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Fabià Claramunt: A punt de (del 11 de enero al 6 de febrero, 2020)

A punt de

Desde la platea el público, con distancia, ve la obra con cierta claridad aunque se atisban matices. Si la función enfatiza demasiado en el melodrama ocasionalmente podríamos sentirnos rechazados y confundidos ante lo que estamos  iendo; ¿Por qué los protagonistas no resuelven el conflicto si yo veo la solución tan clara? ¿Es a caso que se regodean en la pesadez de la tragicomedia? El teatro solo parece fácil para el que observa, pero el actor debe olvidar su condición de otro para dejarse caer en la melancolía propia de la ortodoxia mediterránea. En este caso, el monologo está protagonizado y escenificado por un Arlequín que poco a poco se transforma en Pierrot. Desde su picaresca, viveza y colorismo  combate el drama aunque este consigue ganar terreno convirtiendo al personaje en un saco de autocompasión y sentimiento de derrota. Si hay algo que diferencia a estos dos arquetipos clásicos es su polaridad de cómo se desenvuelven en las tablas. Mientras que el primero se revela con sensualidad y burla, nuestro Pierrot se compadece y ahoga por pensar que aquello que ama no le corresponde. Aunque no haga falta, cabe recordar que en esta representación la pintura es a quien se desea y corteja.

Trampa chinesa, óleo y esmalte sobre lino, 60 x 60 cm, 2019.

Trampa xinesa, óleo y esmalte sobre lino, 60 x 60 cm, 2019.

En A punt de la problemática del libreto interviene desde un primer momento directa e invasora, por supuesto con sus correspondientes interludios. Aparece y reaparece la incapacidad de nuestro protagonista de intentar gustar y agradar, demostrando de lo que es capaz haciendo malabares y piruetas si fuera necesario. Recordemos que el Arlequín y el pierrot no dejan de ser una evolución dramática de la figura del bufón, aquel que engaña y divierte con bailes, trucos y cuentos. Aunque esta tragicomedia parece no tener un final definitivo, el argumento emerge con un sentimiento de culpa que desemboca con virulencia en el fustigamiento de nuestro único personaje que, contra la incapacidad de poder encontrar su virtud, se reprime y deprime.

I swear it, óleo y esmalte sobre tela, 120 x 100 cm, 2019.

I swear it, óleo y esmalte sobre tela, 120 x 100 cm, 2019.

Pero no podemos olvidar que esto es una ficción, algo que pretende asemejarse a la realidad. Fabià Claramunt nos habla constantemente de ese About to (a punto de), algo que precede y rodea a la acción, en este caso, la de pintar. El sentimiento de estar continuamente predispuesto —pensando— dedicado a / por/ para la pintura consigue llevarnos a entender el porqué de la exposición y de este tono teatral que en ocasiones parece entreverse visceral. El compromiso con el medio no deja de velarse romántico; no es una relación fácil y está teñida de cierto idealismo. El recreo sobre todo lo que pasa en ese “a punto de” parece terminar siendo autolesivo pero resplandeciente, casi sin dolor, porque en ocasiones aguantar en la pintura puede ser expiatorio a la vez que placentero.

S/T -reloj de arena-, óleo sobre lino, 73 x 56 cm, 2019.

S/T -reloj de arena-, óleo sobre lino, 73 x 56 cm, 2019.

Nosotros, los espectadores, nos hemos reído y compadecido de las penas de este particular personaje creado por Fabià Claramunt, el cual parecía tener la única intención de entretenernos. Su actuación termina por interpelarnos y consigue con cierta gracia que queramos saber más de sus desavenencias aunque sepamos que en su próxima historia no volverá a ser el mismo. Pero nos levantamos del asiento mientras encienden las luces sabiendo que este entrañable Arlequín se convertirá en algo más que un simple extraño disfrazado dispuesto a divertirnos.

Eladio Aguilera

Mans gentils, óleo y esmalte sobre tela, 115 x 100 cm, 2019.

Mans gentils, óleo y esmalte sobre tela, 115 x 100 cm, 2019.

S/T, óleo sobre tela, 116 x 89 cm, 2018.

S/T, óleo sobre tela, 116 x 89 cm, 2018.

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Mario Ollé: El Gènova 90 x 9.000 (del 14 de diciembre al 8 de enero)

“CUANDO SOPLA EL VIENTO

UNOS SE REFUGIAN EN LOS PUERTOS

OTROS IZAMOS LAS VELAS”

 

 90 m2 de vela con costuras y refuerzos, dibujan un pulso a favor del viento, transformando la adversidad en recuerdos a bordo del Katana durante más de 9.000 millas. Temporales y silencios por los mares Egeo, Jónico, Tirreno, Adriático y Mediterráneo. Tantas historias no contadas, visibles sólo observando cada palmo de esta vela que la mirada de Mario Ollé ha sabido transformar en elogio y reconocimiento a través de la pintura.

Mario Ollé ha hecho de la creatividad una forma de existencia, a menudo acompañado con la libreta en el bolsillo y el lápiz para trascender aquellos detalles invisibles a través de sus trazos sutiles, ínfimos, llenos de fuerza. Más de tres años de búsqueda, intentando conjugar esta intensidad del rastro intuitivo con la necesidad de crecer y volverse pintura.

El resultado es esta exposición, donde los trozos del Gènova han estado contemplados desde el alma para erigirlos símbolos del esfuerzo y constancia, y donde el grafito y el pincel iluminan lo que alguien, que ama tanto el mar como la pintura, nos ha regalado.

 

El Gènova 2019 Tècnica mixta sobre Kevlar 30 x 40 cm

El Gènova
2019
Tècnica mixta sobre Kevlar
30 x 40 cm

El Gènova 2019 Tècnica mixta sobre Kevlar 30 x 40 cm

El Gènova
2019
Tècnica mixta sobre Kevlar
30 x 40 cm

El Gènova 2019 Tècnica mixta sobre Kevlar 30 x 40 cm

El Gènova
2019
Tècnica mixta sobre Kevlar
30 x 40 cm

El Gènova 2019 Tècnica mixta sobre Kevlar

El Gènova
2019
Tècnica mixta sobre Kevlar

El Gènova 2019 Tècnica mixta sobre Kevlar 30 x 40 cm

El Gènova
2019
Tècnica mixta sobre Kevlar

Alsira Monforte: Desvanes de la Infancia (del 9 de noviembre al 9 de diciembre, 2019)

En su Poética del espacio, Bachelard, nos dice que más allá de la protección y el abrigo que significan la casa en su interior se gestan los valores del sueño, y que son estos “los últimos valores que permanecen cuando la casa ya no existe”. Las piezas que conforman Desvanes de la Infancia han sido desplazadas de un lugar que nunca existió, objetos dislocados, arrancados del fondo de un suelo perdido sin lugar ni espacio, una casa que velocísima volara por encima de nuestras cabezas. Las secreciones de un candelabro, la cera exudada por el hilo de unos pequeños guantes, modifican el objeto desde su núcleo. No hay un agente externo que intervenga, sino que son los propios objetos los que segregan una espesa saliva. Es este el residuo de la memoria, la distorsión del recuerdo que permite recrear infinitas veces un acontecimiento. Porque intuimos que ocurrió algo, pero no sabemos exactamente qué es lo que fue. Y toda la memoria que nos falta la llevan los objetos dentro. Se reproduce así el relato como un virus, en él están los objetos suspendidos y el tiempo es abolido.

Cuando Alsira Monforte Baz altera los elementos solo está activando un proceso latente que, lejos de ser un hecho aislado, se convierte en suceso crónico. “La creación del mundo no tuvo lugar una vez y para siempre, sino que sucede todos los días”, y es entoncescuando el desván, el suelo perdido, pasa a ser infinitas veces recuperado.

Miguel Rodríguez Minguito

Serie Desvanes de la Infancia, 2018. Estopa, excayola y esmalte sintético, dimensiones variables.

Serie Desvanes de la Infancia, 2018. Estopa, excayola y esmalte sintético, dimensiones variables.

Serie Desvanes de la Infancia, 2018. Cera natural y tinta offset sobre hilo, 12 x 8 cm.

Serie Desvanes de la Infancia, 2018. Cera natural y tinta offset sobre hilo, 12 x 8 cm.

Serie Desvanes de la Infancia, 2018. Hilo y tela sobre percha, 35 x 100 cm.

Serie Desvanes de la Infancia, 2018. Hilo y tela sobre percha, 35 x 100 cm.

Serie Desvanes de la Infancia, 2018. Impresión digital sobre tela e hilo sobre tela, dimensiones variables.

Serie Desvanes de la Infancia, 2018. Impresión digital sobre tela e hilo sobre tela, dimensiones variables.

Serie Desvanes de la Infancia, 2018.  Cera natural e hilo sobre tela, 20 x 15 cm.

Serie Desvanes de la Infancia, 2018. Cera natural e hilo sobre tela, 20 x 15 cm.

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Claire van der Boog: Espacios en capas (del 5 de octubre al 2 de noviembre)

La artista franco-holandesa Claire van der Boog (Tolouse, 1988) inaugura la exposición “Espacios en Capas” en la Galería Antoni Pinyol de Reus, después de conseguir el accésit de pintura en el último Premio Telax.

La obra de Claire van der Boog desafía las fronteras que separan la pintura de la escultura, creando tridimensionalidad a través de capas bidimensionales, y las formas abstractas de la representación, sintetizando la realidad a través de la abstracción geométrica, cuestionando así el modo en que percibimos e interpretamos el espacio. Para lograr esto, en la obra de van der Boog podemos ver nuevas formas de representación y una técnica muy personal que mezcla elementos poco habituales en el arte.

A pesar de su juventud, Claire van der Boog empezó su carrera artística hace 10 años, y desde entonces ya ha expuesto en diferentes países, como China, Estados Unidos, Argentina y República Checa, además de Francia y Holanda.

Chosen origine Diciembre 2017 MDF y pintura

Chosen origine
Diciembre 2017
MDF y pintura

View of a box n°6 Agosto 2019 Plexiglass, foam y placas metálicas 19 x 19 x 7.5 cm

View of a box n°6
Agosto 2019
Plexiglass, foam y placas metálicas
19 x 19 x 7.5 cm

view of a room n°4 Abril 01, 2019 Plexiglass, foam y placas metálicas 40 x 40 x 12 cm

view of a room n°4
Abril 01, 2019
Plexiglass, foam y placas metálicas
40 x 40 x 12 cm

view of a room n°1 c. Abril 2019 Plexiglass, foam y placas metálicas 40 x 40 x 12 cm

view of a room n°1
c. Abril 2019
Plexiglass, foam y placas metálicas
40 x 40 x 12 cm

View of a box n°3 Agosto 2019 Plexiglass, foam y placas de metal 19 x 19 x 7.5 cm

View of a box n°3
Agosto 2019
Plexiglass, foam y placas de metal
19 x 19 x 7.5 cm

Imaginary space n°3 Abril 2019 Marco de madera y azulejos 73 x 115 x 4 cm

Imaginary space n°3
Abril 2019
Marco de madera y azulejos
73 x 115 x 4 cm

Image of identity 2011 Metal 91 x 200 x 150 cm

Image of identity
2011
Metal
91 x 200 x 150 cm

27 PREMI TELAX (del 22 de junio al 20 de julio, 2019)

La exposición del 27 Premio Telax que se inaugura el sábado 22 de junio a las 13h, reúne las obras de los 18 artistas seleccionados para esta edición del premio de arte contemporáneo que se celebra anualmente en la Galeria Antoni Pinyol.

Este año, la mayoría de los artistas que participan se mueven en el campo de la pintura, aunque a través de tendencias muy diversas, sin embargo también contamos con otros lenguajes visuales: escultura, fotografía e instalación. 18 artistas emergentes para conocer la actualidad artística de nuestro entorno.

Los premiados en las diferentes categorías han sido Fabià Claramunt, Alsira Monforte, Ramón Cornadó y Claire van der Boog, designados por el jurado, que ha estado compuesto por los artistas Aureli Ruiz y Joan Ill, la diseñadora Maite Rabassa, la galerista Cecília Lobel y, el director de la galeria, Antoni Pinyol.

Ana Escar Decir NO para el SÍ, 2018 Técnica mixta sobre madera, 92 x 125 cm

Ana Escar
Decir NO para el SÍ, 2018
Técnica mixta sobre madera, 92 x 125 cm

Claire van der Boog View of a Room nº1, 2019 Tèncica mixta, plexiglass, foam i planxa de metal, 40 x 40 x 12 cm

Claire van der Boog
View of a Room nº1, 2019
Tèncica mixta, plexiglass, foam i planxa de metal, 40 x 40 x 12 cm

Conrad Tomàs Noche y Día, 2017 Acrílico sobre placa de pladur 80 x 120 cm

Conrad Tomàs
Noche y Día, 2017
Acrílico sobre placa de pladur
80 x 120 cm

Crisdever EUCALIPTO XVII, 2018  Cortezas de eucalipto, látex y acrílico sobre tabla,  81 x 65 cm.

Crisdever
EUCALIPTO XVII, 2018
Cortezas de eucalipto, látex y acrílico sobre tabla, 81 x 65 cm.

Daniel Sanchez Sin título, 2019    Acrílico sobre cartulina Fabriano “LR” de 220 gr, 50 x 70 cm.

Daniel Sanchez
Sin título, 2019
Acrílico sobre cartulina Fabriano “LR” de 220 gr, 50 x 70 cm.

Nicolàs Monsonís Venezia 1, 2017 Acrílic sobre tela, 73 x 60 cm

Nicolàs Monsonís
Venezia 1, 2017
Acrílic sobre tela, 73 x 60 cm

Oriol Enguany 5 obres de la sèrie 78, 2019 Acrílic i spray sobre paper, 30 x 42 cm (c/u)

Oriol Enguany
Sèrie 78, 2019
Acrílic i spray sobre paper, 30 x 42 cm (c/u)

Sergi Viana Sense títol, 2019 Tècnica mixta sobre fusta, 30 x 21 cm

Sergi Viana
Sense títol, 2019
Tècnica mixta sobre fusta, 30 x 21 cm

Víctor Solanas-Díaz Heavy Works, 2019-06-22 Pintura d’òxid de plom de diferents fabricants sobre DM preparat, 140 x 110 cm

Víctor Solanas-Díaz
Heavy Works, 2019-06-22
Pintura d’òxid de plom de diferents fabricants sobre DM preparat, 140 x 110 cm

Alba Lorente  Ligno III, 2019 Tinta sobre fusta, 15x21cm.

Alba Lorente
Ligno III, 2019
Tinta sobre fusta, 15x21cm.

Alsira Monforte  S/T de la serie Desvanes de la infancia, 2018  Impresión digital sobre papel, hilo sobre tela; bandeja 22×40 cm., marcos 5×6 cm

Alsira Monforte
S/T de la serie Desvanes de la infancia, 2018
Impresión digital sobre papel, hilo sobre tela; bandeja 22×40 cm., marcos 5×6 cm

Ana Rita Canaho Me conocerán por conectada, 2019   Escultura, 126 x 52 x 35

Ana Rita Canaho
Me conocerán por conectada, 2019
Escultura, 126 x 52 x 35

Cristian Torelli El somni del caçador (Le rêve du chasseur), 2019 Tècnica mixta, acrylic, pastel

Cristian Torelli
El somni del caçador (Le rêve du chasseur), 2019
Tècnica mixta, acrylic, pastel

Cristina Pacheco  Poema Visual no298,301, 2019 Acuarel•la y tinta xina sobre paper, 40 x 30 cm

Cristina Pacheco
Poema Visual no298,301, 2019
Acuarel•la y tinta xina sobre paper, 40 x 30 cm

Efraim Ortega Hacia la deriva, 2017  Madera tallada y patina de fibra de vidrio, dimensiones variables, (aprox. 15 x 20 cm cada pieza de madera, la instalación 1,50 m diámetro)

Efraim Ortega
Hacia la deriva, 2017
Madera tallada y patina de fibra de vidrio, dimensiones variables, (aprox. 15 x 20 cm cada pieza de madera, la instalación 1,50 m diámetro)

Fabià Claramunt Paisatge rosa i blau, 2018 Oli sobre fusta, 9,7 x 13,7 cm

Fabià Claramunt
Sense títol, 2018
Oli sobre tela, 116 x 89 cm

Ramon Cornadó Diàlegs callats-02   Còpia digital impresa sobre paper Hahnemühle Photo Rag Baryta, 50x75cm

Ramon Cornadó
Diàlegs callats-02
Còpia digital impresa sobre paper Hahnemühle Photo Rag Baryta, 50x75cm

Tuike Souza Sense títol, 2018 Tècnica mixta sobre tela, 100 x 100 cm

Tuike Souza
Sense títol, 2018
Tècnica mixta sobre tela, 100 x 100 cm

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Martí Rom: Bestiam (del 27 d’abril al 24 de maig)

Martí Rom, nascut a Barcelona el 1955, és un artista que des dels seus inicis se sent identificat amb emprar elements relacionats amb el reciclatge. Les seves escultures/objectes, ensamblades gràcies a l’aparició de materials com el ferro, la fusta, l’alumini, el plom, la pedra e inclòs, en determinats moments, amb el bronze, son els principals protagonistes de les seves creacions. El passat i més concretament els objectes vinculats amb la terra, o sia procedents de l’ambient rural – gracies sobretot a les seves vivències al poble del Baix Campde Mont-roig del Camp, on a la joventut passà llargues temporades, li van servir d’inspiració en les seves escultures, moltes d’elles d’un gran contingut social. Al marge de l’escultura, també s’ha interessat per la pintura i el dibuix, encara que aquestes facetes no siguin tan conegudes pel públic, si són complementàries, sobretot pel seu contingut plenament conceptual.

Amb motiu d’una exposició a la desapareguda galeria barcelonina Carme Espinet, el crític Josep Maria Cadena assenyalava que l’artista “utilitza el que sap, però que es basa en el que somia. Això fa que les seves escultures adquireixen dimensions poètiques que superen les limitacions de la matèria.” Aquesta connexió amb la poesia la podem visualitzar en el llibre que recentment es va publicar amb el títol “L’art de l’amor per amor a l’art”, amb poemes de P.P. Bardier i dibuixos del propi artista. Encara que el tema del llibre no sigui l’habitual, degut a la manera d’interpretar l’erotisme en l’art, els seus dibuixos, plens de realisme i d’una sensibilitat exquisida, a més d’una aparent senzillesa, demostren que no existeixen secrets en representar un dels temes més utilitzatsen la historia de l’art.

“La guineu” Ferro patinat bronze i fusta 24 x 22,5 x 7 cm

La guineu
Ferro patinat bronze i fusta
24 x 22,5 x 7 cm

“Gos que vigila els somnis de la nit” Pintura acrílica collage 65 x 50 cm

Gos que vigila els somnis de la nit
Pintura acrílica collage
65 x 50 cm

El seu interès per manipular objectes trobats, recuperant-los i reciclant-los, indica la seva preocupació per tot el relacionat amb la natura. Aquesta transformació per crear noves estructures, reordenant i reagrupant elements molt diversos, però que tenen una funció essencial en la vida quotidiana dels seus creadors, demostra el nivell de preocupació per mostrar una determinada realitat.

La ironia i la poesia són dos conceptes que van units a la seva obra que, segons Conxita Oliver, són el “resultat tant del contrapunt que s’estableix entre els diferents materials en joc, com de l’elaboració mental i simbòlica que arrossega la seva iconografia”. Per això l’artista desenvolupa diversos temes, la majoria d’ells des d’una òptica socio-política, tot i que també el relacionat amb la natura és ben evident.

A les seves obres s’observa la utilització d’elements fragmentats, acumulats i manipulats, on s’aprecia el seu interès pel passat, un passat que pot ser recent o bé d’èpoques primigènies.

Ocell planejant” Ferro pintat 96 x 83 x 42

Ocell planejant
Ferro pintat
96 x 83 x 42

L’oiseau du Porquerolles Ferro 66 x 50 x 38 cm

L’oiseau du Porquerolles
Ferro
66 x 50 x 38 cm

Respecte a l’exposició actual, l’artista tracta la temàtica del món animal des d’una perspectiva irònica, encara que plena d’imaginació i de delicadesa, en què les figures que apareixen: cavalls, gossos, peixos, ocells, cérvols, insectes- libèl·lula, mantis religiosa-, guineus o dracs, però també animals relacionats amb la mitologia, el cas del minotaure o del faune, es mostren propers a nosaltres. Les peces son de ferro, algunes d’elles oxidades o pintades.

Les escultures son molt esquemàtiques, gairebé sense volum, pel que la fragilitat dels materials emprats origina una obra molt sensible, nonomés per l’ús dels mateixos,sinóper les propostes plantejades, ja que l’espai buit és ben evident, fugint de la solidesa aparent de l’escultura buscant la complicitat de l’espectador.

També estan presents a l’exposició algunes pintures acríliques i d’esprai , on el collage, el frottage i l’esmalt accentuen la idea de transformar la realitat d’un univers dual entre indòmit i racional, però amb la idea de representar-lo de manera propera a l’existir un compromís per ensenyar almón les incongruències i desencerts d’una societat complaent en si mateixa i que obvia el que succeeix al seu entorn més immediat.

Ramon Casalé Soler
Membre de l’Associació Internacional de Crítics d’Art

Ocell nocturn Pintura acrílica collage 30 x 70 cm

Ocell nocturn
Pintura acrílica collage
30 x 70 cm

El cérvol Ferro i pintura 128 x 50 x 30 cm

El cérvol
Ferro i pintura
128 x 50 x 30 cm

Ocell bocabadat Ferro 74,5 x 31 x 12

Ocell bocabadat
Ferro
74,5 x 31 x 12

Ocell holandès Ferro pintat i oxidat 84,50 x 45 x 17 cm

Ocell holandès
Ferro pintat i oxidat
84,50 x 45 x 17 cm

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En veu baixa (del 23 de mayo al 23 de abril)

La exposición En Veu Baixa (En Voz Baja), aglutina cinco lenguajes plásticos de cinco creadoras, Pilar Montserrat, Montse Baqués, Dolors Puigdemont, Laura Baringo y Carme Malaret, que comunican un relato personal, que aportan, desde la materia, la expresión de una idea.

Cada una se enfrenta a la forma a partir de un diálogo que se teje, que se forja, que se moldea, que se dibuja. Y es en la manera de trabajar lo tangible donde establecemos sinergias que nos unen.

Construir con materiales frágiles y/o efímeros nos permite mostrar obra desde el espacio íntimo, de la dualidad, desde el hecho de habitar, de la denuncia. Volumenes que cuestionan sin estridencias, desde el yo, con una narrativa solida y contundente.

Carme Malaret

Carme Malaret

Dolors Puigdemont 1

Dolors Puigdemont

Laura Baringo

Laura Baringo

montse Baqués 1

Montse Baqués

Pilar Montserrat_1

Pilar Montserrat

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María Mrntrd: Ulterior (del 16 de febrero al 16 de marzo de 2019)

La esquina y la esfera: una visión ulterior, por Fernando Sánchez Morote

Blanco, gris y marrón son colores que inundan las obras de María Mrntrd (Moreno Tirado, Granada, 1993). Su cromatismo responde a su pensamiento: sutil, sintético y ordenado, dialoga con toda una suerte de objetos, sencillos a primera vista, pero de gran fuerza expresiva. Fotos, lonas y macetas dan la mano a dibujos y pequeñas esculturas en una delicada sinfonía compuesta mediante instalaciones perfectamente estructuradas. Las obras, se presentan de manera física, fisionómica, importando no solo la forma, sino su forma; la textura es elemento vertebrador para comprender esta selección. Diferentes niveles de ver y maneras de tocar se entrelazan con mano y ojo, permitiendo al sentido del tacto extrapolarse de uno a otro: podemos sentir con la mirada la textura del suelo y el fieltro, las hemos tocado y el ojo remite a este pensamiento.

Hablamos así de ‘objeto relacionado’; lo importante no radica en la relación establecida mediante el objeto, sino en la relación creadacon el objeto. Esto permite llegar a ‘encumbrar’ una hoja, una maceta, una piedra, a darle un cariz totalmente nuevo. La relevancia trasciende más allá de la forma, abrazando algo que converge de lo puramente tangible al crear una conexión incapaz para la vista. Si bien podemos relacionar los objetos por tamaño, por color o disposición, no seremos capaces de alcanzar la visión superficial si omitimos esta tangencial parte. La artista crea una identidad superior a la interactuación, ya importante de por sí, y da plena voz y fuerza a la relación. Es capaz de relacionarse con esos objetos a un nivel tan íntimo, privado y profundo que los hace suyos, dándoles un nuevo significado tan propio como la memoria; su memoria.

Este acercamiento no es en balde, pues abre nuevas facetas de nuestra comprensión basadas en la experiencia, el conocimiento y el sentimiento, claves de introspección actuando como herramientas para percibir y sumergirnos de lleno en dicha relación. Qué es y cómo esson las cuestiones primordiales cuando nos acercamos a un objeto, y aquí quedan relegadas en detrimento al cómo lo percibo, a esa manera de entender la relación entre obra y espectador, entre objeto y ser. Esta última idea queda amparado mediante dos ideas clave que configuran el pensamiento desde su base: Interpretado a través del muy conocido cuento de Borges, El Aleph, y mediante la reflexión en torno al concepto de ulterior.

Lo ulterior como aquello situado en la “parte de atrás”, aquello no percibido a simple vista, lo posterior, un sentimiento tras otra cosa. Lo ulterior carece de negativo o positivo, no es algo oculto, sino ignorado. En este caso, la artista no extrae su naturaleza, no lo desliga, sino lo asume como primera plana; consciente de lo ulterior, lo hace suyo al tomarlo como propio y ser capaz de presentarlo al mundo. Mantiene su significado, cobrando mayor importancia debido a su relación con ella –un paralelismo con el uso del concepto-, la cual hace asu presencia relucir.

En esta línea se configura El Aleph: una pequeña esfera de puro conocimiento, una suerte de agujero blanco cuya función principal es la de expeler información. Destacable resulta el hecho de desprenderla de modo ordenado, pues la suma de ángulos y visiones confluyentes en él podrían crear una amalgama de caos debido al continuo flujo desaberes en una única dirección. Sin embargo, no es así. Aleph y artista se sincronizan en una visión armónica de la vida; sutil y ordenada actúa como imán, invita al espectador de manera dócil, casi servil. No interpele; llama a entender esta noción de conocimiento en la cual tiene una presencia tangible. Es así como la relación entre objeto, conocimiento [Aleph] y sujeto se configura como posibilidad, la dada por la artista para acercarnos, comprender y apreciar la realidad que le compete. Lo ulterior es percibido como algo nuevo, estableciendo las infinitas oportunidades para presenciar ese conocimiento, pues cada lugar, cada rincón, es presumible de contenerlo. Exponer esta parte de atrás es exponer dicha posibilidad de conocimiento, para más detalle, mediante el roce con este objeto relacionado entramos en contacto directo (físico) con lo ulterior.

María Mrntrd permite establecer un acercamiento a esas facetas inexploradas, a esas heridas pasadas por alto, a relaciones casi imposibles de concebir, capacitándonos para el roce y la vista. Al fin y al cabo, el trabajo de un artista no está en el arte; está en la invención de razones para que el arte sea admirable.

aleph (1)web                          autorretrato (2)web

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Miquel Falgàs: La Peribilitat del Nom (del 12 de enero al 12 de febrero, 2019)

LA PERIBILITAT DEL NOM
Diàlegs a través de la pintura en el context del graffiti i l’art urbà

Provinent del món del graffiti, Miquel Falgàs ens presenta la seva obra recent, en la qual revisa l’estètica urbana a través d’un treball multidisciplinar, que hibrida diferents tècniques que van des de la pròpia pintura, la fotografia o el vídeo, fins la instal·lació, la impressió 3D o el transfer.

En la seva obra, Falgàs reflexiona sobre allò que envolta l’art urbà i la pràctica del graffiti, tant en la seva naturalesa més essencial, com a art efímer i sobre la necessitat individual de deixar constància, com en les seves connotacions més polèmiques. Des de la comercialització del graffiti a la dècada dels 70 i l’aparició de marques especialitzades, aquest moviment lligat al teixit de la societat urbana, ha estat un punt de trobada per a milions de joves a tot el món, una mena d’autoafirmació de l’individu dins d’una societat en la que, sovint, és senzill sentir-se’n apartat.

En un periple per qualsevol ciutat, és fàcil trobar parets guixades en l’espai públic. Signatures i pintades que corresponen a la part més il·legal i simplista d’aquesta pràctica i, contra les quals, han de lluitar institucions públiques i privades, generant disputes estètiques en el paisatge. El “removal”, és un concepte d’origen anglosaxó que respon a aquesta disputa entre les diferents institucions en contra d’aquestes pintades, que desllueixen el mobiliari urbà i els propis escriptors de graffiti, generant així, un diàleg constant entre les dues parts en els murs dels carrers.

L’obra de Falgàs es conforma de rastres, marques i empremtes provinents d’aquesta estètica. A través de la superposició de diferents taques i traços marcats per una forta espontaneïtat, es van creant capes que, alhora que creen una nova forma, en censuren d’anteriors, simulant el debat del removal i reflexionant sobre la pròpia naturalesa efímera del graffiti.

Removal V Pintura acrílica sobre paper Basik 370g 100x70cm 2018

Removal V
Pintura acrílica sobre paper Basik 370g
100x70cm
2018

Color gradient  Acrílic sobre tela 130x95cm 2018

Color gradient
Acrílic sobre tela
130x95cm
2018

st. Acrílic sobre tela. 195x130cm 2018

st.
Acrílic sobre tela.
195x130cm
2018

hall of fame acrílic sobre tela 250x230cm 2018

hall of fame
acrílic sobre tela
250x230cm
2018

Gray stratum 2 acrílic sobre taula 39,5x39,5 cm 2018

Gray stratum 2
acrílic sobre taula
39,5×39,5 cm
2018

Miquel Falgàs (Reus, 1993) va guanyar el darrer 26è Premi TELAX en la secció de pintura, i ha exposat en diversos espais entre la província de Tarragona i València, a més d’haver intervingut en nombroses ocasions en l’espai públic a través del graffiti i la pintura mural des de que era un adolescent. Actualment, després de realitzar el grau d’Arts Aplicades al Mur a l’Escola d’Art i Disseny de Tarragona, es troba finalitzant els estudis en Belles Arts a la Universitat Politècnica de València.

postal-invitacio1 Lohan

Patrizia Lohan: Inside Out (del 3 al 30 de noviembre)

Patrizia Lohan presenta el 3 de noviembre su nueva exposición “Inside Out” en la Galeria Antoni Pinyol, después de haber ganado el premio de escultura en el pasado 26 Premi Telax.

Aunque se trata de escultura por su material y tridimensionalidad, su obra se mueve en una fina línea entre esta disciplina y la pintura, combinando las dos técnicas para crear una especie de trampantojo, un trompe l’ œil de luz que posibilita la reflexión del color y la proyección de la sombra. Su obra es ciertamente minimalista, y aprovecha la pureza del material y las formas para dar protagonista a un elemento, la luz, tan intangible e ignorado como omnipresente y necesario, haciendo que las sensaciones que se transmiten a través de estas obras penetren en la retina del espectador y se traduzcan en emociones, estados de ánimo que la artista ha intentado transmitir.

Cuadrados curvados con corte. 2018.                                                    Técnica mixta sobre tela.                                      80 x 80 cm.

Cuadrados curvados con corte. 2018. Técnica mixta sobre tela. 80 x 80 cm.

Rectángulos doblados diagonal. 2018.                                                    Técnica mixta sobre tela.                                      65 x 100 cm.

Rectángulos doblados diagonal. 2018. Técnica mixta sobre tela. 65 x 100 cm.

Doble reflejo n. 1. 2018.                                                                         Técnica mixta sobre tela.                                        50 x 65 cm.

Doble reflejo n. 1. 2018. Técnica mixta sobre tela. 50 x 65 cm.

Tiras 90 º. 2017.                                          Técnica mixta sobre tela.                                      60 x 92 cm.

Tiras 90 º. 2017. Técnica mixta sobre tela. 60 x 92 cm.

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