIZOT “Hormigón desarmado”
Dispuestos en un arco, estos seres de hormigón armado, a la vez víctimas y héroes, son como testigos de nuestra cultura moderna.
En actitud de oración o de contemplación, esculturas cargadas de humanidad ancestral, caras giradas hacia el suelo, la tierra, hacia la propia condición humana, son imagen de lo que construimos y del que somos responsables.
Los templos de hormigón incompletos alzan en nuestros barrios, carcasas de casas inacabadas, templos modernos abandonados que rememoran los templos griegos, símbolos de una sociedad a la deriva y vestigios de una cultura desorientada que no deja de ser huella de humanidad.
Estas estructuras de hormigón que parecen esqueletos, contienen probablemente, el alma de las casas.
De un material crudo y sucio como es el cemento, he querido extraer una pizca de humanidad y de dulzura, dejando entrever nuestra fragilidad ya la vez nuestra fuerza.

Durán ha recibido innumerables premios, como el Premio de Cinematografía de la Generalitat de Catalunya, en reconocimiento a su larga trayectoria como escenógrafo. Su obra está presente en un buen número de importantes colecciones de arte contemporáneo, incluidas las del MACBA, la Fundación La Caixa y la colección Rafael Tous, entre otras. En su trayectoria cabe subrayar en particular la importancia que concede a la recuperación de la memoria, asociada con una búsqueda de nuevos significado en el objeto de arte, un legado que Pep Durán recoge de la idea del montaje de Eisenstein, el objeto Dada y surrealista, construyendo una superposición de fallas y estratos que pretenden deliberadamente, como bien señala el crítico de arte Manuel Clot, borrar límites identificables con una nueva interpretación de la imagen y el lenguaje.

Las cámaras de videovigilancia se han vuelto habituales en los lugares públicos, por otro lado la difusión de las webcams nos muestran las interioridades e intimidades de los espacios privados a través de internet, espacios hasta ahora fuera de control, desde el cielo los satélites completan el triángulo escaneando continuamente toda la superficie del planeta. El gran hermano de Orwell es una realidad tecnológica.
En camscapes las cámaras se emplazan en la naturaleza, convirtiendo el paisaje, hasta ahora virgen y sin intervención humana, en una zona controlada, vigilando los juegos de los niños, o el transcurrir de la vida de los ancianos. La violencia que generan las situaciones de control ha sido naturalizada y aparece como algo normal, admisible y necesario, porque se nos bombardea con la idea de que estamos en constante peligro.
En cada pieza se trata de mostrar situaciones cotidianas donde de la propia convivencia natural con las cámaras, estas se desvanecen en el paisaje, dejamos de ser conscientes de que estamos siendo observados y registrados, que nuestros actos son archivados, se convierten en reproducibles, dejan de ser efímeros para abrir la posibilidad del bucle, de la pesada repetición, nuestros actos pueden ser manipulados y nuestra imagen usada en nuestra contra. En las piezas la cámara es lo más real, el collage fotográfico se superpone sobre el dibujo o la mancha pictórica, la realidad cada vez más subjetiva se desdibuja ante la frialdad de la cámara que pasa a ser lo único objetivo en la escena.
La omnipresencia de la cámara es lo que da sentido e hilvana las piezas del proyecto.
La economía de medios que supone el dibujo y el collage contribuye a manifestar la indefensión que sufrimos ante el poder tecnológico y las situaciones de control.
Vivimos en un mundo donde es imposible esconderse, donde es inútil huir a cualquier otra parte.

Con una participación de un total de 90 galerías, Museos y Centros de Arte de Cataluña y también, por primera vez de dos centros extranjeros, arranca la tercera edición de Tardor Art, este año con el título On-Off, dedicada al concepto de la Luz.
La Galería Antoni Pinyol presenta una selección de piezas de los artistas Àlvar Calvet y Lidia Pérez.
Àlvar Calvet ha trabajado este concepto en una gran parte de sus obras sobre todo en los últimos 10 años. Entre todas se han escogido algunas de representativas, donde la luz ha sido utilizada como elemento físico y otras donde este fenómeno se analiza desde aspectos más conceptuales y / o simbólicos.
Lídia Pérez trabaja habitualmente con todo tipo de objetos cotidianos distorsionados y trabajados, que acaban convertidos en una obra diferente mediante su intervención.
La situación social de la mujer ha sido una de las preocupaciones presentes en el trabajo de la artista y nos aporta una mirada entre la ternura y la ironía hacia el universo cotidiano de la mujer.

(Anhelando los tejidos del cielo)
Mi praxis artística (de carácter multidisciplinar: pintura, collages, instalaciones) se centra básicamente en una reflexión sobre la relación entre hombre y naturaleza, entre arte y naturaleza y nace de una profunda necesidad de dotar de significado a todo lo que me rodea y al mismo tiempo me conforma. Rasgar el velo de las apariencias, ir siempre más allá en un ejercicio poético, y finalmente intentar llegar a la esencia de las cosas, eso es lo que me mueve.
En la presente exposición muestro una serie de pinturas inspiradas en un poema de William Butler Yeats, “He wishes for a Cloths of heaven”, que ha actuado como catalizador de todas estas inquietudes antes mencionadas. Mi pintura de raíces cosmológicas ya de por si ha encontrado un especial eco, primero en la evocación de espacios físicos y a la vez metafísicos, luego en la figura del Poeta como intermediario entre el cielo y la tierra.
Se puede decir que HEAVEN estrena una fértil conexión que seguirá dando sus frutos y me permitirá profundizar aún más en mi búsqueda personal y artística.

Si tuviera los tejidos bordados del cielo, obrados con luz de oro y de plata, las azules y las turbias y oscuras telas de la noche y del día y de la media luz extendería las telas a tus pies: pero yo, que soy pobre, sólo tengo mis sueños, he esparcido mis sueños a tus pies; pisa suavemente, porque pisas mis sueños WBYeats

El Premio Telax, celebrado por 19 ª vez, en la Galería Antoni Pinyol de Reus, es un concurso de ámbito internacional, vanguardista y abierto a todas las disciplinas artísticas.
Este premio se organiza anualmente y año tras año ha ido incrementando su proyección tanto a nivel nacional como internacional.
La finalidad del Premio Telax, es la de celebrar una muestra de arte anual y facilitar la difusión de las obras de arte de los artistas galardonados. Organizando primero una exposición colectiva con los artistas seleccionados y después una de individual con la obra del artista ganador-a.
La ganadora de la edición de este año ha sido Àurea Bellera (Andorra), en la modalidad de pintura, se han concedido dos accésits uno a Beatrice Bizot (Francia), en la modalidad de escultura y otro a Anna Valls Boza (Terrassa), también en la modalidad de pintura. Desde el día 8 hasta el 30 de julio estarán expuestas en la galería Antoni Pinyol las obras de las ganadoras y seleccionados del 19 º Premio Telax.

En la selección de obras expuestas en la galería Antoni Pinyol, Pere Galera muestra al mismo tiempo el interior y el exterior, la descripción y la insinuación, lo público y lo privado. Las pinturas tienen ventanas por las que accedemos a una dimensión doméstica de la maximización del espacio, el cual sirve de background. Un juego de ventanas a modo de trucos de magia donde la trampa está a la vista. La ilusión del espacio es como un juego de espejos donde lo importante no es lo que vemos, sino lo que se insinúa. Y lo insinuado comparte la dualidad que es la sustancia de la pintura de Pere Galera, lo espiritual y lo terreno.
Samuel Salcedo

Khalid El Bekay es un reconocido artista marroquí que tiene estudio en Barcelona y Casablanca y que está considerado entre los máximos representantes del arte contemporáneo, no sólo en su país sino en Europa. Ha expuesto en diversas galerías y museos de España, Francia, Italia, Alemania … y también en su país natal y otros países del próximo oriente.

“TERRE”
Es el resultado de una evolución, de una constante búsqueda de los colores como expresión de realidades interiores. (…) la abstracción que tiene la misma naturaleza. Abstracción? Según como se mire, porque como todos hemos viajado en avión y hemos observado la tierra cuando el aparato despega o busca la seguridad de la pista, sabemos de los bancales de tierra arada o en las que ya crecen, verdes, el trigo o la cebada y que nos admiran sobre el sentido geométrico de los campesinos que cuidan los campos.
Jose Maria Cadena
Periodista y crítico de arte

El artista Khalid El Bekay demuestra nuevamente tener un extraordinario dominio de recursos técnicos tan ilimitados como originales en el campo del collage pictórico. La búsqueda del equilibrio y la simplicidad son otros puntos esenciales a destacar de este momento tan interesante y exitoso de una trayectoria constantemente empujada por la inquietud creativa y el afán de superación.
Raquel Medina

Las obras que se muestran en la galería Antoni Pinyol pertenecen a un bloque denominado Crippled Symmetries, en el que el autor está trabajando desde principios de 2007.
Crippled Symmetries es un título homónimo de la obra del compositor Morton Feldman (de quien decían el Schubert del siglo XX) que a su vez se basaba muchas veces en la pintura de los abstractos americanos. Este uso constante y obsesivo de la simetría se debe a un intento de construir imágenes más directas y menos narrativas, de una presencia lo más inmediata posible, y de forma potente y contundente. Su leve “truncamiento”, que nace por tratarse de una simetría no geométrica y precisa, sino orgánica, corporal, habla quizá de una imposibilidad de perfección o, más bien del propósito de hacer del error una virtud y un método de trabajo.
Así pues, uno de los aspectos fundamentales en el trabajo del autor será, desde hace varios años, la investigación acerca de la relación entre lo pictórico y lo musical, lo que le lleva a realizar un tipo de pintura muy escenográfica, considerando el espacio escenográfico como lugar de encuentro entre música e imagen. Es, se debería decir, uno de los centros y motores de este trabajo.

La ilusión abstracta de las visiones interiores es la base temática de esta colección de pinturas al óleo,
iniciada en 2004 y aún en proceso.
Evidenciar determinadas estructuras y conexiones de los pensamientos, sentimientos y las sensibilidades humanas conforma el tema central de estos trabajos. La relación entre ilusión y realidad, así como la posibilidad de una nueva integración entre ambas, constituye el centro neurálgico del tema.