No le gusta definir sus obras en ningún estilo, dice que tienen un poco de todos y de ninguno, cree que su pintura tanto puede ser abstracta como figurativa como realista, pero que no la define ningún estilo, sino que tiene estilo propio.
Sobre todo su pintura es analítica y ambivalente y no quiere crear referentes con otras imágenes.
Cuando habla de sus obras le gusta llamarlas “objetos “ que se crean por si solos como si tuvieran vida propia, él tan solo las realiza, la intención es la de cuestionar preguntas más que obtener respuestas.

Estos trabajos recientes amplían dos largos e inacabados proyectos: The Untitled Project y Floating Logos. Empezados en Estados Unidos en el 2002, The Untitled Project se ha centrado en Europa, explorando las complejas relaciones entre comunicación visual literaria. Estos dípticos tratados digitalmente se centran en la publicidad y otras formas de comunicación en el paisaje urbano. Floating Logos coge directamente este concepto con fotografías tratadas digitalmente, que crean la ilusión de grandes señales levitando sobre el suelo. Este nuevo trabajo representa la segunda fase del proyecto titulado Series II. Este enfoque de la fotografía proviene del paisaje tradicional y permite flotar a la señalización en el contexto con su entorno.

Permanent vacation es el nombre de la exposición que el artista alemán Felix Weinold, nacido el 1960 en Augsburg nos presenta. El título de la muestra está inspirado en la película de Jim Jarmusch del mismo nombre; como los personajes de las películas de Jarmusch, los de las obras de Felix Weinold parecen distantes y descontextualizados. Esta impresión es el resultado de la búsqueda que emplea Weinold para la realización de sus cuadros: todo puede ser inicio y base para una imagen, toda la historia del arte es para él una mina. Encuentra sus motivos en Internet, en periódicos, revistas, colecciones gráficas, libros sobre biología, publicaciones históricas. Después del proceso de apropiación y tramitación el material está totalmente integrado. Gran parte de la abstracción de la obra surge de la tensión de los elementos dispares que la configuran, pero también forman una amalgama de los componentes que se subordinan bajo el lenguaje del artista. No obstante el artista dice que sus obras no son figurativas; lo cual es irritante, porque el espectador puede reconocer claramente elementos figurativos y reales.
Weinold se refiere al cuadro como espacio autónomo, que ante todo es una composición de elementos en tensión entre desavenencias clásicas: linea-espacio, grande-pequeño, transparente-opaco, estructura-plano, caliente-frío, etc.
La mezcla de estilos dispares remite a un tema esencial del arte post-moderno: el arte habla siempre -también o completamente- sobre el arte, y el COMO es más relevante que el QUE.
Como lo que Baselitz pretende poniendo sus motivos al revés, es dirigir la atención del espectador a La IMAGEN en lugar de al MOTIVO; así Weinold interrumpe partes del cuadro intencionadamente (con motivos superpuestos), elimina otras (con superficies de color plano) o recoge elementos hasta la desfiguración (con veladuras). Weinold usa la misma técnica en sus fotografías. Aunque lo importante para él no es el tema, sino que el milagro del cuadro ha salido bien.

El poder y sus símbolos en la cultura contemporánea son a la vez origen y final. Unos no aparecen sin los otros.
La experiencia icónico-narrativa en clave de estética digitalizada es el mecanismo utilizado. El nivel de intensidad fluctúa entre tonos altos y bajos, y así sucesivamente. Las fracturas conceptuales y los contenidos surgen con la metodología natural del monitor de TV; creando situaciones típico-atípicas, deformando la realidad y enfocando el espejismo. En este zapping mental visual observamos la fragmentariedad a la que estamos sometidos, pero sobre todo entendemos la depredación cultural que soportamos.
Algunas instituciones utilizan catalogaciones que rozan la incontinencia fisiológica más básica. Quizás por ello, en algunas exposiciones, rozamos muy de cerca los “actos de fe” compartidos entre el artista y su público. “Actos de fe” difíciles de etiquetar pero fascinantes en el fondo. ¿Por qué no?…

Todo está dentro o fuera de los cajones. El universo es de las cosas que está a la vez fuera y dentro. Y por lo tanto dentro.
Si fuera una piedra lo seria todo, pero el pensamiento me separa.
Proyectado fuera mi parte, socavada por las sensaciones y los razonamientos que vacían el vaso, espera que desde el otro lado, fluyendo a través del plano que me separa del resto, todo se cuele dentro, como el líquido que se apresura a cumplir la ley de Arquímedes: lo que me vacía y lo que me llena.
Jose Carlos balanza

Entiende el proceso pictórico no como un hecho lineal y premeditado, sino como un hecho acumulativo, inestable y experimental.
La superficie se concibe como el espacio donde cualquier acción, por aislada que sea en un momento dado, suma y se incorpora a la construcción de la imagen. El reto consiste en dejar fluir la imagen, en desequilibrarla en un proceso de construcción deconstrucción permanente. La acumulación de acciones, de errores y el propio azar, finalmente conducen la imagen a un estado de reposo y el proceso dinámico se detiene.
Aunque hace pocos años que expone, Alex Pascual da una gran madurez técnica y conceptual a su obra.
En su corta carrera expositiva cuenta ya con varios premios y becas.

Una artista con una obra de gran contenido poético desde sus inicios.
Experimenta con diversos materiales, con soportes inusuales, con múltiples conceptos y significados en asociaciones lúcidas y sorprendentes.
Sin conformarse con sus descubrimientos, investiga y explora nuevos territorios, disolviendo las fronteras entre distintas disciplinas artísticas y mostrando los valores de un arte libre y comunicativo.
Con un lenguaje directo y sin formulismos establece una visión personal llena de contenidos y sugerencias
Joaquim Sancho

La obra de Aureli Ruiz es una de las más representativas de la generación que apareció en la década de los ochenta. Durante este tiempo, ha compaginado su faceta creativa con la gestión cultural, que empezó en 1997 cuando asumió la responsabilidad del Area d’Art i Creació de l’Institut Municipal d’Acció Cultural de Reus. Ha sido el comisario de múltiples exposiciones, programador de ciclos artísticos y diseñador de revistas y catálogos. El 2006, reanuda la parte pública de una carrera que comenzó en el 1982.
En sus obras se observa una clara tendencia a tratar el tema de simetría, del objeto y de su imagen, de la imagen y de su doble y de la imagen especular, que será uno de los motivos recurrentes a lo largo de la trayectoria de Aureli Ruiz.
La manera de decir de Ruiz se convierte en metáfora del hecho de situarse en el mundo, de la búsqueda de referentes en medio de las incertidumbres del ahora y el aquí.

Realiza talleres con el artista Hernández-Pijoan. Estudia en el Taller de Carlos Capelán ‘ Jet Lag ‘.Centro Galego de Arte Contemporáneo. Taller de pintura en la residencia de artistas Point B. Williamsburg. New York. USA. Taller de Carlos Capelán ‘ Jet Lag 2 ‘. Kunstakademiet. Bergen. Noruega. Taller de Gravado. Liceo de Noia. A Coruña.
En el 2001 realiza sus primeras exposiciones.
En sus obras sobresale la depuración, en una argumentación, que deriva de lo arquitectónico, y principalmente de lo contextual, en piezas que resumen el referente urbano de lo visual, señalado para reconocerse en lo fragmentario que resume la superficie.
Es un pintor muy activo, sus obras suelen ser de gran formato, alterna la pintura con la fotografía creando una mixtura compositiva muy peculiar y actual.

Empieza a trabajar la fotografía en 1994 inspirada por un taller que realiza con el fotógrafo francés Antoine d’Agata. Durante este encuentro revelador toma forma concreta en la mente de Laila el proyecto -Diario Intimo-. Desde entonces ha publicado con regularidad fotografías en la revista de arte Mu. Ha participado en BAC’06 (Barcelona Arte Contemporáneo, 2006).
Aletco (Sevilla febrero 2006).Stand de la Revista MU (Art Madrid, Marzo 2006). Colectiva 4º aniversario de la MU (Sevilla, junio 2006).
Seleccionada en el XIV Premi TELAX 2006 d’Art Contemporani i Avantguardista, Galería Antoni Pinyol (Reus, agosto 2006).
Su trabajo es maduro y revelador, aunque hace poco que expone es un trabajo muy meditado
Sus fotografías están cargadas de atmósfera, algunas de sus imágenes poseen una cadencia un tanto cinematográfica, siempre anda con la cámara a cuestas dispuesta a fotografiarse en alguna actitud concreta frente a la vida.