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Victoria Hertel: Energeia (del 6 al 30 de octubre, 2018)

Victoria Hertal (Nuremberg, 1991) presentó su exposición individual en la Galeria Antoni Pinyol después conseguir un accèsit en el 26 Premi Telax.

La obra de Hertel se centra en la visualización de lo que existe más allá de la simple percepción. Interpretando imágenes biológicas y esquemas científicos, crea visiones magnificadas de los procesos naturales que nos rodean, demostrando su estética orgánica. Para ello, busca en la investigación y la experimentación de las cualidades físicas de la pintura lo nuevo y desconocido para ampliar sus límites y uso tradicional, acercando así las cualidades matéricas de la obra a sus implicaciones conceptuales.

Victoria Hertel trabaja actualmente en LaNaveBCN Studios y, a pesar de su juventud, ha participado en numerosas exposiciones colectivas en Cataluña y en su país natal, Alemania.

Korallenteich / Lago de Corales. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 15 x 15 cm

Korallenteich / Lago de Corales. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 15 x 15 cm

Piñata. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 20 x 20 cm.

Piñata. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 20 x 20 cm.

Luftkissen / Colchón de aire. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 20 x 20 cm.

Luftkissen / Colchón de aire. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 20 x 20 cm.

Überraschung / Sorpresa.  2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 20 x 20 cm.

Überraschung / Sorpresa. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 20 x 20 cm.

Luftschlangen / Serpentinas de papel. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 24 x 19 cm.

Luftschlangen / Serpentinas de papel.
2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 24 x 19 cm.

Liane / Bejuco. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 70 x 50 cm.

Liane / Bejuco.
2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 70 x 50 cm.

Sommernacht / Noche de verano. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 55 x 46 cm.

Sommernacht / Noche de verano.
2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 55 x 46 cm.

Wetterleuchten / Relámpago. 2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 146 x 114 cm.

Wetterleuchten / Relámpago.
2018. Acrílico, tinta, resina sobre tela. 146 x 114 cm.

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Manuel Alcalá: Tot és Matèria (del 8 de septiembre al 2 de octubre)

Arte…, la tan llevada y traídapalabra. No soy nadie para decir que es arte o no es arte. En un contexto global podría decir alguna cosa, pero la línea divisoria es tan sutil que la rotundidad me incomoda. Lo que más me agobia, precisamente, son las personas que sin tener idea de lo que es arte, se atreven a decir ¿y esto es arte? Cuando ven algo que no entienden.

Mi inquietud personal y tratando de explicar lo que hago, podría decir que se sitúa en un encuentro entre distintas tendencias y técnicas. Es como una fusión de distintas escuelas entre las que se podrían destacar el cinetismo, el OP-ART y figuración, pero entiendo que hay más:como abstracción geométrica, constructivismo y otras, y una continua búsqueda de la luz. Resultados a veces casuales y otras veces intencionados por el estudio de los clásicos.

El objetivo es crear efectos que atraigan la atención del observador, que lo inquiete, busque, vibre y sienta emociones, que lo invite a averiguarque está delante y qué está detrás y como se consiguen esas aparentes vibraciones cinéticas que no dan respuesta a sus preguntas. En ese intento el primer sorprendido soy yo.

A veces es como una explosión de luz en el universoque evoluciona hacia las formas reales, la vida misma. El origen de la vida emana de efluvios luminiscentes de la bóveda celestial en donde está lo que no vemos pero se manifiesta.

La obra, contiene esa figuración por un lado y por otro esa búsqueda de lo inconcreto, de lo oculto.Todo dentro de una visión plástica de luz y color.

Sin lugar a dudas, lo que hago soy yo mismo, trato de comunicar a través de ella mi forma de ver lo que me gustaría que fuera el mundo. A veces inquietante, con carencias vitales que el hombre es incapaz de conseguir. Quizás uno ve un cinetismo, pero en realidad cuando una línea rompe con otra, escomo si tachara vivencias incorrectas, injusticias que hay que denunciar.

Mis tiralíneas son como pinceles, como dijo un crítico. Son los ejecutores técnicos que necesita de los pinceles para mezclar una y mil veces pinturas que se degradan constantemente para buscar la luz o la oscuridad. Esta realización con tiralíneas, compás o listones de madera, ha llevado a alguien a hablar de linealismo.

                                                                       Manuel Alcalá Sánchez   

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Serie Traqueales 2 (768), 2014, acrílico sobre tablex, 90×120 cm

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Serie Traqueales (834), 2018, acrílico sobre tablex de MDF, 90×120 cm

 

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Serie Traqueales, Anatomía 6 (829), 2018, Mixta sobre tablex MDF, 63×123 cm

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(823), 2017, mixta sobre tablex MDF, 60×90 cm

                   

2016 16 acrilico s. listones de madera e tablero 90x90 cm. s. Op art 19 (818)

Serie Op Art 19 (818), 2016, acrílico sobre listones de madera y tablero, 90×90 cm

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Serie Op Art 18 (813), 2016, acrílico sobre listones de madera y tablero, 95×90 cm

 

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Serie Traqueales Org 9 (832), 2018, mixta sobre tablero, 60x120cm

26 Premi TELAX

En la 26ª edición del Premi TELAX, premio que se celebra anualmente en la Galeria Antoni Pinyol i que da la oportunidad de exponer a artistas emergentes, este año han estado seleccionados 21 artistas de las tendencias más diversas y lenguajes experimentales, que representan el avance del panorama artístico actual, por un jurado compuesto por el artista Aureli Ruiz, la gestora cultural Coia Domingo, la directora i productora Alba Sotorra, el col·leccionista Fernando Llauradó i el director de la galeria, Antoni Pinyol. 

 

Maria Mrntrd "Cuándo vuestro invierno". Premio instalación.

Maria Mrntrd “Cuándo vuestro invierno”. Premio instalación.

Miquel Falgàs "Removal XII". Premio de pintura.

Miquel Falgàs “Removal XII”. Premio de pintura.

Patrizia Lohan "Triángulos juntados". Premio de escultura.

Patrizia Lohan “Triángulos juntados”. Premio de escultura.

Victoria Hertel "Ion". Accésito de pintura.

Victoria Hertel “Ion”. Accésito de pintura.

Ana Gómez "Fronteras"

Ana Gómez “Fronteras”

Vicky Kylander "Sin título"

Vicky Kylander “Sin título”

J.M. Nicolàs Monsonís “Canyes del Delta del Llobregat 4”

J.M. Nicolàs Monsonís “Canyes del Delta
del Llobregat 4”

Myriam Arnold "Eterna Memòria"

Myriam Arnold “Eterna Memòria”

Miquel Samitier "Capsa del Rei Casabú"

Miquel Samitier “Capsa del Rei Casabú”

Marta Ballvé "Despendre la paraula"

Marta Ballvé “Despendre la paraula”

José Manuel Albarrán "Sin título"

José Manuel Albarrán “Sin título”

Juan de la Rica "Jinetes"

Juan de la Rica “Jinetes”

Quique Ortiz "Sin título"

Quique Ortiz “Sin título”

Guillermo Ramírez "Con doble vuelta"

Guillermo Ramírez “Con doble vuelta”

Ferran Vives "Purple"

Ferran Vives “Purple”

Enrique Muda "Sin título"

Enrique Muda “Sin título”

Elena Maroto "D.A.N.C.E.! Control"

Elena Maroto “D.A.N.C.E.! Control”

Arantxa Nova "Espai 4"

Arantxa Nova “Espai 4″

Anne Cecile Surga "Black Hole"

Anne Cecile Surga “Black Hole”

Miguel Núñez: Kind of Wood (del 4 de mayo al 2 de junio)

Kind of wood es un proyecto pictórico en el que se pretende reflexionar acerca de la idea de proceso, prestando especial atención a la propia configuración de la imagen.

El titulo de la exposición hace referencia a una de las obras maestras del Jazz, Kind of blue de Miles Davis, ya que mi proceso pictórico es semejante a las estructuras jazzísticas empleadas por Miles Davis en su experimentación con el “jazz modal”. En ellas, mantenía el backround de una sencilla melodía mientras los solistas interpretaban otra sobre uno o dos “modos”, o escalas, en lugar de realizar progresiones armónicas, como venía siendo habitual en el fundamento armónico de jazz.

En términos pictóricos, cada obra supone una improvisación o experimentación procesal sobre la idea de fondo que hace de nexo entre las distintas pinturas. Podríamos decir que la columna vertebral del proyecto sería la idea juguetona de “no hacer”, estudiada por el filosofo surcoreano Byung-Chul Han en su ensayo La sociedad del cansancio, como modo de hacer de verdad. Según Byung-Chul Han la sociedad actual está agotada por la idea eficiente de hacer, sometiéndonos por nuestras propias aspiraciones económicas, de estatus social y, en definitiva, de poder.

Frente a esta problemática surge un especial interés por recuperar el espacio de juego y la intuición, trazando así la dirección formal que persigo en mi obra. De hecho, este factor supone el punto de partida de cada pintura, mediante la configuración de maquetas mínimas que fotografío o pinto del natural. Estas intervenciones seudo-arquitectónicas son construidas con elementos tan precarios como restos de madera y otros objetos que encuentro por el estudio (que me gusta denominar como “residuos artísticos”).

Una vez compuesta la melodía de fondo comienza la improvisación, dando lugar a un proceso pictórico no lineal que parte de una imagen propia, procedente de las maquetas anteriormente confeccionadas, que ahora se somete a las decisiones y accidentes que acontecen durante el proceso pictórico.

 

Catacroquen II, 2017, óleo, esmalte y spray sobre tela.

Catacroquen II, 2017, óleo, esmalte y spray sobre tela.

Pelusa Geométrica, 2017, óleo, esmalte y spray sobre tela.

Pelusa Geométrica, 2017, óleo, esmalte y spray sobre tela.

Live (díptico), 2017, óleo, esmalte y spray sobre tela.

Live (díptico), 2017, óleo, esmalte y spray sobre tela.

Into the Black, 2017, óleo y spray sobre tela.

Into the Black, 2017, óleo y spray sobre tela.

Serie Territorio Efímero, 2018, óleo y spray sobre tela.

Serie Territorio Efímero, 2018, óleo y spray sobre tela.

Serie Territorio Efímero, 2018, óleo y spray sobre tela.

Serie Territorio Efímero, 2018, óleo y spray sobre tela.

Serie Territorio Efímero, 2018, óleo y spray sobre tela.

Serie Territorio Efímero, 2018, óleo y spray sobre tela.

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Aureli Ruiz “Com sense jo: Sense jo” (del 6 al 28 de abril, 2018)

Aureli Ruiz presenta en la Galería Antoni Pinyol la muestra Com sense jo: Sense jo (Como sin yo: Sin yo), una exposición dividida en dos secciones, una en la galería, y la otra en el Centro de Lectura de Reus, que se inauguran consecutivamente el viernes 6 de abril.

La trayectoria de Aureli Ruiz está marcada por un proceso de investigación personal, tanto del universo que conforma su obra como de los materiales que utiliza. Desde los años noventa trabaja con la instalación, a través de la cual nos muestra elementos que nos invitan a la interpretación y que, al mismo tiempo, se nos hacen extraños.

En 2005 inicia un importante proyecto personal, titulado Love Indifference, en este, Aureli Ruiz se pregunta por las tensiones que se establecen entre los afectos en un mundo en el que se pasa fácilmente del amor al odio, de la pasión amorosa a la violencia, de la calidez del afecto a la frialdad de la indiferencia, de la ira a la placidez, de la aversión a la simpatía, de la diversión al aburrimiento, de la excitación al aturdimiento. Este proyecto sirve de precedente para la exposición que ahora nos presenta, en las dos mismas salas que hace 13 años.

 

 

 

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Sonia Toneu – Toni Cort: El Arte y la Historia suman (del 25 de noviembre al 20 de diciembre, 2017)

Toni Cort y Sònia Toneu aunan fuerzas en esta exposición, el primero aporta el soporte, que consta de setenta y seis paneles en los cuales están impresas noticias referentes al parque temático situado entre Vilaseca y Salou, en su proceso de implantación, que abasta desde el año 1987 al 1997, sobre los cuales Sònia Toneu hace una intervención y les da forma, color y carácter de obra de arte.

Con esta exposición, la Galeria Antoni Pinyol quiere mostrar un debate todavía vivo sobre lo que unos calificaron de especulación urbanística y que ha acabado siendo un conjunto de hoteles; así, una vez intervenido, el mural se descompondrá en piezas Din-A1, que se podrán comprar al precio de 300€, un tercio de los cuales irán para Amnistía Internacional, sumándonos de esta manera al evento internacional llamado Fair Saturday, “un día para cambiar el mundo a través del arte y la cultura”.

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Vanessa Pey: Ucello Trasgressore (del 24 de octubre al 20 de noviembre, 2017)

Vanessa Pey (Tarragona, 1973) después de conseguir un accésit al 25º Premi Telax, expone su obra en la galería Antoni Pinyol, del 24 de octubre al 20 de noviembre.

Vanessa Pey es una artista que experimenta con la fotografía combinando procedimientos tanto analógicos como digitales con los que consigue una obra expresionista y profundamente sensible y poética, donde sutiles símbolos se vislumbran en un ambiente difundido vez que mágico.

La artista ha expuesto individualmente alrededor Cataluña desde 1998, y ha mostrado su obra en exposiciones colectivas en países como Francia, Holanda, Canadá, Portugal o Alemania.

 

Serie: Radical lyricism. Fotografía color analógica y  edición digital. 125×125 cm. 2017

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Serie: La pelle del sussurro. Fotografía color analógica y  edición digital. 104×160 cm. 2016

 

Serie: Addicted. Fotografía color analógica y edición digital. 55×75 cm. 2017

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Serie: Turbatio. Fotografía color analógica. 100×160 cm. 1999-2002

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25 Premi TELAX

La exposición del 25 Premio Telax, que se inaugura el sábado 1 de julio a las 13h, reúne las obras de los 21 artistas seleccionados para este concurso de Arte Contemporáneo que celebra anualmente la Galería Antoni Pinyol desde sus inicios en el año 1992. Contaremos con la presencia de los artistas y se hará público el veredicto del jurado.

En esta edición, la mayoría de los artistas que participan se mueven en el campo de la pintura, aunque desde tendencias muy diversas, sin embargo, también encontramos espacio para la fotografía. Los trabajos muestran diferentes estéticas, desde obras que todavía buscan referentes en la pintura de los años 70, hasta otras más cercanas al arte conceptual y mínimal, pasando por trabajos de gran carga simbólica y otros con una técnica casi hiperrealista.

El jurado de esta edición ha estado formado por Joan Rom, licenciado en Bellas Arte y profesor de la Escuela Arte y Diseño de Reus; Cristina Pinyol, arquitecto de interiores y grafista; Noemí Rabassa, Dra. en Economía y Empresa y profesora de marketing y comunicación de la Universidad Rovira i Virgili; Anton Brufau, farmacéutico y coleccionista; Antoni Pinyol, arquitecto y director de la galería.

Gala Knörr. Make it and Break it, 95 x 65 cm, oli i rotulador sobre tela, 2016.

Gala Knörr. Make it and Break it, 95 x 65 cm, oli i rotulador sobre tela, 2016.

Jae Wilkinson. Woman Revolution, 40 x 50 cm, mixta sobre tela, 2017.

Jae Wilkinson. Woman Revolution, 40 x 50 cm, mixta sobre tela, 2017.

Marcel Aragonès. Creatures galàctiques, 40 x 30 cm, mixta sobre paper, 2017.

Marcel Aragonès. Creatures galàctiques, 40 x 30 cm, mixta sobre paper, 2017.

Alba García, Sálvame Deluxe, 100 x 100 cm, óleo sobre tela, 2015

Alba García, Sálvame Deluxe, 100 x 100 cm, óleo sobre tela, 2015

Alba Milán. Travesía Nº1, 100 x 100 cm, pintura acrílica sobre tela, 2017.

Alba Milán. Travesía Nº1, 100 x 100 cm, pintura acrílica sobre tela, 2017.

Albert Alcol. Sense títol, 90 x 72 cm, fotografia, 2017.

Albert Alcol. Sense títol, 90 x 72 cm, fotografia, 2017.

Alfonso Cintado. Arkheim, 100 x 70 cm, acrílic sobre paper.

Alfonso Cintado. Arkheim, 100 x 70 cm, acrílic sobre paper.

Amadeu Adell. Primus inter pares, 120 x 140 cm, estampació d’acrílic sobre loneta, 2017.

Amadeu Adell. Primus inter pares, 120 x 140 cm, estampació d’acrílic sobre loneta, 2017.

Ana Ciscar. De la sèrie Just for a Thriller, 150 x 127 cm, oli, esmalt i spray sobre tela, 2017.

Ana Ciscar. De la sèrie Just for a Thriller, 150 x 127 cm, oli, esmalt i spray sobre tela, 2017.

Arthur Henrique Souza. 002, 100 x 100 cm, acrílic sobre tela, 2017.

Arthur Henrique Souza. 002, 100 x 100 cm, acrílic sobre tela, 2017.

Clara Isabel Arribas. Evanescencia, 93 x 114 cm, impressió digital sobre paper de cotó, 2016.

Clara Isabel Arribas. Evanescencia, 93 x 114 cm, impressió digital sobre paper de cotó, 2016.

Diego Benéitez. Blanca Llanura, 140 x 140 cm, mixta sobre tela, 2016.

Diego Benéitez. Blanca Llanura, 140 x 140 cm, mixta sobre tela, 2016.

Jon Errazu. Sense títol, 100 x 81 cm, acrílic sobre tela, 2015.

Jon Errazu. Sense títol, 100 x 81 cm, acrílic sobre tela, 2015.

Leonor Ruiz. Waves, 116 x 73 cm, acrílic sobre tela, 2016.

Leonor Ruiz. Waves, 116 x 73 cm, acrílic sobre tela, 2016.

Llorenç Garrit. Arbre de tardor, 123 x 53 cm, mixta sobre fusta, 2016.

Llorenç Garrit. Arbre de tardor, 123 x 53 cm, mixta sobre fusta, 2016.

Marta Ballvé. Sense por a l’error, 63 x 61 cm, acrílic i collage sobre fusta, 2017.

Marta Ballvé. Sense por a l’error, 63 x 61 cm, acrílic i collage sobre fusta, 2017.

Miguel Núñez. Nicht manchen, 150 x 200 cm, oli, esmalt i spray sobre tela, 2016.

Miguel Núñez. Nicht manchen, 150 x 200 cm, oli, esmalt i spray sobre tela, 2016.

Quim Torres. De la sèrie Rituals, 40 x 30 cm, fotografia, 2017.

Quim Torres. De la sèrie Rituals, 40 x 30 cm, fotografia, 2017.

Ruaridh Crighton. Figure 4, 50 x 65 cm, acrílic sobre tela, 2017.

Ruaridh Crighton. Figure 4, 50 x 65 cm, acrílic sobre tela, 2017.

Valentina Restivo. Richard Avedon, 70 x 100 cm, pastel enamel i acrílic sobre paper, 2016.

Valentina Restivo. Richard Avedon, 70 x 100 cm, pastel enamel i acrílic sobre paper, 2016.

Vanessa Pey. La pelle del sussurro, 160 x 104 cm, fotografia analògica i edició digital, 2016.

Vanessa Pey. La pelle del sussurro, 160 x 104 cm, fotografia analògica i edició digital, 2016.

Bayod Serafini y Conxa Bravo (del 29 de abril a junio)

L’obra de Bayod Serafini i Conxa Bravo es desenvolupa creant tot un llenguatge personal, sensible i simbòlic, que ens apropa al món surrealista, però també a la nostra essència primitiva, i que han anat creant al llarg de la seva estesa carrera com artistes.

Impromptus de la Memòria” forma part de la darrera producció pictòrica de l’artista Carles Bayod Serafini. Es hereva de la sèrie Africà en la que va començar a integrar en l’obra, la pròpia representació de la memòria. La  representava amb la empremta que deixa la part posterior del cap, per allò de “caure de memòria” (caure d’esquena pegant de cap a terra).

En la sèrie Africà expressava l’herència cultural que resta en la nostra memòria arcaica. En canvi, en “Impromptus de la Memòria”, el que ha volgut representar es la informació espontània i emocional, que apareix en provocar a la memòria arcaica sense filtre cultural. En totes elles però, apareix també l’esmentada empremta de la memòria, representada amb aquest tromper l’œil, amb aquesta petita cavitat, que composa i dona vida a totes les obres, com dient; “…es el meu recordar que conforma el meu esser emocional”. Es un recordar sense formes ni paraules, que forma part de mi, de tu, d’ell, de tots…

 

6 - Impromptus de la Memoria acrilic s. paper 33x46 cm.    11 - Impromptus de la Memoria acrilic s. paper 33x33 cm.

16 - Impromptus de la Memoria acrilic s. paper 23x23 cm.    17 - Impromptus de la Memoria acrilic s. paper 23x23 cm.

23 - Impromptus de la Memoria acrilic s. paper 12x12 cm.     31 - Impromptus de la Memoria acrilic s. paper 12x12 cm.

 

 

La pintura de Conxa Bravo és essencialment mediterrània, vibrant i poderosament acolorida. Els seus quadres es reconeixen fàcilment gràcies a un llenguatge simbòlic inventat per l’artista: àngel, llop, dona embarassada, mitja lluna, fauno barbut, serp, la mà de la dona casada, etc., són sàviament situats en l’espai pintat. A tot això s’afegeix un cromatisme atrevit, exuberant que revelen la personalitat de Conxa Bravo. Es tracta d’una obra sensitiva on la poesia es conjuga amb una forma elaborada de llenguatge primitiu.

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Isadora Willson: Paseantes (del 25 de marzo al 20 de abril)

“Actualmente las construcciones urbanas han dejado de ser pensadas y enfocadas hacia el
individuo, provocando una desproporción entre lo que podríamos llamar escala humana y escala
urbana. Las características estructurales y socioculturales de aquellos lugares, influyen en las
formas de utilización y tránsito de los espacios públicos, estableciéndose un nuevo habitar, donde
la experiencia de lugar como espacio particular y propio desaparece.
Mi trabajo se centra en la representación simbólica de la sensación de desamparo y soledad en
las sociedades actuales. Síndrome que pareciera ser intrínseco de las grandes metrópolis, y que
termina por aislar a los individuos dentro de la multitud. Situación paradójica, kafkiana, en que la
arquitectura se magnifica en el acto de empequeñecernos, distanciarnos, volvernos ausentes e
invisibles.
Por medio de escenarios donde los “Paseantes” contrastan con la estructura, como una masa
anónima que pulula en el cotidiano de una urbe, hablo de experiencias individuales, de presencias
que se insinúan. Aludo aquella “errancia de las soledades singulares”, vista a través de
estructuras acromegálicas, que crecen inversamente proporcional a la fragilidad humana.”

Isadora Willson (Santiago de Chile, 1984)

 

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Paseantes 1. 61x38cm, óleo sobre tela. 2008

Paseantes 7 92X73 Óleo sobre tela 2009web

Paseantes 7. 92x73cm, óleo sobre tela. 2009

Paseantes 17 130X89 Óleo sobre tela 2010web

Paseantes 17. 130x89cm, óleo sobre tela. 2010

Paseantes 19 130X89 Óleo sobre tela 2010web

Paseantes 19. 130x89cm, óleo sobre tela. 2010

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Paseantes 22. 100x40cm, óleo sobre tela. 2016

Paseantes 24, Óleo sobre tela, Díptico 130X180cms, 2011web

Paseantes 24. Díptico 130X180cm, óleo sobre tela. 2016

Paseantes 25 130X89, Óleo sobre tela 2011web

Paseantes 25. 130X89cm, óleo sobre tela. 2011

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